CLÁSICOS del ROCK!

Revista digital para amantes del rock clásico

¡Síguenos en facebook!

Posted by siganmelosbuenos en mayo 29, 2015

S_guenos_en_facebook

Desde hace un tiempo, he abandonado la actualización de esta página por estar centrado en otras ocupaciones, aunque su contenido seguirá en su sitio por su interés histórico y musical. A partir de ahora, no obstante, continuaré ofreciendo fotos, vídeos y noticias de mis bandas clásicas favoritas en Facebook, a través de http://www.facebook.com/clasicosdelrock60. Ahí podremos tener un contacto más vivo y directo y compartir contenidos. Un abrazo a todos y todas los que habéis seguido esta página desde hace ocho años.

Nacho

Posted in Uncategorized | Leave a Comment »

Los Jayhawks en el Huercasa Country Festival

Posted by siganmelosbuenos en julio 16, 2014

cartel festival

Hola amigos y amigas. Después de mucho tiempo sin postear no podía dejar pasar la oportunidad de comentaros un acontecimiento musical que he tenido la suerte de vivir en directo: la actuación de la mítica banda norteamericana The Jayhawks en el recién estrenado Huercasa Country Festival celebrado en el pueblo segoviano de Riaza los días 11 y 12 de julio. The Jayhawks, una de las referencias de la música americana de los noventa, se encuentra de gira por España promocionando la reedición de tres de sus discos: Sound of Lies (1997), Smile (2000) y Rainy Day Music (2003), con gran parte de los miembros de aquella época: Gary Louris, Marc Perlman, Tim O’Reagan, Karen Grotberg and Kraig Johnson. El guitarrista y cantante Gary Louris y el bajista Marc Perlman se mantienen en la formación de The Jayhawks desde su nacimiento en 1985 y el resto (la teclista Karen Grotberg, el batería Tim O´Reagan y el guitarrista Kraig Johnson) entraron en los noventa y ahora se vuelven a reunir con sus compañeros, reeditando las giras que compartieron en la época de los tres discos citados. Si no habéis escuchado este grupo, os recomiendo empezar por sus dos primeros discos de los noventa: Hollywood Town Hall (1992) y Tomorrow the Green Grass (1995), dos auténticas joyas de la música, herederas de la elegancia country-folk-rock de The Byrds, Buffalo Springfield o The Band. Por entonces, todavía estaba en la formación Mark Olson, compositor y líder de la banda junto a Gary Louris, hasta que decidió abandonar la carretera para cuidar a su primera mujer, afectada de esclerosis. Con el nuevo siglo, Olson y Louris volvieron a colaborar e incluso grabaron juntos un disco acústico, Ready for the Flood (2009) y resucitaron The Jayhawks para el disco Mockinbird Time, pero en la gira de promoción saltó el conflicto y en la actualidad su relación es nula. No obstante, Olson ha seguido una carrera individual muy interesante que también os recomiendo.

The Jayhawks

The Jayhawks al completo

El Huercasa Country Festival es una decidida apuesta de la empresa segoviana de productos hortofrutícolas Huercasa para implantar en España un festival country. La iniciativa ha encontrado acogida en el pueblo segoviano de Riaza, enclavado en plena sierra de Ayllón, a sólo 114 kilómetros de Madrid, por la carretera de Burgos. El lugar elegido no podía ser mejor para mí, pues veraneo en este precioso pueblo desde que nací, así que fue como ver a los Jayhawks en el jardín de mi casa. Además, el abono de los dos días me costó 15 euros de nada por una promoción de lanzamiento, con lo cual el plan se presentaba perfecto. El escenario para los dos días de festival se instaló en el campo de fútbol de Las Delicias, aunque también hubo actuaciones gratuitas en la plaza del pueblo. El sonido fue bastante bueno durante todo el festival y se instaló una pantalla gigante detrás de los artistas que iba ofreciendo imágenes en directo o seleccionadas por los grupos. En los laterales, dos barras y cocinas donde preparaban un espléndido menú con hamburguesas de las de verdad, media mazorca, berenjenas, patatas y bebida por sólo 6 euros. Lo único algo escaso fue el merchandising, pues apenas había camisetas promocionales del festival. Uno de los personajes que ha hecho posible el Huercasa Country Festival es el veterano locutor Manolo Fernández, que dirige desde 1973 el programa de country de Radio 3 “Toma Uno” y se encargó de presentar a todas las bandas participantes con sombrero vaquero para no desentonar con el ambiente.

Foto0291Foto0287

El escenario principal del festival

Foto0289

La parrilla echando humo con las primeras hamburguesas

Manolo Martínez (huercasa)

El gran Manolo Fernández pinchando antes del comienzo de los conciertos (Foto Huercasa Country Festival)

El primer día no acudió demasiado público, con lo que el ambiente fue bastante familiar. Abrió fuego Susan Santos, artista de blues-rock a la que no tenía el gusto de conocer. La verdad es que da gusto ver a una mujer metiendo caña con la guitarra, algo inusual por estos pagos, y Susan demostró tener lo que hace falta para mantener el tipo en el blues eléctrico más potente. La pena es que no se acompañe de una buena banda que le respalde, pues la actuación quedó algo austera. Después tocaron los Widow Makers, banda española de country-rock de pose muy vaquera que preparó al personal para la cabeza del cartel de la jornada, Corizonas, la impagable fusión del grupo instrumental los Coronas y Arizona Baby. Hay que señalar que por entonces comenzó a refrescar de manera importante y aquellos que no conocían las temperaturas de la zona, a 1200 metros de altitud, seguro que pasaron más frío de lo esperado. Por suerte, Corizonas armaron el taco desde el primer momento y ofrecieron un auténtico show, liderado por un desatado Javier Vielba, que se fue creciendo a medida que avanzaba el concierto. Además del temario completo de su único disco de estudio hasta ahora, el fantástico The News Today, nos brindaron memorables versiones del I wish you were here de Pink Floyd y de Neil Young y hasta un tema en italiano. Los miembros de Corizonas han conseguido un ensamble perfecto, al que da un perfecto toque a spaghetti western la trompeta de Yevhen Riechkalov.

Susan

Susan Santos con su bajista

Widow Makers

Los Widow Makers en plena actuación

Corizonas

Los Corizonas

El sábado por la mañana, el Huercasa Country Festival se abrió al público riazano con una actuación gratuita en plena plaza del pueblo. Amenizaron el concierto The Folson Prison Band y Western Pacific, dos bandas españolas sin más pretensiones que divertir a sus oyentes con música country, y a buen seguro que lo consiguieron, pues un buen número de personas se apuntaron al line-dancing típico de este estilo de música y que en España hemos conocido gracias (?) a Coyote Dax. El sol pegaba de plano esa mañana, así que lo mejor era refugiarse en los soportales de la plaza y escuchar el concierto con una cañita en la mano. Por la noche quedaba lo mejor del festival…

Foto0300

Foto0305

Line Dancing

Las actuaciones en la plaza de Riaza, con line-dance incluido

Pasadas las nueve de la noche, se inició la segunda jornada del Huercasa Country Festival. Como teloneros, actuaron en esta ocasión la West Bluegrass Band, una banda bilbaína de bluegrass que tuvo algunos problemas con el sonido, y los madrileños The Wild Horses, banda especializada en versiones de clásicos americanos como John Cougar o Jackson Browne que no consiguió calentar el ambiente. Por fin, a las 11,30 de la noche, con una temperatura más agradable que el día anterior, llegó el turno de los esperados The Jayhawks, liderados por el guitarrista y cantante Gary Louris, un tipo tranquilo que recordaba en escena a Lou Reed. Al poco de comenzar, nos enteramos de que la banda de Minneapolis había extraviado todos sus instrumentos en el aeropuerto de Berlín y tuvieron que utilizar para su concierto otros prestados. Por suerte, la experiencia es un grado y los Jayhawks se adaptaron con naturalidad al contratiempo, aunque fue curioso ver a Louris y sus compañeros afinando sus respectivas guitarras entre canción y canción. Como decía, Gary Louris llevó la voz cantante durante el concierto, aunque extraordinariamente respaldado por los coros de Karen Grotberg (¡qué bien sonó su piano!) y el baterista Tim O´Reagan, que también tuvo ocasión de cantar algún tema. El veterano bajista Ron Perlman y el guitarrista Kraig Johnson quedaban en un segundo plano a la izquierda del escenario, junto a un mandolinista que completaba la formación. Desde el primer momento, The Jayhawks desgranaron lo mejor de los discos reeditados (Sound of Lies, Smile y Rainy Day Music), demostrando que tienen clase a raudales y un sonido perfectamente empastado. Los temas sonaron preciosos, sin necesidad de alardes, y sólo de vez en cuando Louris despuntaba con un solo de guitarra a lo Neil Young. La verdad es que suelo pecar de mitómano, pero me pareció un concierto brillante y hasta emocionante, con unos músicos de lo más natural del mundo. Además del repertorio previsto, tuvieron el detalle de tocar alguno de sus temas más reconocibles, como Blue. A la 1,30 de la madrugada, The Jayhawks tocaron su última canción y se fueron tan tranquilos, dejando al respetable feliz de haber tenido el privilegio de disfrutar de estos grandes de la música americana.

