CREAM

La unión de tres músicos de reconocido prestigio como el guitarrista Eric Clapton, el bajista Jack Bruce y el baterista Ginger Baker hizo que el trío británico Cream fuera presentado como el primer “supergrupo” de la historia del rock. Y lo cierto es que con tan sólo tres miembros en su formación y apenas dos años de trayectoria Cream marcó una enorme influencia en los grupos de rock de finales de los 60 y principios de los 70. Y es que si bien sus discos de estudio presentaban una mezcla de blues, rock psicodélico, jazz y pop asequible para el público general, sus intensos y poderosos directos causaron auténtica sensación entre el público y permitieron ver y escuchar a Eric Clapton en la cumbre de su carrera como guitarrista.

Aunque ya habían empezado a tocar y grabar juntos en el mes de junio de 1966, el grupo Cream debutó oficialmente a finales de julio de ese año en el Festival de Jazz y Blues de Windsor, después de que Eric Clapton (1945) dejara tirado a John Mayall y sus Bluesbreakers y Jack Bruce (1943) y Ginger Baker (1939) hicieran lo propio con Manfred Mann y la Graham Bond Organisation respectivamente. Pero la idea del nuevo grupo había comenzado a gestarse meses atrás, después de un concierto de Clapton con los Bluesbreakers al que acudió Baker. Ambos estaban todavía comprometidos con sus respectivas bandas de entonces, pero se sentían incómodos con la dirección de sus respectivos líderes, John Mayall y Graham Bond, y buscaban nuevos horizontes musicales más allá del rythm and blues convencional. Así que Baker propuso al guitarrista la formación de un nuevo grupo y finalmente Clapton aceptó, no sin antes convencer a Baker para que incluyera en el proyecto como cantante al bajista Jack Bruce, al que había conocido durante el breve paso de éste por los Bluesbreakers. Lo que no sabía Clapton es que Bruce y Baker, que ya habían coincidido anteriormente en la banda pionera del blues británico Blues Incorporated liderada por Alexis Corner, protagonizaron numerosos altercados durante su paso por la Graham Bond Organisation, llegando a pelearse en escena y sabotear los instrumentos del otro. Sin embargo, parece que ambos aparcaron sus diferencias animados por el interesante proyecto de Cream (nombre que adoptaron al empezar a ser conocidos en sus primeros conciertos como la crema del blues y jazz londinense) y al menos al principio la cosa funcionó musicalmente, pues ambos compartían gustos musicales y Bruce ofrecía además una potente voz precisa para la interpretación de los temas.

El primer sencillo de Cream (Octubre 1966)

El mismo verano de 1966 los tres músicos comenzaron en Londres la grabación de su primer álbum con el sello Polydor y la producción de su entonces manager Robert Stigwood. Como adelanto discográfico del grupo saldría a la venta en octubre un sencillo con la canción Wrapping Paper, un tema de pop jazzístico compuesto por Bruce con el que el grupo quería presentarse ante el público como algo más que otra banda de blues. Pero el sencillo fue un fracaso en las tiendas y la canción ni siquiera se incluyó en el disco de larga duración, al contrario que su cara B, la versión instrumental del blues Cat´s Squirrel (tema que también incluirían los Jethro Tull en su debut discográfico de 1968). Ese mismo mes de octubre Clapton tuvo por otra parte la oportunidad de conocer y tocar junto a su admirador el joven guitarrista norteamericano recién llegado a Londres Jimi Hendrix, en una jam que supuso un auténtico trauma para el británico, considerado por entonces el auténtico dios de la guitarra en su país tras su paso por The Yardbirds y los Bluesbreakers. Por fin, en diciembre de 1966 se publicó el primer álbum del grupo, con el título de FRESH CREAM, que llegaría al número 6 de las listas de ventas británicas gracias a la expectación despertada por la nueva formación. Fresh Cream se componía fundamentalmente de versiones de clásicos del blues como Rolling and Tumblin´, I´m So Glad o Spoonful, y de notables composiciones rythm and blues de Bruce como NSU o Sleepy Time Time, cantadas magistralmente por el propio bajista, que además tocaba la harmónica. En la edición británica no se incluyó sin embargo uno de los mejores temas de Bruce de la época, I Feel Free, un fantástico tema de rock psicodélico que había aparecido en sencillo el mismo día de la publicación del álbum, aunque sí se añadiría en la edición norteamericana de Atlantic en sustitución de Spoonful. Baker aportó al repertorio los temas Sweet Wine y el instrumental Toad, en el que se registra el considerado primer solo de batería de la historia del rock, mientras Clapton ponía su virtuosa guitarra al servicio sobre todo de las versiones de blues, a la espera de tomar confianza en la interpretación vocal y composición musical.

