CLÁSICOS del ROCK!

Revista digital para amantes del rock clásico

Archive for 28 marzo 2007

THE FACES

Posted by siganmelosbuenos en marzo 28, 2007

   

 The Faces fue uno de los grupos británicos de rock más influyentes y de mayor éxito a principios de los años 70, gracias a su mezcla de blues, country-folk y hard rock y sus contundentes y desinhibidos directos. Nacidos de las cenizas de Small Faces, la incorporación de la áspera y carismática voz de Rod Stewart y los riffs de guitarra de Ron Wood convirtieron a la antigua banda estandarte de los mods londinenses en la alternativa rockera a sus vecinos y admirados Rolling Stones, con los que llegaron a rivalizar en éxitos discográficos, seguidores y excesos etílicos.

Todo empezó en 1969, cuando Steve Marriot, líder, cantante y guitarra de Small Faces, abandona el grupo para formar Humble Pie junto a Peter Frampton. Los restantes miembros de la banda -el bajista Ronnie Lane (Ronald Lane,1946), el teclista Ian McLagan (1945) y el baterista Kenny Jones (Kenneth Thomas Jones,1948)- se encuentran entonces en la encrucijada musical y deciden formar un nuevo grupo con el guitarrista Ron Wood (Ronald David Wood,1947) y el cantante Rod Stewart (Roderick David Stewart,1945), que acababan de separarse ambos del guitarrista Jeff Beck, con el que habían grabado sus dos míticos discos Truth y Beck-Ola. En sus primeros ensayos y conciertos como grupo, se incorporaron además el bajista Kim Gardner y el hermano mayor de Ron Wood, Art Wood, que tenía ya una larga experiencia como cantante de blues. Con esta formación, la banda se presentó al público con el nombre de QUIET MELON. Art Wood consiguió entonces una sesión de grabación en los estudios de la discográfica Fontana, aunque finalmente las cuatro canciones que registró el grupo fueron desechadas para su edición y el primogénito de los Wood, que no convencía como cantante, dejó el proyecto para dedicarse al diseño gráfico.

Los cinco músicos restantes siguieron no obstante con el empeño de arrancar como nueva banda y acudieron al sello de Small Faces, Warner Bros, que en principio quería que la formación continuara presentándose como Small Faces para asegurarse la nutrida audiencia de seguidores del mítico grupo mod. Finalmente, los miembros del grupo consiguieron recortar el nombre a The Faces, aunque curiosamente su primer álbum, FIRST STEP, que salió en 1970, se editó en Estados Unidos con el título de Small Faces en la portada, por un despiste de la discográfica del otro lado del Atlántico. El título alude al conocido manual de guitarra de Geoffrey Sisley con el que aparece Ron Wood en la portada. Poco antes, Rod Stewart había comenzado, paralelamente a su rodaje con Faces, una carrera discográfica en solitario con el sello Mercury Records que le iba a reportar un enorme éxito artístico y de ventas, pero también muchos problemas con las respectivas discográficas por la duplicidad de su actuación. Su primer álbum, en el que colaboró su amigo inseparable Ron Wood, se publicó a finales de 1969 con el título de An Old Raincoat Won´t Ever Let You Down, aunque fue conocido como The Rod Stewart Album.

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La edición americana del primer disco de The Faces: First Step (1970)

 El debut discográfico de The Faces no tuvo demasiada repercusión en las listas de ventas, pero contenía algunas brillantes canciones, sobre todo Around the Plynth y Flying, dos épicos temas con el sello inconfundible de las obras compuestas por Rod Stewart y el refuerzo de la exhibición de guitarra pedal steel de Ron Wood, en el primer caso, y de la fantástica cobertura instrumental de todos sus compañeros, en el segundo. Otra aportación interesante fue el tema country-folk Stone de Ronny Lane, que interpretó él mismo a la guitarra acústica, y los dos temas instrumentales de la cara B del álbum. Tras First Step, llegó a principios de 1971 el segundo álbum de Faces, LONG PLAYER, que sería la más floja de las publicaciones del grupo, aunque alcanzó ya una respetable posición en las listas británicas y norteamericanas, seguramente beneficiado por el éxito que comenzaba a tener el grupo con sus potentes actuaciones en directo. Long Player era un batiburrillo de canciones juntadas con mucha prisa por la discográfica para aprovechar el tirón de la banda, e incluía de relleno dos versiones en directo de canciones de Paul McCartney (Maybe I´m Amazed) y del bluesman Big Bill Broonzy (I Feel So Good). Para entonces, el sonido del grupo era ya claramente deudor de los Rolling Stones, e incluso se reclutó como colaborador al saxofonista Bobby Keys, que había participado en discos del grupo de Jagger y Richards.