West Bluegrass Band

La West Bluegrass Band de Bilbao

Gary Louris

Gary Louris durante el concierto (Foto Huercasa Country Festival)

Jayhawks

The Jayhawks al completo (¡el maldito reflejo de la pantalla me ha arruinado la foto!)

En definitiva, más que notable debut de este festival country, que sin duda tendrá una segunda edición. El ambiente fue estupendo, con muchos sombreros vaqueros, familias enteras disfrutando de la música y la comida y un entorno precioso para aprovechar y hacer alguna excursión. Todas las fotografías son mías, excepto las indicadas. Por desgracia, las nocturnas no han quedado muy bien, pues las realicé con mi móvil. Tampoco se puede pedir milagros. Un placer hablaros de nuevo y que no pare el rock and roll!

NACHO RAMOS

Posted in Uncategorized | Leave a Comment »

Nueva tanda de entradas para la colección

Posted by siganmelosbuenos en octubre 31, 2013

Jesús Gutiérrez nos envía generosamente una tanda de entradas de conciertos verdaderamente interesantes, joyas de la historia musical de Madrid. La mayoría de ellas son de conciertos celebrados en míticas salas de los ochenta, como Rock-Ola o Morasol, cuando la influencia del punk-rock británico era considerable. Hay incluso entradas de dos grupos malditos del punk-rock español, como Interterror y V2Berlin. También hay entradas de conciertos históricos en grandes escenarios, como el celebrado en el estadio Román Valero del barrio de Usera en 1981, con Santana y Paco de Lucía, o el de U2, Pretenders y UB40 en el Santiago Bernabéu en 1987, de imborrable recuerdo para los que somos ya cuarentones. Damos las gracias a Jesús por su colaboración y os invitamos a todos a uniros en esta “búsqueda arqueológica”. Todas ellas están incluidas ya en nuestra sección “Colección de Entradas de Concierto”.

Echo+and+the+Bunnymen

Santana

U2

Posted in Uncategorized | Leave a Comment »

PATTI SMITH

Posted by siganmelosbuenos en enero 3, 2013

Patti+Smith

 La cantante y poeta norteamericana Patti Smith es una de las personalidades más auténticas del rock de los últimos cuarenta años, como Neil Young o Bruce Springsteen. Consiguió lo que Jim Morrison siempre soñó: unir la poesía y el rock como expresión artística. Tras sus inicios en los años setenta como referente del punk neoyorkino, Patti Smith ha publicado una espléndida discografía, marcada por la fuerza de sus letras y su música.

 Patricia Lee Smith, más conocida como “Patti Smith”, nació en Chicago el 30 de diciembre de 1946, aunque con cuatro años su familia se mudó a Philadelphia y después a un pequeño pueblo del sur del estado de New Jersey. Su padre, Grant, era operario de fábrica y ávido lector, y su madre, Beverly, una camarera muy aficionada al jazz y los cuentos, además de Testigo de Jehová, por lo que transmitió a su hija el gusto por la música y la fantasía y una intensa religiosidad. Patti Smith fue sin embargo crítica con las religiones convencionales y sentía atracción por la filosofía tibetana. Tras finalizar sus estudios de bachillerato, estudió para profesora de Arte en el Glassboro State Teachers College, al tiempo que trabajaba durante los veranos en una fábrica. En 1967, Patti quedó embarazada y tuvo que dejar los estudios. Tras dar a luz y ceder en adopción a su hijo, decidió mudarse a la cercana ciudad de Nueva York para triunfar en el mundo de las artes, que había conocido alternando con estudiantes beatniks de la Universidad de Philadelphia.

17E.SmithBIG(bw)

Patti Smith con Robert Mapplethorpe

En Nueva York, Patti trabajó en una librería y conoció al fotógrafo Robert Mapplethorpe (1946-1989), artista que será una gran influencia en su vida, además de su pareja durante un tiempo. Ambos vivieron en el célebre Hotel Chelsea y entraron en contacto con el mundo artístico neoyorkino. En 1969, Patti viajó a París con su hermana Linda y durante seis meses se ganó la vida como artista callejera. En Francia, pudo acercarse a la obra de varios de sus grandes ídolos artísticos, como los poetas Baudelaire, Rimbaud y Jean Genet, el iniciador del surrealismo André Breton, el dramaturgo Antonin Artaud o el cineasta Jean-Luc Godard. Otros de sus poetas preferidos eran William Blake y William Bourroughs. En esta época, falleció el miembro fundador de The Rolling Stones, Brian Jones, al que Patti dedicó varios poemas. De vuelta en Nueva York, se dedicó a pintar, escribir y participar en proyectos teatrales y cinematográficos. En los inicios de los años setenta, Patti escribió y representó la obra teatral Cowboy Mouth junto al escritor Sam Shepard, con el que tuvo una fugaz relación. También fue autora de varias canciones para el grupo de rock The Blue Öyster Cult y colaboró con revistas como Rolling Stone y Creem. Entre los ídolos musicales de Patti Smith estaban Bob Dylan, The Rolling Stones, Marianne Faithfull, Jim Morrison, Grateful Dead y Jimi Hendrix, aunque también le gustaban el soul y el blues americano y la música clásica. La muerte de Hendrix, Morrison y Joplin la impulsó a dedicarse de lleno a la música. Además, publicó sus primeros libros de poemas: Seventh Heaven, Early Morning Dream y Witt. En la portada de su libro Witt (Gotham Book Mart, 1973), aparecía una fotografía de la artista realizada por Robert Mapplethorpe.

 Witt - Libro de poemas

El libro de poemas Witt

En esta época, Patti Smith comenzó a acompañar sus recitales de poesía con la guitarra de su amigo Lenny Kaye (1946), crítico musical y compositor neoyorkino licenciado en Historia Americana. Su primera aparición juntos fue en 1971, en la Iglesia Episcopal de Saint Mark´s in the Bowery, en la celebración del aniversario de Bertold Brecht, pero sería a partir de 1973 cuando Patti comenzó a cantar sus poemas y pensar en una carrera como artista de rock, a sugerencia de su amiga Jane Friedman, que se convirtió en su manager. Con el creciente éxito de sus actuaciones públicas, Patti reclutó al pianista Richard Sohl (1953-1990) y en junio de 1974 grabó su primer disco sencillo en los estudios Electric Ladyland de Nueva York, junto a Sohl, Kaye y su amigo Tom Verlaine (líder del grupo Television) a la guitarra solista. Producido por Kaye para el sello Mer y financiado por Mapplethorpe, el sencillo fue un adelanto del concepto artístico de Patti Smith e incluía una particular versión del clásico “Hey Joe”, con recitado de un poema dedicado a Patty Hearst, y “Piss the Factory”, tema de Smith y Sohl basado en la experiencia de la cantante como trabajadora de una línea de ensamblaje en una fábrica. En 1977, el sello Arista reeditaría esta obra protopunk con portada ilustrada con una fotografía de Patti.

patti-smith single

El primer disco sencillo

Tras esta grabación, el trío viajó a California para actuar en el Fillmore West de San Francisco.  A su vuelta, Patti Smith incorporó a su grupo al bajista Ivan Kral (1948), músico de origen checoslovaco, y en la primavera de 1975 triunfaron en el mítico club CBGB junto a otros pioneros del punk neoyorkino como The Ramones, Television o Blondie. La repercusión de sus actuaciones llamó la atención del productor Clive Davies, que contrató al grupo para su nuevo sello, Arista. Con la incorporación del baterista Jay Dee Daugherty (1952) se completó The Patti Smith Group, que grabó su primer álbum, Horses, en los estudios Electric Lady de Nueva York. Horses fue producido por el músico John Cale, exmiembro de la Velvet Underground, y salió a la venta en diciembre de 1975. En la portada, aparecía una fotografía de Patti Smith tomada por Robert Mapplethorpe, con la artista luciendo camisa blanca y corbata y aspecto andrógino desafiante, a pesar de su delgadez. Con este álbum, Patti Smith consiguió proyectar su obra poética con la fuerza primaria del rock y ejerció una enorme influencia en muchos músicos que iniciaban su carrera por entonces.