El álbum de debut: Fresh Cream (Diciembre 1966)

Tras la publicación de Fresh Cream en Estados Unidos, donde sólo llegó al número 39 de las listas, Cream iniciaron en marzo de 1967 su primera gira de promoción por este país y en el mes de mayo regresarían a Nueva York para grabar en los estudios de Atlantic un segundo álbum de estudio, DISRAELI GEARS, con la producción de Felix Pappalardi. Disraeli Gears aparecería en noviembre de 1967, precedido de un brillante sencillo con la dos primeras aportaciones en la composición musical de Clapton, Strange Brew, cantada por fin por el propio guitarrista, y Tales of Brave Ulises, una oda al Mediterráneo con letra de su vecino y amigo Martin Sharp (1942), un dibujante australiano afincado en Londres que se encargaría también de la psicodélica portada del disco de larga duración. En esta última canción Clapton utilizó por primera vez en su carrera el pedal wah-wah. Con Disraeli Gears Cream dejaba atrás el rythm and blues convencional de su primer disco y se metían de lleno en el rock psicodélico de la época. El tema más representativo de este giro musical fue sin duda Sunshine of Your Love, marcado por el legendario riff de guitarra creado por el bajista Jack Bruce tras asistir a un concierto de Jimi Hendrix y cuyo sonido sería saturado con fuzz por Clapton. Curiosamente, Hendrix tocaría el tema de Cream en muchos de sus conciertos en años posteriores. En la composición de Sunshine of Your Love también participaron el propio Clapton y el poeta y habitual colaborador del grupo Pete Brown (1940), que también puso letra a otras dos brillantes canciones de Bruce para el disco como fueron SWLABR (acrónimo de She Walks Like a Bearded Rainbow) con un nuevo y potente riff de guitarra a cargo de Clapton, y Take it Back, con letra inspirada en las renuncias de los norteamericanos llamados a filas para combatir en Vietnam. Clapton arreglaría por su parte de manera magistral el tema Outside Woman Blues del bluesman Blind Joe Reynolds.

Disraeli Gears (Noviembre 1967)

Disraeli Gears llegó al número 4 en Gran Bretaña y al 5 en Estados Unidos en 1968, marcando además el inicio de los espectaculares directos de Cream, con un sonido potente y estruendoso nunca escuchado hasta entonces e interpretaciones de sus canciones y versiones de blues que se extendían hasta los veinte minutos, con frecuentes solos de guitarra de Clapton. Sin duda las exigencias de tan extenuantes giras y conciertos y los consabidos roces entre Bruce y Baker empezaron entonces a minar la unión y ánimo del grupo, aunque también el inquieto Clapton se cansó de los sonidos blues y psicodélicos del grupo y mascaba ya un nuevo giro a su carrera más cercano al folk y country-rock de grupos como The Band. Entre julio de 1967 y abril de 1968 los miembros de Cream grabaron de nuevo en los estudios de Atlantic en Nueva York su tercer álbum, WHEELS OF FIRE, publicado en forma de disco doble en julio de 1968 por Atlantic en Estados Unidos y Polydor en Gran Bretaña. Wheels of Fire, que llegó al número 1 de ventas en Estados Unidos y al 3 en Gran Bretaña, contenía un disco con grabaciones de estudio y otro con temas en directo registrados en las salas Fillmore West y Winterland de San Francisco, aunque en los créditos sólo se mencionaba la primera. Martin Sharp repitió en la creación de la portada, que recibió el premio al mejor diseño en el certamen Director Arts de Nueva York. El nuevo álbum llegó incluso a editarse con los discos de estudio y en directo por separado (titulados In the Studio y Live at the Fillmore), aunque con la misma portada, una en color dorado y otra plateado.