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Long Player (1971)

 Por fortuna, The Faces hicieron un trabajo más serio en su siguiente álbum, publicado a finales del mismo año de 1971, con la ayuda en la producción del mítico Glyn Johns. Se tituló A NOD IS AS GOOD AS A WINK…TO A BLIND HORSE, y llegó a situarse en el número 2 de ventas en Gran Bretaña y en el 6 en Estados Unidos. The Faces era ya una banda con enorme popularidad a ambos lados del Atlántico y a sus conciertos acudían verdaderas multitudes deseosas de inyectarse del potente sonido del grupo y su desmadrada actitud sobre el escenario, que fue incluso referencia para grupos punk como Sex Pistols. El éxito del tercer disco de la banda se vió beneficiado además por el auténtico boom de la tercera grabación de Rod Stewart en solitario, Every Picture Tells a Story, publicado entre Long Player y A Nod is.., que convirtió al cantante londinense en una auténtica estrella de dimensiones galácticas, gracias a memorables canciones como Maggie May o Mandolin Wind.

A medida que crecía la fama de Stewart, se complicaba la relación del cantante con los otros miembros del grupo y se despertaban los conflictos entre las discográficas por los derechos de sus canciones, pues a menudo interpretaba composiciones de sus discos en solitario en los conciertos con The Faces, mientras sus compañeros de grupo colaboraban en sus discos en solitario. Sin embargo, en A Nod is as Good as a Wink…to a Blind Horse fue Ron Wood quien se destapó como compositor principal (aunque siempre ayudado por su amigo Rod), con temas que preludian el sonido guitarrero tan particular que introducirá en su posterior paso por los Rolling Stones. El tema estrella de este tercer disco es sin duda Stay With Me, una canción potente, redonda y vibrante que comienza con uno de los riffs de guitarra más míticos de la historia del rock.

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A Nod is as Good as a Wink..to a Blind Horse (1971)

  The Faces todavía mostraron que podían llegar a más en sus discos, y en 1973 graban su mejor obra, OH LA LA, que llegó al número 1 de ventas en Gran Bretaña. Después de una larga gira mundial en 1972, el grupo presentó por fin un disco homogéneo en el que se equilibraban las rockeras canciones de Wood y Stewart con las habituales baladas o medios tiempos de Ronny Lane. El comienzo es magnífico, con tres temas notables como Silicone Grown, Cindy Incidentally y Flags and Banners, aunque después flojea algo el ritmo, aunque sigue el buen tono, incluso en el fantástico instrumental Fly in the Oinment.

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Oh La La (1973), la obra maestra de The Faces 

 A pesar del éxito discográfico, las disensiones internas se habían hecho insostenibles. Rod Stewart criticó públicamente el último disco, en el que no había tenido mucha participación, y el mismo año de 1973 Ronny Lane abandona The Faces para emprender su carrera en solitario, harto de que el grupo fuera presentado promocionalmente como “el grupo de Rod Stewart”. Así que, para la obligada gira de promoción del exitoso Oh La La, se tuvo que contratar a un nuevo teclista. El elegido fue el japonés Tetsu Yamauchi, excomponente de la banda Free. Fruto de esta gira, se publicó en 1974 el disco en directo COAST TO COAST. OVERTURE AND BEGINNERS, que resultó un fracaso discográfico por la desacertada selección de temas y el pobre registro de sonido, que no reflejaban ni mucho menos lo que realmente era un concierto de The Faces. Además, solo se incluyeron tres temas del grupo, por seis de los discos de Rod Stewart en solitario, lo que obligó a que la publicación fuera compartida por los sellos Mercury Records y Warner.

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El disco en directo Coast to Coast. Overture and beginners (1974)

  Finalmente, tras editar algún nuevo sencillo, el grupo decidió que se había agotado la química, y en 1975 cada uno de sus miembros  siguió su propio camino, aunque el sello Warner intentó exprimir el tirón de The Faces con un disco recopilatorio SNAKES AND LADDERS, publicado en 1975. Ron Wood, que en 1974 había publicado su primer disco en solitario (I´ve Got my Own Album to Do), fue contratado como guitarrista para la gira de los Rolling Stones por Estados Unidos y acabó relevando a Mick Taylor como acompañante de Keith Richards. Rod Stewart continuó con su carrera en solitario y se trasladó a los Estados Unidos para evitar el fisco británico, tras firmar con Warner el comienzo de una nueva y lucrativa etapa artística. McLagan colaboró en distintos grupos, incluidos los Stones, y Kenny Jones sustituyó a Keith Moon como batería de The Who tras la muerte del fantástico mamporrero (como anécdota, decir que la viuda de Moon se casó tiempo después con Ian Mclagan). Lane también se movió en diferentes frentes, hasta que se le diagnosticó la terrible enfermedad de la esclerosis, que limitó su actividad musical hasta su fallecimiento en 1997. 

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Five guys walk into a bar (2004)

  En el año 2004, el sello Rhino -en asociación con Warner y con la producción de Ian McLagan- sacó a la venta una caja con cuatro CD´s (FIVE GUYS WALK INTO A BAR), en el que se incluían las típicas tomas alternativas, demos, temas no incluidos en sus álbumes, versiones en directo y algunas de las grabaciones del grupo para la emisora BBC de Londres. Pero en definitiva, en apenas cuatro años de carrera y con cuatro discos de estudio, The Faces fueron uno de los estandartes del espíritu del rock de principios de los años 70 y referencia para otras bandas que llegaron detrás.