Horses

Portada del disco Horses

Horses se abre con una visceral versión del tema Gloria de Van Morrison, introducida con un verso de Patti que decía “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos”. En algunos de los temas, colaboraron los guitarristas Tom Verlaine y Allan Lannier, miembro de The Blue Oyster Cult que por entonces era su pareja. En enero de 1976, salió un sencillo con el tema Gloria y una versión en directo de “My Generation” de The Who. En el 30 aniversario de la aparición de Horses, Patti Smith grabó en directo el repertorio completo del álbum, con la colaboración del guitarrista Tom Verlaine y el bajista de Red Hot Chili Peppers, Flea. Esta grabación se publicó en 2005 junto con el álbum original digitalizado, con el título Horses/Horses.

 Patti Smith Group mediados setenta

The Patti Smith Group

Tras el enorme impacto de Horses, que presentaron en Londres en la época de la eclosión del punk británico, Patti Smith se estrelló con su siguiente álbum, Radio Ethiopia, publicado en octubre de 1976. Esta obra, producida por Jack Douglas, recibió fuertes críticas por intensificar el sonido de las guitarras para adaptarlo a las nuevas tendencias del punk-rock, en detrimento de la particular interpretación de Patti. Radio Ethiopia se grabó en los estudios Record Plant de Nueva York y muchos de los temas fueron compuestos por Patti Smith junto al bajista Ivan Kral. Radio Ethiopia fue dedicada por Patti a sus ídolos el poeta simbolista Arthur Rimbaud y el escultor rumano Constantin Brancusi. En esta ocasión, la portada fue realizada por Judy Linn. Por desgracia, en enero de 1977 Patti se rompió dos vértebras del cuello tras caer accidentalmente del escenario en un concierto en Tampa (Florida) y tuvo que pasar una buena temporada de convalecencia. El parón le sirvió a la artista para preparar las canciones de un nuevo álbum, Easter, que sería un éxito comercial, gracias a su estilo más convencional, aunque sin perder la energía poética e interpretativa de Patti Smith, que incidió en la temática trascendental y religiosa en la letra de sus canciones. Publicado en marzo de 1978, Easter es una obra madura, que contenía el famoso tema “Because the Night”, compuesto junto al cantante Bruce Springsteen, además de otros temas impactantes como “Rock & Roll Nigger” o “Space Monkey”. En esta ocasión, el teclista Richard Sohl, al parecer por causa de una enfermedad, fue sustituido por Bruce Brody.

Radio EthiopiaEaster

Los discos Radio Ethiopia y Easter

En 1978, se publicó también el EP Set Free, que incluía dos temas de estudio, “Privilege” y “Ask the Angels”, y dos temas registrados en vivo: “25th Floor” (en París) y el poema “Babel Field”, recitado en Londres en el aniversario del nacimiento de Brian Jones.The Patti Smith Group continuó la senda del éxito en su siguiente elepé, Wave, publicado en mayo de 1979, aunque, como ocurrió con Radio Ethiopia, los críticos reprocharon la falta de riesgo tras un disco excelente. Con la producción de Todd Rundgren, tuvieron buena difusión radiofónica los temas “Frederick” y “Dancing Barefoot”, ambos dedicados por Patti Smith a su nueva pareja, Fred Sonic Smith (Fred Dewey Smith, 1949-1994), antiguo guitarrista del grupo de Detroit MC5. Además, se incluía una versión de “So You Want to Be (a Rock and Roll Star)”, de The Byrds. Poco después de la publicación de este álbum, The Patti Smith Group se disolvió, despidiéndose del público en un concierto celebrado en la ciudad italiana de Florencia, ante 70.000 personas. En 1980, la cantante se casó con Fred Sonic Smith, con el que se trasladó a Detroit y tuvo dos hijos: Jackson (1982) –que se casaría en 2009 con Meg White, componente de The White Stripes–, y Jesse (1987).

 WaveSet Free

Los elepés Radio Ethiopia, Easter y Wave y el EP Set Free

El semiretiro artístico de Patti Smith concluyó en junio de 1988, con la publicación de Dream of Life, álbum de agradable escucha con un excelente repertorio compuesto por la cantante y poeta junto a su marido, Fred Sonic Smith, que también se encargó de tocar la guitarra y de la producción de la grabación, junto a Jimmy Iovine. Para la grabación, Patti Smith recuperó a sus excompañeros Richard Sohl y Jay Dee Daugherty y contó con la colaboración de numerosos músicos. El gran éxito de este disco fue sin duda el tema de apertura, “People Have the Power”, que se convirtió en un auténtico himno libertario. También destaca la preciosa balada dedicada a su hijo, The Jackson Song. Tras este álbum, Patti Smith volvió a su vida familiar, que se vio truncada en 1994, con la muerte de Fred Sonic Smith y de su hermano Todd. Años antes, habían fallecido Robert Mapplethorpe (en 1989) y el teclista Richard Sohl (en 1990). Para superar el trance, Patti Smith se volcó en su arte y en el verano de 1995 inició la grabación de un nuevo disco en los estudios Electric Ladyland (donde grabó su mítico Horses) con la colaboración de sus viejos compañeros Lenny Kaye y Jay Dee Daughtery y de dos nuevos músicos: el bajista Tony Sanahan y el guitarrista Oliver Ray (1973).

Patti y Fred Sonic SmithDream of Life

Patti Smith con Fred “Sonic” Smith y el elepé Dream of Life

Por consejo de sus amigos Michael Stipe (cantante de REM) y el poeta Allen Ginsberg, Patti Smith regresó además a la carretera, con actuaciones por Estados Unidos y Canadá con los músicos anteriormente citados y la colaboración ocasional del teclista Louis Resto. En algunos conciertos, subió al escenario Jackson, el hijo de Patti Smith, que tocaba la guitarra, y en diciembre el grupo realizó una gira junto a su admirado Bob Dylan. En junio de 1996, apareció por fin Gone Again, espléndido álbum marcado por la reciente pérdida de familiares y amigos de la artista, que se refleja en la temática trascendente de las letras. Gone Again fue producido por Lenny Kaye y Malcolm Burne y contó con diversas colaboraciones. El repertorio del álbum se abre de forma brillante con la contundente Gone Again (uno de los temas trabajados por Patti Smith y Fred Sonic Smith antes del fallecimiento de este) y Beneath the Southern Cross (en el que colaboró el cantante Jeff Buckley) y contiene un largo tema dedicado al también desaparecido Kurt Cobain (About a Boy), y otro en recuerdo de Fred Sonic Smith (Farewell Reel). En esta época, Patti Smith regresó a Nueva York con sus hijos y publicó el libro de poemas The Coral Sea, escrito en recuerdo de su amigo Robert Mapplethorpe. Además, el sello Arista sacó a la venta The Patti Smith Masters, una caja con la reedición digital de los cinco álbumes de estudio de la artista (incluyendo temas adicionales en cada uno de ellos), y un cedé extra con una selección de las mejores canciones.

patti-smith-bob-dylanGone Againthe patti smith masters

Patti Smith con Bob Dylan, el elepé Gone Again y la caja The Patti Smith Masters

En septiembre de 1997 apareció Peace and Noise, segundo álbum con su nueva formación acompañante y un nuevo acierto musical, aunque algunos nostálgicos echaron de menos la crudeza que valiera a la artista norteamericana el apodo de “Madrina del punk”. La propia Patti Smith produjo la grabación y compuso la mayoría de los temas junto a Oliver Ray, su nueva pareja. El tema “1959” fue nominado al Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de Rock. Esta canción versaba sobre la invasión china del Tibet, tema muy sensible para Patti Smith, seguidora de la filosofía tibetana desde muy joven. En Peace and Noise, Michael Stipe colaboró como respaldo vocal de Patti Smith en un par de canciones, después de que ambos hubieran escrito a dúo “E-Bow the Letter” para el disco de REM New Adventures in Hi-Fi. A Peace and Noise le siguió Gung Ho, que será el último álbum de Patti Smith para el sello Arista. Publicado en marzo de 2000 y producido por Gil Norton, contiene vigorosos temas como Persuasion o Strange Messengers a pesar de su contenido más convencional que obras anteriores. La curiosidad es que incluyó el tema “New Party”, utilizado en la campaña a las elecciones presidenciales de los Estados Unidos por Ralph Nader, candidato del Partido Verde, al que Patti Smith apoyó entonces. En 2002, Arista publicó el primer recopilatorio de la obra de Patti Smith: Land (1975-2002), doble cedé que incluía un disco con una selección de sus mejores canciones (más una versión inédita del tema When Doves Cry de Prince) y otro con tomas alternativas y versiones en directo. Land estaba dedicado a la memoria de Richard Sohl.