El álbum doble Wheels of Fire (Julio 1968)

El repertorio de estudio se abría con la magnífica White Room, otro éxito de Jack Bruce que se convirtió en un icono del rock épico británico, para repetir la fórmula de las versiones de clásicos del blues con el reclamo de la brillante guitarra de Clapton en Sitting on Top of the World y Born Under a Bad Sign junto a las nuevas canciones de Bruce y Baker, que se decantaron por un estilo más jazzístico e incluso de music-hall para este disco. Aunque gran parte de los temas de estudio rondan el aburrimiento, podemos destacar, además de White Room, las canciones compuestas por Bruce junto al letrista Peter Brown: la crítica Politicians, en la que Clapton mezcló tres solos de guitarra, y el acústico As You Said, del que a buen seguro tomó buena nota Jimmy Page para alguna de sus canciones. En las grabaciones de Wheels of Fire participó también el productor Felix Pappalardi tocando diversos instrumentos como la viola, el órgano o las campanas. Pero la auténtica conmoción del álbum Wheels of Fire llegó con la acelerada y saturada versión del tema Crossroads de Robert Johnson que abre el disco en directo, en la que Eric Clapton alcanzó su culmen como guitarrista con un solo de guitarra absolutamente demoledor que sería referencia de todos los guitarristas de rock posteriores. Tras Crossroads se incluyeron una larga versión con guitarra saturada del clásico Spoonful, un habitual de los conciertos de Cream, y dos temas para el lucimiento instrumental de Bruce con la harmónica (Traintime) y Baker con la batería (Toad). A pesar del éxito impresionante de Wheels of Fire, que alcanzó ventas millonarias como Disraeli Gears, el grupo había entrado ya en descomposición y su último álbum sería prácticamente un compromiso con la discográfica y los seguidores de Cream, realizado con absoluta desgana por sus miembros, especialmente Clapton, que se había hartado de los larguísimos solos con los que se veía obligado a satisfacer al público.

El álbum de despedida: Goodbye (Marzo 1969)

Ya en el otoño de 1968 la separación de Cream estaba acordada por sus miembros, que se despidieron del público con una gira por Estados Unidos y dos últimos conciertos en el Royal Albert Hall de Londres a finales de noviembre, pero en esas fechas concluyeron su último álbum, que obviamente se tituló GOODBYE y saldría a la venta en marzo de 1969, con la banda ya separada oficialmente. Goodbye contiene tres temas en directo grabados en octubre de 1968 en el Fórum de Los Ángeles (I´m so Glad, Politician y Sitting on Top of the World) y tres temas de estudio, uno por cada miembro de Cream. La canción de mayor éxito fue Badge, compuesta por Clapton junto a su amigo George Harrison, que tocaría además la guitarra acústica en la grabación y aparecería en los créditos como “L´Angelo Misterioso”. En esta ocasión Bruce no brilla con su intrascendente canción Doing That Scrapyard Thing, mientras Baker tampoco mejora el tono con What a Bringdown. A pesar de ello, la legión de seguidores de Cream llevó al disco Goodbye al número 1 en Gran Bretaña y al 2 en Estados Unidos. Los dos conciertos de despedida en el Albert Hall de Londres serían además filmados para un documental de la BBC y distribuidos entre el público como un video titulado Farewell Concert. Todavía en junio de 1969 se pondría a la venta un sencillo con dos canciones inéditas de Cream, Sweet Wine y Lawdy Mama, y para satisfacer la nostalgia de los conciertos de Cream, se publicaría en 1970 el disco en directo LIVE CREAM, registrado durante la gira de 1968, al que siguió su continuación en 1972, LIVE CREAM (VOLUME II).