The Faces en vivo interpretando su famoso tema Stay With Me

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AL KOOPER + MIKE BLOOMFIELD Supersession

Posted by siganmelosbuenos en marzo 28, 2007

 

  

Dos grandes artistas unieron sus talentos en 1968 para brindarnos uno de los mejores discos de blues psicodélico de la historia: Supersession. Se trata del brillante músico y teclista Al Kooper y del portentoso guitarrista Mike Bloomfield, uno de los instrumentistas blancos con mayor feeling de la historia del blues. Las composiciones de ambos y sus escasos pero fantásticos directos son un legado imprescindible de la música de los años 60.

Al Kooper (Alan Kuperschmidt – Nueva York,1944) y Mike Bloomfield (Michael Bloomfield – Chicago,1943 – San Francisco,1981) se conocieron en 1965 durante la grabación del disco Highway 61 Revisited de Bob Dylan, en el que tuvieron una participación fundamental con sus respectivos instrumentos (¡Quién no recuerda la fantástica guitarra de Tombstone Blues o el órgano Hammond que inicia la mítica Like a Rolling Stone!). Curiosamente, Kooper trabajaba hasta entonces como guitarrista de sesión, pero las superiores dotes de Bloomfield con la guitarra le desplazaron a los teclados; un cambio que supondría un acierto para su carrera y para la historia del rock. Kooper y Bloomfield habían acompañado previamente a Dylan en el Festival Folk de Newport de ese mismo año, en el momento de la polémica electrificación musical del cantautor americano. Además, Bloomfield disfrutaba de cierto reconocimiento como guitarrista tras formar parte de la PAUL BUTTERFIELD BLUES BAND, grupo en el que contribuyó a la difusión del blues de Chicago entre el público blanco con sus pioneros solos de guitarra.

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Highway 61 Revisited de Bob Dylan

Tras su experiencia con Dylan, Kooper se unió el mismo año de 1965 a la banda de blues-rock psicodélico BLUES PROJECT, con la que se rodó como teclista durante dos años, y en 1967 pasó brevemente por BLOOD, SWEAT AND TEARS, con los que grabó un disco y actuó en el mítico Festival de Monterrey de ese mismo año. En Monterrey estuvo también Mike Bloomfield con su nueva banda ELECTRIC FLAG, que formó en 1967 tras desligarse de la Paul Butterfield Blues Band. Con un plantel lleno de estrellas (Nick Gravenites, Barry Goldberg, Buddy Miles…), Bloomfield no tardó en abandonar el proyecto, después de la publicación del primer disco en abril de 1968. Así que, liberados de sus compromisos con sus antiguas bandas, Kooper y Bloomfield encontraron el momento ideal para compartir sus inquietudes y habilidades musicales y compositivas. En el mes de mayo de 1968 ambos quedaron en los estudios del sello discográfico Columbia en Los Angeles, donde trabajaba Kooper, y en una sola sesión de nueve horas grabaron las cinco primeras canciones de lo que más tarde sería el disco Supersession. En ellas, Bloomfield exhibe su extraordinario virtuosismo y talento como guitarrista de blues, ganándose por méritos propios el título de heredero máximo de los maestros Albert King y Freddy King, mientras Kooper introduce una fascinante cobertura de jazz psicodélico.

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The Blues Project, Blood, Sweat & Tears y Electric Flag

Además de los tres temas compuestos por Kooper-Bloomfield (Albert´s Shuffle, His Holy Modal Majesty y Really), se grabaron en esta primera sesión dos versiones de canciones de Curtis Mayfield (Man´s Tempation) y Jerry Ragovoy (Stop), esta última con una nueva exhibición del sonido limpio y auténticamente blues de la guitarra Gibson Les Paul de Bloomfield, sin necesidad de las distorsiones y efectos de la época. Desgraciadamente, los problemas de insomnio de Mike Bloomfield, unido a sus devaneos con las drogas, dejaron al fantástico guitarrista fuera del proyecto, y Kooper tuvo que reclutar para concluir la faena a Stephen Stills, compositor y guitarrista de la mítica banda Buffalo Springfield, que acababa de separarse. Con Stills se grabó la cara B de Supersession que, siendo también interesante, no llega a los niveles sublimes de las cinco primeras canciones. Se trata de cuatro temas entre los que destacan la rítmica versión del clásico de Dylan It Takes a Lot to Laugh, it Takes a Train to Cry y la monumental The Season of the Witch, un tema de más de 11 minutos popularizado por el cantautor americano Donovan. En la grabación del disco colaboraron también Harvey Brooks al bajo, Eddie Hoh a la batería y Barry Goldberg al piano eléctrico, y en las remezclas se añadieron arreglos de viento a las canciones, de lo que se encargó el músico Joe Scott. En la reedición de Supersession de 2003 se incluyeron las versiones sin vientos de dos de las canciones, además de un tema desechado más que notable (Blues for Nothing) y una interpretación en directo en el Filmore West de San Francisco del tema de Kooper y Bloomfield Fat Grey Cloud.