Peace and NoiseGung HoLand

Los elepés Peace and Noise y Gung Ho y el recopilatorio Land (1975-2002)

Tras dejar el sello Arista, la cantante de Chicago firmó con Columbia Records, con la que publicó en abril de 2004 Trampin´, que tuvo una edición especial con un cedé adicional en vivo (Live aux  Vieilles Charrues). Trampin´es, en mi opinión siempre discutible, la obra más insulsa de la discografía de Patti Smith, solo animada por las guitarras distorsionadas y la épica de los largos temas dedicados a Gandhi y a la guerra de Irak (“Radio Baghdad”). En 2005, Patti Smith recibió en París la Orden de Caballero de las Artes y las Letras, máxima distinción artística francesa, y en 2007 ingresó en el Salón de la Fama del Rock & Roll, en una ceremonia que concluyó con una interpretación de todos los artistas presentes de su tema People Have the Power.

También en 2007, Patti Smith publicó un disco de versiones, Twelve, que incluía temas de sus ídolos de toda la vida y algún descubrimiento posterior: Hendrix, Tears for Fears, Neil Young, The Doors, Allman Brothers, The Rolling Stones, The Beatles, Jefferson Airplane, Bob Dylan, Paul Simon, Nirvana, Stevie Wonder y REM. Aunque flaquea alguna versión, Patti Smith le da un toque muy personal a la mayoría (empezando por Are You Experienced? de Hendrix y Everybody Wants to Rule the World de Tears for Fears) y en su conjunto es un álbum delicioso, que se debe escuchar repetidamente para saborearlo. Para la portada de Twelve, la artista utilizó una fotografía de la pandereta decorada que le regaló Robert Mapplethorpe el día de su 21 cumpleaños, en 1967 y se publicó también un EP con dos versiones de Lou Reed y The Decembrists no incluidos en el elepé. En esta época, Patti Smith participó en los conciertos de protesta contra la Guerra de Irak, el gobierno de George Bush y la política militar israelí, entre otras causas. Por otro lado, Oliver Ray dejó el grupo y en su lugar entraron temporalmente Tom Verlaine y el bajista Flea, hasta que se incorporó como guitarrista Jackson Smith, hijo de Patti.

Trampin´ originaltrampin´ edición especialTwelve

Las dos ediciones de Trampin´(sencilla y doble) y el elepé de versiones Twelve

En 2008, se estrenó el documental Patti Smith: Dream of Life, y la cantante publicó la grabación en vivo, en el Queen Elisabeth Hall de Londres, de la lectura de su libro de poemas The Coral Sea, con el acompañamiento musical del guitarrista irlandés Kevin Shields, miembro de The Bloody Valentines. En 2010, su libro autobiográfico Just Kids (Ecco) fue un éxito editorial y le valió el Premio Nacional del Libro (National Book Award). En esta obra, Patti Smith rememoraba sus años de juventud en Nueva York junto a Robert Mapplethorpe. En 2011, la cantante grabó una versión del tema Words of Love de Buddy Holly para un cedé conmemorativo del 75 aniversario del nacimiento del legendario artista. En junio de 2012 salió a la venta su último disco hasta la fecha, Banga (nombre extraído del libro de Mijail Bulgakov El maestro y Margarita), que ha recibido el aplauso de crítica y público. En este álbum, Patti Smith dedica un tema a la desaparecida Amy Winehouse (“This is the Girl”) y a su amigo Johnny Depp (“Nine”), que toca la guitarra y la batería en “Banga”. También colaboraron como instrumentistas los dos hijos de Patti Smith: Jackson a la guitarra y Jesse al piano. En el otoño de 2012, Patti Smith compartió gira con su amigo Neil Young, por entonces de promoción de su nuevo disco Americana.

Patti Smith & Kevin Shields - The Coral SeaBangaJust Kids - libro autobiográfico

Arriba, los elepés The Coral Sea y Banga y el libro autobiográfico Just Kids

El videoclip de “People Have the Power”

Posted in Patti Smith | 1 Comment »

¡FELIZ 5º ANIVERSARIO DE CLÁSICOS DEL ROCK!

Posted by siganmelosbuenos en mayo 28, 2012

Queridos amantes del rock:

En el mes de marzo de 2007 inauguré este blog dedicado a los grandes clásicos del rock, como complemento al programa de radio RUTA 66 que por entonces realizaba en la emisora Radio Enlace de Madrid. El programa radiofónico pasó a la historia (aunque no descarto recuperarlo en algún momento) pero vuestra fidelidad a los contenidos de Clásicos del Rock! ha mantenido vivo el blog después de cinco años de existencia, con una media de más de 130 visitas diarias. Las secciones Museo de Portadas 1965-1970 y Colección de Entradas siguen teniendo un gran éxito entre vosotros, y por ello intentaré seguir aumentando las colecciones en el futuro. Además, para celebrar nuestro 5º aniversario, en breve inauguraremos una nueva sección de portadas de discos dedicada a la música pop-rock española (Las Mejores Portadas del Rock Español).

En lo que respecta a los artículos biográficos sobre algunos de nuestros grupos favoritos de la historia del rock, hay evidentes preferencias entre vosotros y vosotras. Los primeros artículos publicados en marzo de 2007 estaban dedicados a Arthur Lee + Love, Mike Bloomfield + Al Kooper y The Faces, pero en estos cinco años, el top-5 de artículos más leídos es el siguiente:

1 – STEVIE RAY VAUGHAN

2 – JOE COCKER With a Little Help From My Friends

3 – BON SCOTT

4 – SANDY DENNY + FAIRPORT CONVENTION

5 – ALVIN LEE + TEN YEARS AFTER

En los próximos meses, incluiremos un nuevo artículo, dedicado en esta ocasión a la multifacética cantante norteamericana Patti Smith. Pero tened paciencia, porque no siempre cuento con el tiempo que quisiera dedicarle al blog.

Un abrazo a todos y todas y gracias por seguir ahí. Por supuesto, ya sabéis que estamos abiertos a vuestras sugerencias.

Nacho Ramos

Posted in Uncategorized | 2 Comments »

VAN MORRISON + THEM

Posted by siganmelosbuenos en abril 20, 2012

 

El cantante, saxofonista y armonicista irlandés Van Morrison inició su dilatada y exitosa carrera artística al frente del grupo Them, entre 1964 y 1966. Aunque el éxito discográfico de esta formación de Belfast fue discreto, su eléctrica revisión del blues y el soul americano y la carismática interpretación de Morrison se convirtieron en una referencia para los grupos de garage anglosajones y para jóvenes artistas de la época, como Jim Morrison o Bon Scott. Gloria, Baby, Please Don´t Go o Here Comes the Night son temas inmortales que, casi cincuenta años después, suenan con la misma fuerza de antaño.

El grupo Them se formó en la ciudad norirlandesa de Belfast en abril de 1964, cuando el cantante, saxofonista y armonicista George Ivan Morrison (Belfast, 1945), más conocido como “Van Morrison”, se unió a los miembros de The Gamblers, el baterista Ronnie Millings (1937), el guitarrista y cantante Billy Harrison (1942), el bajista Alan Henderson (1944) y el teclista Eric Wrixon (1947). A pesar de su juventud (18 años), Van Morrison conocía de sobra a los grandes clásicos del soul, el blues y el jazz y había tocado con el grupo The Monarchs por Gran Bretaña y Alemania. Tras algunos ensayos, la nueva formación se bautizó como “Them” (a propuesta de Wrixon, en honor a la película de ciencia-ficción de serie B de los años 50 Them!) y debutó en el club del Hotel Maritime de Belfast, con Morrison y Harrison alternando en las voces. Desde el primer momento, los Them causaron sensación con sus energéticos directos y la fuerza de Morrison para interpretar los clásicos del soul y el blues. No en vano, en sus actuaciones en el Maritime se comenzó a forjar la leyenda del tema Gloria, que ya por entonces extendían en directo hasta los veinte minutos.