Los álbumes en directo: Live Cream (1970) y Live Cream Vol.II (1972)

Tras la disolución de Cream, Clapton se embarcó en varios proyectos personales no muy duraderos con las bandas Blind Faith (en el que participó Baker), Delaney & Bonny y Derek and the Dominos, para iniciar finalmente en los años 70 su exitosa y comercial carrera en solitario, mientras Bruce se decantó por la experimentación con músicos de jazz-fussion y Baker formaba finalmente su grupo Ginger Baker´s Air Force. La cantada reunión de Cream se produjo finalmente durante la ceremonia de ingreso de Cream en el Rock and Roll Hall of Fame en 1993, interpretando juntos tres canciones. Finalmente, en 2004 volvieron a reunirse para actuar cuatro días en el Royal Albert Hall, conciertos de los que se extraerían un Cd y un DVD, y tocaron por última vez en el Madison Square Garden de Nueva York en octubre de 2005. En 2003 se había publicado además un disco doble con las grabaciones realizadas por Cream para la emisora BBC de Londres entre 1966 y 1969, BBC SESSIONS, que recoge excelentes aunque comedidas versiones en directo del repertorio del grupo británico.

Video de Cream interpretando Sunshine of Your Love

JEFF BUCKLEY Grace

Grace es una de las obras más fascinantes y hermosas de los años 90 y una joya intemporal de la música moderna de nuestro tiempo. Fue el único álbum de estudio publicado por el cantautor y guitarrista Jeff Buckley (1966-1997), desgraciadamente fallecido con tan sólo treinta años en un misterioso ahogamiento en un afluente del río Mississippi. La portentosa y angelical interpretación vocal de Buckley y su envolvente guitarra son las señas de identidad de una obra que subyuga de principio a fin.

Jeffrey Scott Buckley nació en la ciudad californiana de Anheim el 17 de noviembre de 1966, fruto de la breve relación de su madre Mary Guibert con el joven cantautor Tim Buckley (1947-1975), una de las estrellas emergentes del folk norteamericano. Ante la falta de reconocimiento y presencia de su padre biológico, fue conocido en su infancia como Scotty Moorhead, pues se le asignó el apellido de su padrastro, Ron Moorhead. El único contacto con su verdadero padre sería una visita realizada por el cantautor a su hijo en 1974, un año antes de que falleciera de una sobredosis de heroína. Tras la muerte de su padre, el joven Buckley recuperaría no obstante su apellido original y su primer nombre, que utilizaría a partir de entonces en su carrera musical. Además de portar los genes de Tim Buckley, Jeff había mamado la música desde muy joven en el seno de su familia, pues solía cantar junto a su madre, que además tocaba el piano y el cello, mientras su padrastro le introduciría en el rock setentero de Led Zeppelin, The Who, Kiss, Pink Floyd y Jimi Hendrix. Esta mezcla de clasicismo y rock sería uno de los sellos distintivos de la obra artística de Buckley. Con trece años, sus padres le regalaron su primera guitarra eléctrica, instrumento que tocaba desde los seis años, y fue por entonces cuando decidió dedicarse a la música, empezando por emular a los grupos y artistas de jazz y rock progresivo. Así, tras concluir el instituto, Buckley se apuntó a la escuela de música Musicians Institute de Hollywood, donde sólo estaría el primer curso, aburrido de la monótona enseñanza, aunque aprendería importantes nociones sobre música clásica y armonía. Los siguientes seis años los pasaría trabajando en un hotel y actuando en sus ratos libres en multitud de bandas locales como guitarrista, impregnándose de todos los estilos posibles.