The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (1969)

Después del éxito de crítica y ventas de Supersession, que salió a la venta en julio de 1968, Kooper volvió a invitar a Bloomfield a acompañarle musicalmente, esta vez con la intención de grabar un disco en directo. De nuevo en la carretera, Bloomfield aceptó el reto y propuso que actuaran en el mítico Fillmore West de San Francisco, donde se había curtido toda la psicodelia musical de la ciudad. Tras ensayar apenas unos días con el batería Skip Prokop y el bajista John Kahn, Kooper y Bloomfield ofrecieron sus dos primeros conciertos en el local californiano el 26 y 27 de septiembre de 1968, en lo que fue una auténtica jam de versiones de música americana, con solo algún que otro tema propio. En estas actuaciones, se produjo además el debut de Bloomfield como cantante, interpretando sin demasiadas cualidades temas de blues, soul y rock and roll.

Por desgracia, para el tercer concierto en el Fillmore West el 28 de septiembre, Bloomfield volvió a fallar por causa de sus problemas de insomnio, que le obligaron a recuperarse en un hospital después de pasar cinco días sin dormir. Así que Kooper tuvo que reclutar de nuevo un sustituto, que en este caso fueron dos: Carlos Santana, que se formó como guitarrista de blues y estaba a punto de sacar su primer disco con su banda Santana, y Elvin Bishop, otro clásico de la guitarra blues que había sido compañero de Bloomfield en la Paul Butterfield Blues Band. Con el material grabado en los tres conciertos, Columbia sacó a la venta en 1969 un disco doble que fue bautizado como The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper. En la selección musical se incluyeron versiones de temas de Ray Charles, Simon and Garfunkel, The Band y Booker T and the Mg´s, entre otros. Carlos Santana aparece en la versión del tema Sonny Boy Williamson de Jack Bruce y durante la edición del disco se incluyeron los coros del propio Paul Simon a Al Kooper en la versión de su canción The 59th Street Bridge Song (Feeling Groovy).

Fillmore East: The Lost Concert Tapes (2003)

La actuación en vivo de Kooper y Bloomfield se repetió en meses siguientes en otros lugares de los Estados Unidos y muchos años después se recuperaron unas cintas grabadas durante las actuaciones de los dos genios en la sala Fillmore de la costa este, el Fillmore East de Nueva York, los días 12 y 13 de diciembre de 1968. Sony Music (propietaria de Columbia) se encargó de editar estas cintas en 2003 con el título de Fillmore East: The Lost Concert Tapes, unas grabaciones en las que que, además de poder escuchar en vivo la actuación de Kooper y Bloomfield, se recoge la presentación y participación de un joven guitarrista que empezaba a despuntar por entonces: el tejano albino Johnny Winter, que interpreta con Bloomfield el tema de B.B.King It´s My Own Fault. Tras la gira, concluyó la colaboración regular entre ambos artistas, aunque su encuentro a finales de los años sesenta nos legó una de las joyas de la música de todos los tiempos: Supersession. Al Kooper continuó su carrera en solitario, además de colaborar en discos de Rolling Stones, Jimi Hendrix o The Who y dedicarse a la producción, descubriendo entre otros a Lynyrd Skynyrd. Mike Bloomfield siguió fiel a su amado blues y publicó en los años setenta diferentes álbumes en solitario y colaboraciones con otros artistas, hasta que se produjo su desgraciada muerte por sobredosis en 1981.

Aquí tenéis un video de Kooper y Bloomfield en todo su apogeo

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ARTHUR LEE + LOVE

Posted by siganmelosbuenos en marzo 28, 2007

   

Arthur Lee (Memphis, Tenessee, 1945 – 2006) fue uno de los músicos más personales e influyentes de la creativa década de los años 60. Líder de la banda californiana Love, la mezcla de rock garagero y melodías folk de sus composiciones y su carismática presencia en escena le convirtieron en referencia de la música sicodélica y underground de la ciudad de Los Angeles y en modelo e inspiración para artistas de la época como Jim Morrison, Robert Plant, Syd Barret o Mick Jagger. Aunque su carrera musical decayó irremediablemente desde los años 70 por su creciente inestabilidad emocional, el álbum Forever Changes de Love permanece como una de las obras más sublimes y admiradas de la historia de la música moderna. Podéis encontrar información detallada de la discografía del grupo en esta magnífica página: http://love.torbenskott.dk/