El éxito de Them en Belfast llegó a oídos del productor del sello Decca, Dick Rowe, a través de Phil Solomon, manager del grupo. Rowe se acercó hasta el Maritime para verlos actuar y enseguida les ofreció un contrato de grabación. Al poco tiempo, los miembros de Them viajaron a Londres y el 5 de julio registraron sus primeros temas, con el refuerzo de los músicos de estudio Bobby Graham a la segunda batería y Arthur Greenslade al órgano. Las grabaciones incluyeron varias de las versiones que tocaban en directo (Turn on Your Love Light, Groovin’, Don’t Start Crying Now y You Can’t Judge a Book by Its Cover)y los primeros temas compuestos por Van Morrison (Gloria, One Two Brown Eyes y Philosophy). Después de estas primeras sesiones, Eric Wrixon, que todavía era menor de edad, regresó a Belfast sin firmar el contrato, por lo que fue sustituido en los teclados por Pat McAuley (1944). Wrixon sería años después fundador de otro mítico grupo irlandés, Thin Lizzy.

El sencillo con los temas Gloria y Baby Please Don´t Go

El 4 de septiembre salió a la venta el primer sencillo de Them, con Don´t Start Crying Now, del bluesman Slim Harpo, y One Two Brown Eyes, de Morrison, aunque el disco no tuvo apenas resonancia. En octubre, el grupo volvió a los estudios para grabar nuevas canciones, entre ellas la electrizante versión de Baby Please Don´t Go de Big Joe Williams. En esta grabación, se dice que participó como guitarrista de sesión Jimmy Page (aunque todavía no ha quedado claro si como solista o como guitarra rítmica). El 6 de noviembre, apareció el segundo sencillo de Them con sus dos temas más impactantes: Baby Please Don´t Go y Gloria. El disco llegó al número 10 de las listas británicas y en diciembre el grupo actuó en el popular programa Ready Steady Go!, que acabó adoptando el tema Baby Please Don´t Go como sintonía. En esta época, Pat McAuley pasó temporalmente a la batería, en sustitución de Millings, que dejó la formación, y su hermano Jackie McAuley se ocupó de los teclados.

Extended Play con cuatro canciones (edición británica y edición francesa)

En febrero de 1965, Decca sacó a la venta un EP con cuatro temas de Them: tres de sencillos anteriores (Don’t Start Crying Now, Baby Please Don’t Go y One Two Brown Eyes) y el inédito Philosophy. Al mes siguiente, Them consiguió su mayor éxito discográfico con Here Comes the Night, tema que había interpretado sin éxito la cantante escocesa Lulu poco antes, y que había sido compuesto por el nuevo productor de Them, Bert Berns. Here Comes the Night (con All For Myself en la cara B) llegó al número 2 de las listas británicas y se coló en las estadounidenses durante diez semanas. Poco después, Jackie McAuley fue sustituido por el teclista Peter Bardens (1944), que había colaborado en alguna grabación del grupo. El 11 de junio, sale por fin el primer disco de larga duración de Them, con el sello Decca: THE ANGRY YOUNG THEM! Esta obra alterna temas de Morrison (el clásico Gloria y cinco nuevas composiciones, de las que destaca Mystic Eyes), con los temas del dúo Bert Berns-Wes Farrel y tres versiones de blues favoritos de Morrison: Don´t Look Back de J.L.Hooker, Bright Lights Big Cities de B.B.Broonzy y Route 66 de Bobby Troup. En julio, el disco es editado por el sello Parrot en Estados Unidos, con alguna variación en el repertorio.

El primer LP: Angry Young Them (edición británica y estadounidense)

En esta época, se suceden los cambios en la formación: Pat McAuley y el guitarrista Billy Harrison dejan su puesto a Terry Noon y Joe Baldi (1943); en agosto Bardens abandona para formar Shotgun Express y Noon es sustituido por Jim Armstrong (1944). Finalmente, en septiembre se incorporan el multinstrumentista Ray Elliot (1944) y el baterista John Wilson (1947), quien será reemplazado al año siguiente por David Harvey (1943). Al tiempo, los antiguos miembros de Them Billy Harrison y Pat Mc Auley crean un nuevo grupo con el mismo nombre (Them), que actuó por su cuenta hasta que perdieron la batalla legal con sus excompañeros en marzo de 1966 (los hermanos McAuley se presentaron desde entonces como Other Them y grabaron un notable disco en Suecia, producido por Kim Fowley, con el nombre de “The Belfast Gypsies”). En noviembre, Mystic Eyes apareció en disco sencillo en Gran Bretaña y Estados Unidos, y el 21 de enero de 1966 salió a la venta en Gran Bretaña el nuevo LP de los Them de Van Morrison: THEM AGAIN, producido por Tommy Scott (que aportó además algunos temas). Destacan nuevas composiciones de Morrison como My Lonely Sad Eyes y Hey Girl, la regrabación del éxito de Bobby Bland Turn On Your Love Light, y versiones de Bob Dylan, Ray Charles, Fats Domino y James Brown. En abril, el disco fue publicado en Estados Unidos y la reedición del tema Gloria se convirtió en un himno para los grupos de garage-rock del país (impulsada por el éxito de la versión del grupo americano Shadows of Knight).

El segundo LP: Them Again (edición británica y estadounidense)

En mayo, Them viajaron de gira a California y actuaron entre el 30 de mayo y el 18 de junio en el conocido local Whiskey a Go Go de Los Angeles. La última semana, el grupo local The Doors (por entonces en los inicios de su carrera) actuó de telonero de Them, y la noche de despedida ambos grupos tocaron juntos sobre el escenario, interpretando memorables versiones de Gloria y In the Midnight Hour. El carisma de Van Morrison causó un enorme impacto en Jim Morrison, cantante que compartía con su colega irlandés el mismo apellido. Más tarde, Them tocaron en el Fillmore West de San Francisco y viajaron hasta Hawai. Sin embargo, la gira por Estados Unidos provocó disputas internas y una vez concluida a principios de septiembre, Morrison y Henderson volvieron a Londres, mientras Harvey, Armstrong y Elliot se quedaron un tiempo en Estados Unidos.

 

Los dos Morrison (Van y Jim) juntos sobre el escenario del Whiskey a Go Go

Poco después, Morrison abandonó definitivamente a sus compañeros y formó Van Morrison and Them Again con el fantástico guitarrista Eric Bell (fundador con Eric Wrixon de Thin Lizzy, un par de años después),  el baterista Joe Hanratty y el bajista Mike Brown. El nuevo grupo tocó en varias ciudades irlandesas, pero no funcionó mucho tiempo. El último sencillo de Them, con la versión de Richard Cory de Paul Simon tampoco tuvo mucho éxito. Mientras tanto, Henderson, Armstrong, Harvey y Elliot decidieron continuar como Them y reclutaron a Ken McDowell (1944) como nuevo cantante. En los primeros meses de 1967, el sello Major Minor publicó en Gran Bretaña dos sencillos con temas grabados por la extinguida formación Them: Gloria/Friday´s Child y The Story of Them (Parts 1 & 2). Por entonces, Van Morrison se desplazó a Nueva York, invitado por su antiguo productor Bert Berns para grabar en su sello Bang Records.

 

El primer álbum en solitario de Van Morrison (Blowin´ Your Mind!)

El primer resultado fue el éxito del tema Brown Eyed Girl, número 10 en las listas norteamericanas en el mes de junio. Pero ante la sorpresa de Morrison, los ocho temas que grabó en marzo de 1967 en los estudios A&R de Nueva York fueron editados, sin su conocimiento, en un disco de larga duración, en vez de en cuatro discos sencillos, como estaba previsto. El álbum apareció en con el título Blowin´Your Mind! Tras la muerte de Berns en diciembre de ese año, Morrison fichó con el sello Warner Bros para publicar su legendario disco Astral Weeks, aunque para rescindir su contrato con Bang Records tuvo que grabar 36 canciones, que nunca fueron utilizadas, por la intencionada mala calidad de las mismas. Mientras Morrison iniciaba su andadura en solitario, sus excompañeros de Them también se establecieron en Estados Unidos, aunque en la costa opuesta, en California. Allí firmaron con el sello Tower y publicaron dos discos en 1968 (Now and Them y Time Out Time In For Them), con claras influencias de la psicodelia americana de la época: guitarras distorsionadas, sitar, etc. No en vano, compartían sello con gente como Chocolate Watch Band. Sin embargo, el cambio de rumbo no salió bien del todo y Alan Henderson se quedó solo al frente del grupo hasta 1972, con nuevos músicos y dos nuevas grabaciones (Them y Them in Reality). En 1979, consiguió reunirse con los miembros originarios Eric Wrixon y Billy Harrison para grabar el disco Shut Your Mouth.