Jeff Buckley y su padre, Tim Buckley

Tras una breve visita a Nueva York en 1990, Buckley regresó a California para grabar una demo con cuatro canciones con el antiguo manager de su padre, Herb Cohen. Estos registros serían conocidos como Babylon Dungeon Sessions, e incluían una de las canciones del futuro disco Grace, Eternal Life. Al año siguiente participa en el concierto homenaje a su padre celebrado en Nueva York, que fue presentado como “Greetings from Tim Buckley”. Jeff interpretó algunas canciones de su progenitor, asombrando por primera vez al público con su portentosa voz. En esta actuación le acompañaría el fantástico guitarrista Gary Lucas (1952), con el que meses después grabaría algunos temas y compondría los memorables temas Grace y Mojo Pin, incluidos en el álbum Grace. Buckley llegó a entrar en la banda de Lucas, Gods and Monsters, aunque la dejaría nada más debutar en Nueva York para iniciar su carrera en solitario. Pronto el joven cantante y guitarrista se convertiría en un fijo en el club irlandés Sin-é de Nueva York, en el que actuaría semanalmente desde abril de 1992. Sus recitales consistían en un variado y selecto repertorio en el que, además de sus primeras composiciones, realizaba innumerables versiones de grandes cantantes y músicos a los que admiraba como Billie Holliday, Nina Simone, Leonard Cohen, Bob Dylan, Van Morrison, Edith Piaf, Robert Johnson, Nusrat Fateh Ali Khan y algunos temas de grupos de pop y rock como Smiths, Led Zeppelin o Bad Brains, influencias todas ellas que estarán presentes de alguna manera en su futuro álbum Grace. Entre estos artistas, Buckley siempre expresó especial devoción por la cantante francesa Edith Piaf (1915-1963), por sus ídolos de la adolescencia Led Zeppelin y por el cantante pakistaní y gurú de la música sufí Nusrat Fateh Ali Khan (1948-1997), al que llegó a denominar como “mi Elvis” y que había conocido en su primera visita a Nueva York, entrevistándole para una revista y escribiendo la presentación de uno de sus discos.

Las grabaciones con Gary Lucas (Songs to no One 1991-1992)

Tras ganarse una audiencia fiel en el Sin-é, la pureza casi mística de su voz, perfectamente acompañada por su guitarra Fender Telecaster, llamó la atención de los artistas de Nueva York y de las discográficas norteamericanas. En el otoño de 1992 Buckley ficha con el sello Columbia, que le publicará en noviembre de 1993 el EP LIVE AT SIN-É, con cuatro de las canciones que solía interpretar en el local neoyorkino: las ya conocidas Mojo Pin y Eternal Life, su homenaje a Edith Piaf Je n´en connais pas le fin y una extensa versión del tema de Van Morrison The Way That Young Lovers Do. Pero antes de la publicación de este EP, Buckley ya había comenzado a trabajar en su primer álbum de estudio con el productor Andy Wallace, que venía de grabar con Nirvana el álbum Nevermind. Así, en septiembre de 1993 se registraron los primeros temas de Grace en los estudios Bearsville de Woodstock (Nueva York), con la participación junto a Buckley del bajista Mick Gronhdal y el batería Matt Johnson. Además, el cantante invitó a Gary Lucas a tocar en los dos temas compuestos por ambos, Grace y Mojo Pin, y el músico de jazz Karl Berger se encargaría de los arreglos orquestales introducidos en algunas de las canciones. En enero de 1994, Buckley realizó una gira por Estados Unidos con sus nuevos acompañantes para promocionar Live at Sin-é, a la que siguió en marzo una breve visita a Europa, donde tocó en pequeños clubes.

Live at Sin-é

Poco después, el guitarrista Michael Tighe se unió al grupo, componiendo además con Buckley el tema So Far, que sería incluido a última hora en el repertorio del nuevo disco de estudio. En junio comenzaron una nueva gira bautizada como Peyote Radio Theater Tour, que continuó hasta la salida del álbum de estudio GRACE en agosto de 1994. Además de los temas compuestos por Buckley, Grace incluía tres versiones: Lilac Wine de James Shelton, aunque basada en la versión de Nina Simone, el salmo Hallellujah de Leonard Cohen (uno de los momentos cumbre de la obra de Buckley) y el himno religioso medieval arreglado por el compositor británico Benjamin Britten Corpus Christi Carol, tres canciones que le sentaban como un guante a la voz angelical del cantante californiano. Entre las canciones de Buckley no mencionadas anteriormente, completaban el disco Last Goodbye, originalmente presentada como Unforgiven en las actuaciones de Sin-é, Lover, You Should´ve Come Over, inspirada por su ruptura con la actriz y cantante Rebbeca Moore, y Dream Brother, compuesta junto a los miembros de su grupo Grohndal y Johnson. El álbum causó sensación desde el primer momento, pues no se había oído nada parecido en el mundo musical, una mezcla tan acertada y brillante de Led Zeppelin y el punk rock con la canción de autor, del pop con la música religiosa. Las ventas de Grace comenzaron siendo bajas, pero poco después se multiplicaron no sólo en Estados Unidos, sino también en otros países como Francia o Australia, donde el álbum sería disco de oro. Los elogios le llovieron de críticos y colegas musicales, entre los que se encontraban nada menos que Jimmy Page, Bob Dylan, David Bowie, Elton John, Lou Reed, Paul McCartney o el guitarrista The Edge de U2. Con motivo de su éxito mundial, Buckley pasaría prácticamente todo el año 1995 y primer tercio de 1996 de gira de promoción por Norteamérica, Australia y Europa. En octubre de 1995 se publicaría un nuevo EP en vivo con cuatro canciones titulado Live from the Bataclan, que fue registrado en un local de París. En la capital francesa también tendría ocasión de actuar en el mítico teatro Olympia, donde triunfara su idolatrada Edith Piaf y donde realizó según sus palabras el mejor show de la gira. Este concierto sería editado en 2001 con el título de Live at l´Olympia, como también se publicaría una selección de sus actuaciones en el disco Mistery White Boy un año antes.