Arthur Lee (de nombre real Arthur Porter Taylor) nació en marzo de 1945 en la ciudad de Memphis (Tenessee), una de las cunas de la música popular americana, hijo de un trompetista blanco de jazz y una profesora de instituto afroamericana. Sin embargo, a los cinco años Arthur se muda junto a su madre a la ciudad californiana de Los Angeles tras la separación de sus padres, y cuando su madre se volvió a casar dos años después con Clinton Lee, Arthur adopta el apellido de su nuevo padre. Estudiando en el instituto, entabla una estrecha amistad con Johnny Echols, un muchacho negro un par de años más joven que él con el que comparte intereses musicales y ambos forman sus primeros grupos, con los que actúan en fiestas privadas y escolares. Finalmente, en 1963 consiguen grabar su primer y único sencillo para Capitol Records con su banda ARTHUR LEE AND THE LAG´S, compuesta por Arthur Lee al órgano y teclados, Johnny Echols a la guitarra, Allan Talbert al saxofón y Rolan Davis a la batería. En este primer sencillo se incluían dos temas instrumentales (The Ninth Wave y Rumble-Still-Skins) en los que imitaban a los grupos instrumentales surferos de California, tan de moda en esos años. Al año siguiente, Lee y Echols forman un nuevo grupo: THE AMERICAN FOUR, acompañados ahora del bajista John Fleckenstein y del baterista Don Conka. Con ellos grabaron en 1964 un disco sencillo que incluía el instrumental Soul Food, claramente deudor de Booker T and the Mg´s, y Luci Baines, una canción con más que evidentes similitudes con el clásico del soul Twist and Shout, que hacía poco habían popularizado los Beatles y antes The Isley Brothers.

  Arthur Lee con The American Four (1964)

Además, Lee compuso ese mismo año dos canciones para otros artistas: I Been Trying, que interpretó el cantante Little Ray, y My Diary para la cantante Rosa Lee Brooks, tema para cuya grabación reclutó como guitarrista a su amigo Jimi Hendrix, por entonces músico de estudio conocido artísticamente como Jimmy James. Esta aparición supuso el primer registro discográfico del más grande guitarrista de todos los tiempos. En 1965, Lee interpreta como cantante dos canciones compuestas por él mismo para el grupo RONNIE AND THE POMONA CASUALS: Everybody Jerk y Slow Jerk. Pero tras su rodaje juvenil como músico, cantante y compositor, a mediados de 1965 llega el momento clave de la carrera de Arthur Lee, con la irrupción en el panorama musical del grupo de folk-rock californiano The Byrds. Lee se sentía muy identificado con el estilo musical de los Byrds, y no tardó en incorporar el delicado folk y las armonías vocales de sus colegas a su nuevo proyecto musical. Entonces fue cuando conoció a Bryan Mclean (1946-1998), un jovencito hippie que había trabajado como auxiliar de gira de los Byrds, pero que también tocaba la guitarra y componía música. En esas fechas, el antiguo grupo de Arthur Lee, The American Four, había cambiado el nombre a THE GRASS ROOTS, aunque con los mismos compañeros, es decir, su amigo Johnny Echols a la guitarra, John Fleckenstein al bajo y Don Conka a la batería.

Arthur Lee quería incorporar además otro guitarrista para conseguir el sonido Byrds, y así, después de probar a Bobby Beausoleil, uno de los miembros de la satánica familia de Charles Manson, llegó la ocasión perfecta para contratar a Bryan Mclean. Con la nueva formación al completo, los Grass Roots se hicieron muy conocidos en los garitos underground de Los Angeles, con sus psicodélicas versiones de rythm and blues y folk y sus primeros temas propios. Pronto llegaron las ofertas de grabación, pero antes de firmar su primer contrato, tuvieron que abandonar el nombre de Grass Roots, pues un avispado productor lo había registrado para otro grupo de la ciudad. Entonces decidieron llamarse simplemente LOVE. En la cuna del movimiento hippie americano, el estado de California, presentarse con el nombre de Love era toda una declaración de principios. Pero el cambio de nombre no fue el único que se produjo en el grupo. El bajista John Fleckenstein abandonó el barco para dedicarse al cine y el baterista Don Conka se metió de lleno en el mundo de la heroína, por lo que tuvieron que prescindir de sus servicios. Para sustituirles, Lee contrató al bajista Ken Forssi y al baterista Alban Snoopy Pfisterer, y con estas nuevas incorporaciones el definitivo plantel de Love inició en enero de 1966 la grabación de su primer disco para el sello Elektra, en los estudios Sunset Sound de Los Ángeles. Comienza así la historia de Love.

Portada del primer disco de Love (1966)

El primer disco de Love saldría a la venta a mediados de 1966. Fue presentado sin título y sería el más rockero de los editados con su formación clásica, aunque en realidad presentaba una mezcla de rythm and blues potente al estilo de los británicos Yardbirds o Rolling Stones que gustaba a Lee con las influencias de las armonías vocales y las guitarras folk de los Byrds, que introdujo principalmente McLean. Así, junto a temas garageros como Little Red Book o My Flash on You encontramos preciosas baladas como Mushrooms Clouds o A Message to Pretty. Además, la auténtica joya escondida de este disco es el tema Signed D.C. (Firmado DC), un alegato contra la dependencia de las drogas, claramente inspirada en el antiguo batería del grupo Don Conka e interpretada por Arthur Lee con el único acompañamiento de una guitarra acústica y la armónica.