Now and Them y Time Out Time In, los discos sicodélicos de Them sin Van Morrison

En 1997, se publicó un recopilatorio en dos cedés que reúne casi todas las grabaciones realizadas por Van Morrison con Them (The Story of Them, featuring Van Morrison), un repertorio incomparable de una banda que recogió el legado americano y marcó el camino del rythm and blues posterior junto a The Animals, The Pretty Things o The Rolling Stones. Desde la separación de Van Morrison y Them a finales de 1966, las versiones de los temas Gloria y Baby Please Don´t Go fueron incontables, y algunas de ellas memorables, como las rendidas por The Doors, Patti Smith o AC/DC.

El recopilatorio The Story of Them (featuring Van Morrison)

 

Van Morrison y Them interpretando su mítico tema Gloria en la televisión francesa

Posted in Uncategorized | 2 Comments »

Nuevas portadas para nuestro Museo

Posted by siganmelosbuenos en febrero 21, 2012

 

Queridos amigos y amigas:

Como los buenos museos, nuestra colección de portadas de discos sigue creciendo poco a poco. He cargado una nueva tanda de más de 30 portadas de grupos que publicaron sus obras entre 1965 y 1970. Todo ello gracias al descubrimiento de una espléndida web: FREEMUSIC07, en la que podéis conocer grupos que merecen una búsqueda. Las portadas seleccionadas son fantásticas y las podéis disfrutar al final de la colección. Un abrazo, y gracias de nuevo por vuestra fidelidad!

Posted in Uncategorized | Leave a Comment »

Led Zeppelin en Earl´s Court 1975

Posted by siganmelosbuenos en febrero 9, 2012

Entrada y cartel de los conciertos de Led Zeppelin en Earl´s Court

Estimados amigos y amigas:

Una seguidora del blog, Marisa López, nos mandó la entrada del concierto que Led Zeppelin ofreció en el Earl´s Court Arena de Londres el domingo 18 de mayo de 1975.  Un lugar conocido para mí, pues allí pude ver a Pink Floyd en 1994 (concierto grabado para el disco y el vídeo en directo Pulse). El caso es que, ante una persona que había tenido el privilegio de ver a los Zeppelin en vivo, no podía por menos que pedirle que nos comentara cómo fue la experiencia.  Para poneros en antecedentes, los conciertos de Led Zeppelin en Londres se celebraron los días 17, 18, 23, 24 y 25 de mayo de 1975, ante unas 85000 personas. Según las crónicas, los conciertos duraban entre 3 y 4 horas. Aquí y aquí tenéis más información sobre estos eventos. Y a continuación, lo que Marisa nos cuenta de aquellas fechas:

“En el año 72 me fui a Londres en busca de John Lennon ya que he sido y soy muy fan de John, pero justamente se acababa de ir a N.Y. En principio, yo no quería ir al concierto de Led Zeppelin, pero mi marido -por aquel entonces mi novio- me lio para ir. Apenas teníamos dinero y vendió un radiocasete que tenía para comprar las entradas. Le dieron 10 libras en una tienda de segunda mano (me había costado 50 libras), pero me dijo que este concierto valía más de las 50 libras. Y así fue como me vi metida en ese concierto, pero no me arrepiento, ya que estaba alucinando, aunque la voz de Robert  Plant estaba bastante ronca pues acababan de venir de la gira americana. Lo que nunca olvidaré fue cuando John Bonham empezó a elevarse con la batería en una plataforma hacia el techo del recinto y a tocar con los puños. Yo creo que todos los que estábamos allí nos quedamos con la boca abierta. Fue un concierto inolvidable. Por todos los medios intenté que a mi hijo le gustaran los Beatles, pero cuando tenía 15 años escuchó el disco del leñador (Led Zeppelin IV) y dijo ¡¡esta es la música que me gusta!! Es posible que el día del concierto mi hijo estuviera en la barriga de su madre”.

Marisa López

Posted in Uncategorized | 3 Comments »

ROBIN TROWER + PROCOL HARUM

Posted by siganmelosbuenos en febrero 7, 2011

La archifamosa A Whiter Shade of Pale fue la primera canción publicada por la banda británica Procol Harum en 1967 y alcanzó un éxito tan abrumador que desde entonces el resto de la interesantísima discografía de este conjunto nunca fue lo suficientemente valorada. Procol Harum fueron una referencia para el rock progresivo de finales de los sesenta y principios de los setenta con su elegante y apasionada mezcla de soul, rock y música clásica de reminiscencias barrocas. Uno de los pilares fundamentales del sonido de Procol Harum en su época dorada fue el potente tono de la guitarra de Robin Trower, espléndido guitarrista que abandonó el grupo en 1971 para iniciar una prometedora carrera en solitario.

Aunque la banda Procol Harum no nació hasta 1967, tres de sus miembros originales ya tocaban juntos de manera profesional desde 1963 en una banda de rythm and blues denominada THE PARAMOUNTS. El guitarrista Robin Trower (1945) y el cantante y pianista Gary Brooker (1945) formaban parte del grupo desde que un promotor local, Peter Martin, la creara con jóvenes músicos del sudeste de Londres. Ambos estudiaban todavía en el instituto, con lo que The Paramounts no empezaron a despegar hasta que se dieron a conocer en su propio club, bautizado como The Shades, a partir de 1962. Este club lo habían acondicionado ellos mismos en un sótano del local que regentaba el padre de Robin Trower. En las Navidades de 1962, el bajista Chris Copping dejó paso a Diz Derrick y en el otoño de 1963 entró en el grupo el baterista B.J.Wilson (1947-1989), otro de los futuros miembros originales de Procol Harum. Fue por entonces cuando consiguieron un contrato discográfico con el sello Parlophone, y en diciembre de 1963 publicaron su primer sencillo, una versión del clásico de Leiber/Stoller Poison Ivy, que consiguió entrar en las listas de éxitos (nº 35) y los convirtió en un grupo seguido por sus colegas de la “primera división”, entre ellos The Rolling Stones, quienes versionarían la misma canción poco después.

The Paramounts

En años siguientes, grabaron varios sencillos más con versiones de clásicos americanos y actuaron en programas de televisión y como teloneros de importantes formaciones, entre ellos The Beatles, durante la gira de despedida de las estrellas de Liverpool. Sin embargo, aburridos de las exigencias del negocio musical, The Paramounts decidieron disolverse en 1966. Fue entonces cuando Brooker, que era un espléndido cantante y pianista, comenzó a componer sus propios temas con la ayuda del poeta Keith Reid (1946), admirador de Dylan y de la lírica romántica, quien se convirtió desde entonces en compañero inseparable y letrista de toda su obra musical. Ambos consiguieron el apoyo del productor David Platz, quien les puso en contacto con su colega Denny Cordell para que les grabara sus primeras composiciones. Pero primero necesitaban reunir una banda que acompañara instrumentalmente a Gary Brooker, y decidieron bautizarla como PROCOL HARUM, a sugerencia de su entonces mánager, Guy Stevens, que se inspiró en el nombre del gato de una amiga suya. En los primeros meses de 1967 fueron seleccionados para la formación el guitarrista Ray Royer, el organista Matthew Fisher (1946), el bajista David Knights (1945) y el baterista Bobby Harrison.

Las primeras grabaciones del nuevo grupo tuvieron lugar en los Olympic Studios de Londres a finales de marzo. A Whiter Shade of Pale fue la canción elegida para el lanzamiento artístico de Procol Harum, y en su grabación participó a la batería el músico de sesión Bill Eyden, tras fallar el acuerdo del productor para la colaboración del baterista de Jimi Hendrix Experience, Mitch Mitchell. Tras darse a conocer en radio, A Whiter Shade of Pale fue publicado en disco en el mes de mayo por el sello Deram, con la comercial Lime Street Blues en la cara B, al tiempo que Procol Harum se estrenaba en vivo en el club UFO de Londres. Entre el público, se encontraban miembros de The Beatles, que siempre mostraron su admiración por la composición de Brooker y Reid (aunque en 2009 una corte británica concedió a Matthew Fisher su cuota de autoría de este tema, por la importancia de su aportación con el órgano Hammond). Con la singular mezcla de soul y música barroca, A Whiter Shade of Pale llegó al número 1 de las listas británicas y australianas y al 5 en Estados Unidos, aunque el video promocional de esta canción sería censurado en el programa Top of the Pops por contener imágenes de la guerra de Vietnam. El éxito musical permitió a Procol Harum ofrecer diversos conciertos en Londres, y el 4 de junio telonearon a la Jimi Hendrix Experience.