Live at L´Olympia y Mistery White Boy

Pero el éxito masivo abrumaba un tanto a Buckley, que echaba de menos las actuaciones íntimas en pequeños clubes, y en diciembre de 1996 realiza una serie de recitales furtivos en locales de la costa noreste de Estados Unidos, el Phantom solo Tour, en los que utilizaba varios sobrenombres para no delatar su identidad. Desde el verano de ese año había comenzado además la grabación de un segundo álbum de estudio en Nueva York y Memphis, que se iba a titular For my sweetheart the drunk. Durante su estancia en Memphis, Buckley fue un día a la orilla del río Wolf River Harbor con su roadie Keith Foti, y mientras escuchaban un disco de Led Zeppelin, el cantante se introdujo o cayó al agua sin testigos que lo presenciaran y no volvió a aparecer. Era el 29 de mayo de 1997. Tres días después su cuerpo sería encontrado sin vida flotando en el río. Se especuló enseguida con el abuso de drogas e incluso con el suicidio de Buckley como causa del ahogamiento, aunque no existe ningún indicio de que no se tratara simplemente de un accidente. Tras su muerte, que supuso una verdadera conmoción para el mundo musical, se publicaría el álbum que preparaba por entonces, utilizando las demos y grabaciones ya realizadas por el artista. Este disco doble saldría a la venta finalmente con el nombre de SKETCHES FOR MY SWEETHEART THE DRUNK, por no ser una obra completamente concluida.

El disco inacabado: Sketches for my Sweetheart the Drunk

Con apenas treinta años, Buckley se convirtió en un nuevo mártir de la música y en una leyenda idolatrada casi religiosamente. Como era lógico, se sucedieron las publicaciones de material inédito de estudio o en vivo en años posteriores. Además de los conciertos ya mencionados, en 2002 se publicaron las canciones grabadas con Gary Lucas entre 1991 y 1992 con el título Songs for No One 1991-1992 y la caja con The Grace Ep´s, que incluía grabaciones inéditas en vivo y alguna grabación de estudio. En 2003, se editó una versión ampliada del Live at Sin-é, con todas las canciones de sus conciertos en el local neoyorkino, y en 2004 llegó la reedición de Grace, con varias versiones inéditas y un DVD documental con videos de algunas canciones. Este año 2007, en el que se conmemoran los diez años de su muerte, ha salido a la venta un recopilatorio de sus mejores canciones, So Real: Songs from Jeff Buckley, al mismo tiempo que se espera con expectación un video documental titulado Amazing Grace: Jeff Buckley, cuya edición se había anunciado para el pasado mayo, pero que finalmente fue pospuesta. Se prepara además un biopic cinematográfico sobre la vida de Buckley, que todavía se encuentra en proyecto con la supervisión de Mary Guibert, que se ha encargado desde su muerte de controlar todo el material relacionado con su hijo. A pesar de su corta carrera, la influencia de Jeff Buckley es evidente en grupos y artistas de los últimos años como Muse, Radiohead, Coldplay, Ben Harper o James Blunt y su personal voz y estilo pervive como un legado inmortal en su obra Grace.

Aquí tenéis a Jeff interpretando en vivo Hallellujah (¿ha habido nunca un cantante más emocionante?)