El primer disco de Love tuvo una buena acogida por parte de crítica y público y fue alabado como un más que notable estreno, mientras Arthur Lee acrecentaba día a día su carisma en sus conciertos en salas de Los Angeles. Tras finalizar la grabación de su primer trabajo en estudio, el grupo estaba en su mejor momento y los miembros de Love decidieron incluso compartir unos meses de convivencia en una villa residencial a la que llamaban “El castillo” y que se utilizó además para las fotos de las cubiertas de sus dos primeros álbumes. Así, pocos meses después de la publicación de su primer disco, comenzarán a grabar el segundo, que marcará un giro importante en el estilo del grupo. Precediendo a la salida de este segundo álbum, se presentó un disco sencillo que incluía la única canción de Love que llegó a situarse en el top 40 de la prestigiosa revista musical Billboard, Seven and Seven is, un tema de enorme fuerza, grabada a un ritmo trepidante, que introducía multitud de innovaciones en la música rock.

 Da Capo, el segundo disco de Love (1967)

No obstante, el nuevo disco, bautizado con el título de Da Capo y que salió a la venta en febrero de 1967, estaba marcado sobre todo por la introducción y predominio de sonidos más cercanos al jazz y elementos de la música barroca y latina. Estos cambios influyeron por otra parte en la formación habitual del grupo, pues por una parte se contrató a un nuevo batería, Michael Stuart, para sustituir a Alban Snoopy Pfisterer, que pasó a tocar el clavicordio en el disco, y por otro lado comenzó a actuar con la banda el músico Tjay Cantrelli, que tocaba la flauta travesera y el saxofón. La grabación se realizó en esta ocasión en los estudios de la RCA, pues se dice que Sunset Sound estaba reservado para sus colegas de The Doors, que acababan de firmar por Elektra. El contenido del disco Da Capo presentaba dos caras completamente diferentes. La cara A contenía, además de Seven and Seven is, cinco auténticas joyas musicales que mezclaban folk, jazz, música clásica y latina, e incluso reminiscencias flamencas. Una de las más brillantes era Orange Skies, compuesta por Bryan Mclean pero interpretada en el disco por Arthur Lee, con la flauta de Jay Cantrelli dándole un toque clásico muy especial. En 1997, el sello Sundazed publicó en un disco titulado If You Believe in las grabaciones que McLean realizó en cassete de sus composiciones, que eran las que este sensible y minusvalorado músico presentaba a Arthur Lee y que luego entre todos desarrollaban y arropaban musical e instrumentalmente.

Como contraposición a los seis magníficos temas de la cara A, la cara B del segundo disco de Love se ocupó totalmente con una larga interpretación musical de casi 20 minutos, al estilo de las jams de rythm and blues habituales en los conciertos de bares y pequeñas salas de concierto. Esta extensa grabación casi en vivo se tituló Revelation, aunque se trataba de un tema que Love solía tocar en sus conciertos y que llamaban John Lee Hooker, en honor al patriarca del blues, aunque el grupo solía introducir elementos psicodélicos muy particulares y extender la interpretación hasta casi una hora. Este experimento musical fue descaradamente imitado en uno de sus discos por los Rolling Stones, habituales seguidores de Love en su paso por California. Y es que tras la publicación del álbum Da Capo, Love se convirtieron en un grupo de culto que sirivió de inspiración para muchos jóvenes en el inicio de sus carreras, como Jim Morrison, Robert Plant o Syd Barret, todos ellos admiradores de la poderosa presencia de Lee en escena y de su particular forma de vestir. Sin embargo, el carácter huraño y complejo de Lee no aceptó bien las exigencias de la fama, y renunció a realizar giras por Estados Unidos o el extranjero, rechazando incluso la invitación a tocar en el mítico Festival de Monterrey. Y eso que aún faltaba por llegar la obra cumbre de Love: Forever Changes, que situaría definitivamente a la banda californiana en el altar de la música rock de los años 60.

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Forever Changes (1967)

Forever Changes (Elektra,1967) es sin lugar a dudas la obra maestra del grupo californiano Love y uno de los discos más importantes de la Historia del rock, al nivel de otras obras legendarias de esa época como el Pet Sounds de los Beach Boys o el Sargent Peppers de los Beatles: una auténtica sinfonía folk con arreglos orquestales con la que Arthur Lee se consagró con tan sólo 22 años como uno de los grandes genios de la música moderna. El que fuera tercer disco de Love fue publicado en noviembre de 1967 y se abre con la mítica canción Alone Again Or, una composición folk con guitarras acústicas e influencias latinas compuesta por Bryan Mclean, que da paso a un segundo y fantástico tema: A House is Not a Motel, en el que Arthur Lee quiso que Echols echara el resto para ofrecer un potente solo de guitarra eléctrico al final del mismo, al estilo de los grandes grupos del rock psicodélico de la época. A partir de ahí comienza una sucesión de brillantes canciones folk-rock, arropadas por los magníficos arreglos orquestales del propio Arthur Lee y del músico David Angel, con la colaboración de la Orquesta Filarmónica de Los Angeles, y con el personal y a veces extraño discurso social y pacifista del músico de Memphis en sus letras. En definitiva, un disco delicioso que se escucha de un tirón y sorprende en cada uno de sus temas. Incluso la portada acompaña toda la belleza de este álbum, con un collage lleno de color realizado por el artista Bob Pepper, en el que se fusionan los dibujos de las cabezas de los cinco miembros del grupo.