Primer sencillo con A Whiter Shade of Pale

Mientras, la banda había comenzado la grabación de su primer álbum de larga duración en los Olympic Studios, pero el resultado no fue satisfactorio y a mediados de julio el guitarrista Roy Royer y el baterista Bobby Harrison fueron expulsados del grupo. Para sustituirlos, Brooker recurrió entonces a sus viejos compañeros de The Paramounts Robin Trower, que había estado tocando con un trío llamado The Jam, y B.J.Wilson, un as de la batería que también ofrecerá una aportación importante al sonido de la banda. Con ellos se volvieron a grabar, ahora en los Advision Studios, los temas del primer álbum, y juntos realizaron su primera salida al extranjero, actuando en varias ciudades de Francia. A finales del mes de agosto de 1967, Deram editó el álbum de debut de Procol Harum en Estados Unidos (Procol Harum), incluyendo el sencillo A Whiter Shade of Pale, que no aparecería en la tardía edición británica. Poco después, el grupo contrató como nuevo mánager a Tony Secunda (también encargado de sus compatriotas The Move) quien decidió que la estética beat estaba desfasada y les vistió con ropa psicodélica acordes con los tiempos de Sargent Pepper´s. Con el otoño, Procol Harum publicó un segundo sencillo de éxito, Homburg, que llegó al número 6 de las listas británicas y al número 1 de las italianas. El éxito en Italia propició una edición especial de su primer álbum, con una versión en italiano del tema Shine on Brightly, que aparecería en el segundo álbum de Procol Harum.

En el otoño, Procol Harum atravesaron el Atlántico para tocar en Nueva York y después en California, donde compartieron cartel en el Shrine Theatre de Los Angeles con Love y en los míticos Fillmore West y Winterland de San Francisco con The Doors y los Pink Floyd de Syd Barret. A principios de 1968, apareció por fin la edición británica del primer álbum de Procol Harum, editada por Regal Zonophone, aunque no obtuvo la respuesta esperada, a pesar de contener en su primera cara una buena colección de temas del tándem Brooker-Reid, como Conquistador, inspirado en el Quijote de Cervantes, la ligera pero deliciosa She Wandered Through the Garden Fence o la magnífica Cerdes, en la que Robin Trower empezó a mostrar el potente tono de su Gibson junto a los teclados y a la batería de B.J.Wilson. En la segunda cara aparecía la magnífica aportación clásica de Matthew Fisher en Repent Walpurgis, con una nueva exhibición del magnífico sonido de Trower a la guitarra, aunque el álbum flojea en Kaleidoscope, Good Captain Clack y el tema Salad Days (Are Here Again) escrito para la película avant-garde de Jack Bond Separation, protagonizada por Jane Arden. En cualquier caso, una obra de sorprendente madurez para unos chicos de apenas 21 años, que de la noche a la mañana se convirtieron en un grupo de referencia del llamado art-rock británico.

El primer álbum: Procol Harum (1967) 

En marzo de 1968, Procol Harum publicó un sencillo con el tema Quite Rightly So, una pomposa creación de Reid, Brooker y Fisher, anticipo de su nuevo repertorio que se acompañó en la cara B de la segunda canción con letra inspirada en el Quijote de Cervantes, In the Wee Small Hours of Sixpence. En meses siguientes, se completó en los Olympic Studios el segundo álbum de la banda, que contó con un presupuesto más elevado que el de debut y se registró en estéreo. En las sesiones de grabación, el productor Denny Cordell delegó sus labores en dos colaboradores de excepción: el ingeniero Glyn Johns y el asistente Tony Visconti (futuro productor de T-Rex y David Bowie). No obstante, Cordell recurrió al baterista B.J.Wilson y al teclista Matthew Fisher para participar en algunos temas del extraordinario primer disco del cantante Joe Cocker, que también producía por entonces. Así, Fisher puso su órgano Hammond al servicio de la versión del tema de Bob Dylan Just Like a Woman, mientras B.J.Wilson tuvo la suerte de ser el baterista de la mítica versión del clásico de los Beatles With a Little Help From My Friends.  En este tema, participó también Jimmy Page, del que se dice invitó a Wilson a unirse a su proyecto de nueva formación de The Yardbirds, que acabó mutándose en Led Zeppelin.

A finales de agosto, la banda regresó a los Estados Unidos para una larga gira que les llevó a recorrer el país de costa a costa hasta final de año, alternando con las bandas punteras del rock y la psicodelia en las principales salas del país y en los festivales de Oakland, San Francisco o Miami. Aprovechando el inicio de la gira, el sello A&M publicó en Estados Unidos el segundo álbum de Procol Harum, Shine On Brightly, que no apareció en Gran Bretaña hasta diciembre. La nueva entrega ofrecía sin embargo pocas novedades musicales en su primera cara, a pesar de contener algunos temas de mérito. La sorpresa llegaba en la cara B, que se ocupó –con excepción del primer tema, Magdalene– con una suite de cinco partes titulada In Held Twas In I, que supuso todo una muestra de arte experimental y una gran influencia para grupos de rock progresivo y para óperas-rock como Tommy, de The Who. Keith Reid se inspiró en la mística oriental para sus letras y Fisher colaboró en la composición y cantó por primera vez para Procol Harum en una de las partes.

Ediciones británica y norteamericana de Shine On Brightly (1968)

Con motivo de su éxito en Estados Unidos y sus frecuentes giras por este país, Procol Harum decidió grabar su tercer álbum en los estudios de A&M en Los Angeles. Sin embargo, los primeros registros no convencieron, y en enero de 1969 reiniciaron las grabaciones en los estudios Abbey Road de EMI, con la ayuda del reconocido ingeniero de sonido Ken Scott y la producción del propio Matthew Fisher, cada vez más interesado en esta faceta del negocio musical. En el mes de abril, presentaron sus nuevas canciones en Estados Unidos y Canadá, de nuevo en conciertos masivos y junto a los más grandes grupos de la época. Por desgracia, decidieron no participar a mediados de agosto en el legendario festival de Woodstock, al que habían sido invitados, y regresaron a Inglaterra, entre otras cosas porque la mujer de Trower estaba a punto de dar a luz. Mientras tanto, en junio había salido a la venta su nuevo álbum, A Salty Dog, considerada la obra maestra del grupo, por entonces en la cumbre de su carrera. Especialmente alabado fue el tema que daba título al disco y que había sido publicado en sencillo un mes antes, con la potente Long Gone Geek en la cara B. A Salty Dog es una excelente composición musical de Brooker, que se encargó además de los preciosos arreglos orquestales y de interpretar con su habitual elegancia la singular letra de Reid. Brooker también destaca en otra grandiosa composición: All This and More, que encantó a George Harrison, quieninvitó a su colega a tocar el piano en su primer álbum en solitario.

Por primera vez, Trower entró en la composición en los temas Juicy John Pink, un blues al más puro estilo de Muddy Waters muy bien acompañado por Brooker a la voz y harmónica, y Crucification Lane, que el propio guitarrista se atrevió a cantar. Además, Trower se luce también en la delicada canción acústica Too Much Between Us y con el fantástico baterista B.J.Wilson en The Devil Came From Kansas, un clásico de las actuaciones en directo de Procol Harum desde entonces. Una sorpresa alegre y original fue el tema Boredom, en el que Fisher tocó la guitarra acústica y la marimba y cantó junto a Brooker. Fisher se atrevió además a cantar en sus dos temas: la preciosa balada Pilgrim´s Progress y Wreck of the Hesperus, composición que él mismo orquestó y que la banda estrenó en vivo con orquesta incluida en el Stratford Festival de Ontario (Canadá) el 6 de julio de 1969. Era la primera vez que un conjunto de rock se acompañaba de orquesta en un concierto. En definitiva, una obra que mostró a todos los miembros originales de Procol Harum en su momento álgido de creatividad, aunque el equilibrio se rompería enseguida, pues tras regresar de Estados Unidos, Fisher decidió dejar la banda, cansado de las extenuantes giras a uno y otro lado del Atlántico, aunque continuaría colaborando con sus compañeros como productor. Poco después, el bajista David Knights siguió sus pasos. Para sustituir a las dos bajas, Brooker mató dos pájaros de un tiro al reclutar a otro de sus compañeros en The Paramounts, Chris Copping, que se encargará desde entonces de tocar con teclados tanto el órgano como el bajo (como hacía Ray Manzarek en The Doors).