A pesar de la evidente calidad de la obra, Forever Changes pasó desapercibido entre los críticos de la época y tampoco alcanzó ventas notables entre el público, aunque sí veneración apasionada en artistas como Robert Plant o Syd Barret. Tras la publicación de Forever Changes en noviembre de 1967, el grupo Love todavía grabó un disco sencillo a finales de enero de 1968, que supuso el último registro discográfico de la banda antes de su separación. Este último sencillo mantuvo la brillantez de Forever Changes, sobre todo en su cara A, con un espectacular tema de Lee: Your mind and we belong together. Pero cuando Love se embarcó por fin en una gira promocional del disco por Estados Unidos se acentuaron las diferencias personales dentro del grupo y los problemas con las drogas de la mayoría de ellos. Para colmo, Elektra ofreció a Bryan Mclean iniciar su carrera en solitario, y aunque este proyecto no llegó a concretarse, Mclean vio entonces la posibilidad de liberarse del castrante dominio de Lee y mostrar por fin todo su talento y anunció que abandonaba el barco. Así que, tras la espantada de Mclean, Arthur Lee se dio cuenta de que perdía el control ejercido hasta entonces como líder de la banda y decidió finalmente despedir al resto de sus compañeros, que habían perdido el interés por la banda y estaban enganchados de forma preocupante a la heroína. En consecuencia, la gira de Love fue suspendida cuando iban a actuar en Miami y Arthur Lee comenzó en Los Angeles la búsqueda de nuevos músicos para mantener con vida a la banda que él había creado. Pero evidentemente, Love ya no sería lo mismo a partir de entonces.

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Four Sail (1969), último álbum de Arthur Lee con Elektra

Durante el verano de 1968, llegaron las nuevas incorporaciones de Arthur Lee: el bajista Frank Fayad, el guitarrista Jay Donnellan y el batería George Suranovich. Con su nueva formación, Lee grabó en el mes de septiembre de ese mismo año las canciones del disco Four Sail en el estudio que tenía en su propia casa, aunque el nuevo album no se publicó hasta justo un año después de las sesiones de grabación, en septiembre de 1969. Four Sail fue el último disco de Arthur Lee con el sello Elektra y que tuvo que cumplir por compromiso contractual, pues el músico de Memphis ya estaba pensando en publicar sus canciones con otra casa discográfica. Una vez alejado de la influencia folk de su alter ego Bryan Mclean, Arthur Lee endureció el sonido de sus composiciones en este primer disco con la nueva banda Love, en el que predomina el sonido garagero y los largos solos de guitarra distorsionada, que comienzan en el primer corte del álbum, August.

Aunque los tres primeros discos de Love con su formación original son los que han quedado para la historia, este cuarto álbum no desmerece en absoluto a los anteriores y contiene un buen puñado de canciones de Arthur Lee, que todavía mantenía la inercia de los buenos tiempos. Sin embargo, tras la edición de Four Sail no sólo se cerró la colaboración de Love con Elektra, sino también la época de mayor creatividad de Lee. Tras romper con Elektra, el músico negoció con el sello Blue Thumb, que le exigió para producir su siguiente disco que reuniera de nuevo a los antiguos miembros de Love. Presionado por la discográfica, Lee consiguió reclutar a todos sus ex-compañeros menos a Bryan Mclean, y juntos actuaron en una ocasión, aunque el intento no funcionó, pues Echols y Forssi seguían con sus problemas de drogas y la química entre los cuatro músicos se había perdido. El propio Lee había comenzado una deriva personal preocupante y en esta época estuvo a punto de morir de una sobredosis de la que fue rescatado en la bañera de su casa.

 

Arthur Lee con su amigo Jimi Hendrix

 Finalmente, Arthur Lee volvió a utilizar a sus nuevos músicos en los dos discos grabados con Blue Thumb, aunque en el segundo el guitarrista Jay Donnellan fue sustituido por Gary Rowles, ex-compañero de Suranovich y Fayad en la badan de Nooney Rickett y miembro de The New Buffalo Springfield. La primera grabación fue el doble Out Here, que se publicó en noviembre de 1969, sólo dos meses después de Four Sail y aprovechando algunas de las canciones grabadas en el verano de 1968. Pero aunque todavía se puede encontrar algún tema interesante, lo cierto es que en conjunto el repertorio de canciones de Out Here es bastante flojo. La decadencia compositiva de Arthur Lee se agudizó en el segundo disco con Blue Thumb, False Start, publicado en diciembre de 1970. No obstante, el gran interés de esta grabación se encuentra sin duda en el tema que abre el disco, Everlasting first, en el que Arthur Lee consiguió por fin que su amigo Jimi Hendrix colaborara con su fantástica guitarra. Sin embargo, después de la publicación de tres discos con su nueva formación Love, Arthur Lee volvió a disolver la banda y decidió lanzarse a la carrera en solitario.

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Los discos con Blue Thumb: Out Here (1969) y False Start (1970)

En 1972, Lee publicó el álbum Vindicator con el sello AM Records, un disco en el que parece recuperar su vitalidad musical y que es sin duda el más interesante que publicó en los años 70. Para acompañarle en su nueva andadura, reclutó una banda a la que llamó Band Aid, nombre con que habían bautizado años atrás el proyecto que iba a unirle a su amigo Jimi Hendrix y el cantante Steve Winwood y que se vió frustrado por la repentina muerte de Hendrix a finales de 1970. Pero el sonido del mítico guitarrista es patente en la mayoría de los cortes de este disco, con una perfecta unión de la vigorosa interpretación de Lee y los excelentes solos de guitarra de Charlie Karp. En Vindicator se encuentran notables temas de hard-rock como Sad Songs, Love Jumped Through my Window y Busted Feet y la canción pacifista Everybody´s gotta live, que Lee solía enlazar en directo con Instant Karma de John Lennon.

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Portada de Vindicator, primer álbum en solitario de Arthur Lee (1972)

En 1973, Arthur Lee preparó un segundo disco en solitario para la discográfica Buffalo Records, titulado Black Beauty, pero finalmente el proyecto no salió a la luz, aunque sería rescatado muchos años después en un álbum recopilatorio que incluía además los primeros discos sencillos de la carrera musical de Arthur Lee (Black Beauty and other assorted rarities, Toxic 1991). También existe otro disco perdido de Arthur Lee que se iba a llamar More Changes, del que apenas se han rescatado algunas maquetas grabadas en 1977. Entre medias, un nuevo intento de Lee por reflotar la banda Love, con la grabación en 1975 del álbum Reel to Real. En todos estos discos el rastro del folk y la música de los 60 había desaparecido casi por completo, dejando paso a todos los estilos de la música vigentes en los años 70, desde el hard rock hasta las nuevas tendencias de la música negra en el soul, el funky e incluso los ritmos caribeños. Pero en general se trata de ensayos o experimentos fallidos, del que apenas se pueden salvar algunos temas.

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Reel to Real (1975)

Pero Lee no se resignaba a olvidar su glorioso pasado, y en 1978 se volvió a reunir con su ex-compañero Bryan Mclean. La anunciada carrera en solitario de Mclean tras abandonar Love diez años antes ni siquiera había llegado a comenzar, pues finalmente Elektra desechó la idea de editar un disco con sus canciones, que también fueron rechazadas por el sello Capitol de Nueva York. Así que, sumido en una gran crisis personal, Mclean acabó por echarse en brazos de una organización religiosa cristiana, componiendo a partir de entonces canciones y baladas religiosas. Pero en un intento por revivir los años dorados, Arthur Lee y Bryan Mclean actuaron juntos en el club Whiskey a GoGo de Los Angeles en ese año 1978, interpretando los viejos temas de Love. Aunque la actuación fue grabada y publicada por el sello Rhino en 1982 (Love Live), poco tenía que ver con los brillantes tiempos de Forever Changes y el encuentro entre los dos genios de la formación original de Love fue una mera anécdota.

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La última grabación de Arthur Lee con Bryan McLean

En los años 80 y primera mitad de los 90, Arthur Lee siguió publicando mediocres y esporádicas grabaciones, y los continuos fracasos de sus proyectos artísticos condujeron al artista a una errática vida personal en la que los problemas con las drogas o con la justicia se hicieron cada vez más habituales. La inestabilidad emocional de Lee acabaría por llevarle a prisión, pues tras haber sufrido un par de detenciones por posesión de droga y allanamiento de la casa de su novia, Lee fue denunciado en 1996 por disparar al aire con una pistola sin licencia, durante una discusión con unos vecinos. Por acumulación de faltas, Lee fue condenado a doce años de cárcel. Afortunadamente, el encierro de Arthur Lee se redujo a seis años, y en 2001 salió libre de nuevo y con ganas de retomar la actividad musical. Por desgracia, durante su estancia en prisión le llegó la noticia de las muertes de Bryan Mclean y Ken Forssi en 1998, lo que significaba que ya nunca podría volver a reunir la formación original de Love. Pero Arthur Lee no tardó en contratar al grupo Baby Lemonade como su nueva banda Love y con ellos publicó un disco y realizará en años siguientes varias giras por Estados Unidos, Europa y Australia. En una de esas giras, Lee interpretó el repertorio completo de su disco Forever Changes, actuación que fue grabada y publicada en un DVD en el año 2003. Pero en 2005, Arthur Lee dejó tirados a Baby Lemonade por nuevos problemas personales, y antes de que pudiera comenzar una nueva aventura, se le diagnosticó una leucemia, que acabaría con su vida el 9 de agosto de 2006. Arthur Lee moría con 61 años, dejando tras de sí un legado musical extraordinario.

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Cartel de uno de los conciertos benéficos para financiar el tratamiento contra la leucemia de Arthur Lee

Arthur Lee y Love cantando su primer sencillo: Little Red Book (y Johnny Echols con guitarra de doble mástil)

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