A Salty Dog (1970)

En el otoño de 1969, el grupo grabó varias canciones para un nuevo álbum en los Trident Studios, con la producción de Matthew Fisher, pero como ocurriera en otra ocasión, el resultado no gustó y fueron eliminadas. La banda entró entonces en una pequeña crisis de identidad y pasaron varios meses en busca del camino musical que seguirían a partir de entonces, hasta que por fin comenzaron a trabajar con un nuevo productor, Chris Thomas, que había trabajado con George Martin en el White Album de The Beatles. En la primavera de 1970, grabaron en los estudios Abbey Road su cuarto álbum, Home, con un sonido menos barroco, tras la salida de Fisher, y mucho más rockero, con mayor presencia de la guitarra de Robin Trower. El 5 de junio, presentaron su nueva obra en el Lyceum Theatre de Londres, encabezando un cartel que incluía la actuación de Argent (el grupo de Rod Argent tras la disolución de The Zombies) y el debut en la ciudad de Supertramp (con un jovencísimo Roger Hogdson en sus filas). Ese mismo mes se publicó el álbum en Reino Unido (Regal Zonophone) y al mes siguiente en Estados Unidos (A&M), aprovechando la nueva gira de la banda por el país. En agosto, Procol Harum participaron en el legendario festival de la Isla de Wight y poco después actuaron en Alemania. En Berlín, llegaron a actuar justo después de Jimi Hendrix, poco antes del trágico fallecimiento del guitarrista.

Home (1971)

El nuevo álbum Home no consiguió demasiada repercusión a pesar del notable giro rockero, que se manifiesta de forma contundente en el primer corte, Whiskey Train, compuesto por Trower y que fue publicado como sencillo en Estados Unidos. El guitarrista de Procol Harum pudo por fin desplegar su virtuosismo técnico y no limitarse a lucir el fantástico tono y emoción que extraía de su guitarra Gibson. Brooker sigue interpretando magistralmente los tiempos lentos, como en la tenebrosa Dead Man´s Dream o en Nothing That I Didn´t Know, mientras B.J.Wilson aporta el ritmo que hacía falta a los temas Still There´ll Be More y About to Die. Casi al final del álbum, emerge la enorme fuerza musical y dramática de Whaling Stories, con un Trower fantástico en el solo de guitarra. La alegre Your Own Choice cierra de manera optimista otra obra maestra de Procol Harum.

Durante la grabación de Home, los miembros de Procol Harum solían calentar motores interpretando muchos de los clásicos de rythm and blues americano que tocaban en sus tiempos como The Paramounts. Y tras la gira americana del verano de 1970, la banda registró en Abbey Road, en una sola noche, una colección de versiones de este antiguo repertorio. Chris Thomas mezcló doce temas para un futuro álbum (con obras de Jerry Lee Lewis, Domino, Perkins, Richard, entre otros), pero los másteres se perdieron y el proyecto se abandonó. Por suerte, a finales de los años noventa se encontraron unas copias de las grabaciones y en 1997 se publicó el álbum Ain´t Nothing to Get Excited About, con el grupo utilizando el nombre de Liquorice John Death, en honor de un antiguo amigo llamado Dave Mundy, que había propuesto este nombre para sus colegas, en vez de The Paramounts. Además, se incluyó un tema compuesto por el grupo titulado Well I… y para la portada se utilizó la que pintó el propio Mundy para un posible álbum de Liquorice John Death, con el título Ain´t Nothing to Get Excited About. Esta portada se encontró entre las pertenencias que Mundy dejó en herencia a Robin Trower en 1972, antes de suicidarse. Procol Harum también homenajeó a Mundy en su disco Gran Hotel de 1973, en la canción For Liquorice John.

El álbum como Liquorice John Death

Entre febrero y marzo de 1971, la banda británica grabó los temas de su quinto álbum en los estudios AIR de Londres, de nuevo con Chris Thomas en la producción. En la nueva obra, Broken Barricades, la presencia del sonido de órgano tan característico de los inicios de la banda quedó reducida al mínimo, aunque Thomas introdujo el uso del sintetizador Moog, muy presente en el tema que da título al álbum. De nuevo, Robin Trower asumió gran parte del peso instrumental de la grabación, y contribuyó además con tres composiciones en esta ocasión. Uno de ellos fue un homenaje al recientemente fallecido Jimi Hendrix, con letra de Keith Reid, titulado Song For a Dreamer, cantada por el propio Trower y con un sonido cósmico de guitarra al estilo mostrado por su idolatrado colega en Electric Ladyland. Los otros dos temas: Memorial Drive y Poor Mohamed, desvelan el gusto de Trower por los riffs pesados, que también despliega acompañado de vientos en Playmate of the Mouth. Brooker aportó una vez más su fuerza expresiva y una espléndida colección de canciones, con las misteriosas letras de su inseparable Reid, mostrando su talento tanto en descargas rockeras  como la extraordinaria y épica Simple Sister que abre el disco, como en baladas como Broken Barricades o en la delicia orquestada Luskus Delph. B.J.Wilson también tendrá su oportunidad de lucirse con un interludio de batería en Power Failure.

Broken Barricades se publicó en Reino Unido en julio de 1971 con el sello Chrysalis y en Estados Unidos con A&M. Un tiempo después de su publicación, Trower dejó la banda para iniciar su carrera en solitario y formó el grupo JUDE con el cantante Frankie Miller, el bajista James Dewar y el baterista Clive Bunker (ex Jethro Tull), aunque el proyecto no salió demasiado bien. Mientras, Trower fue sustituido por Dave J.Ball (1950), que participó en la enésima gira del grupo por Norteamérica y en la grabación en vivo en el Northern Alberta Jubilee Auditorium de Edmonton (Canadá) en noviembre de 1971 de Procol Harum Live with the Edmonton Symphony Orchestra, aunque dejó la formación durante la grabación del sexto disco de Procol Harum, Gran Hotel, por lo que fue relevado por Mick Grabham. En este registro en vivo participó también el nuevo bajista Alan Cartwright (1945), que permitió a Copping centrarse en su labor como organista. Procol Harum Live, que ofrecía una selección de temas de la banda británica con acompañamiento de orquesta llegó sorpresivamente a disco de oro y su versión de Conquistador fue un éxito absoluto.

  Broken Barricades y el directo Procol Harum Live (1972)

Robin Trower no pudo disfrutar de este triunfo discográfico, pero no tardaría en obtener el suyo propio. En 1973, reformó su banda: mantuvo solo al bajista Jim Dewar, que además pasó a ejercer con acierto de cantante en sustitución de Miller, e incorporó a la formación al baterista Reg Isidore. El grupo se bautizó como THE ROBIN TROWER BAND, y debutó ese mismo año con el álbum Twice Removed From Yesterday (Chrysalis), producido por su excompañero Matthew Fisher. A pesar de las críticas por las evidentes influencias de Jimi Hendrix en las composiciones y estilo de Trower, que cambió su antigua Gibson por una Fender Stratocaster, cada uno de los temas es una auténtica maravilla, con un convicente Jim Dewar como cantante, y el álbum fascinó a críticos y aficionados y llegó a disco de oro en Estados Unidos. El guitarrista se superó al año siguiente con Bridge of Sighs, considerada su obra maestra y que contó de nuevo con la producción de Fisher y el trabajo del ingeniero de sonido de The Beatles, Geoff Emerick. Desde entonces, los éxitos se sucedieron, mientras Procol Harum se disolvía en 1977, tras su décimo álbum. Sin embargo, en 1991 Trower se volvió a reunir con sus compañeros de Procol Harum (Fisher incluido) para grabar el álbum The Prodigal Stranger en recuerdo de B.J.Wilson, fallecido en 1989. El álbum fue un fracaso artístico, y Trower no quiso acompañar a la banda en la gira de promoción, pero volvió a colaborar con la nueva formación de Procol Harum para el álbum Well´s On Fire de 2004, mucho más destacable que el anterior.

 

Los dos primeros álbumes de Robin Trower en solitario 

El vídeo sesentero de A Whiter Shade of Pale

Posted in Robin Trower y Procol Harum | 7 Comments »

¡GRACIAS A TODOS Y TODAS!

Posted by siganmelosbuenos en enero 8, 2011

Gracias por seguir fieles a nuestra página, después de tres años de andadura. Y bienvenidos los nuevos y las nuevas visitantes, que espero os unáis a nuestra familia de amantes incondicionales del rock de toda la vida, ese que nunca deja de emocionarnos y alegrarnos la vida. El pasado 2010 volvimos a batir sobradamente el número de visitas: fueron 45.780, cuatro mil más que el año pasado.

Hace tiempo que no incluyo nuevos artículos, por falta de tiempo. Pero visto el seguimiento del blog, haré todo lo posible por aumentar el archivo. Se admiten propuestas.

¡Feliz Año a todos y todas y Viva el rock and roll!

Nacho 

Posted in Uncategorized | 3 Comments »

 
Seguir

Recibe cada nueva publicación en tu buzón de correo electrónico.

Únete a otros 31 seguidores