THE YARDBIRDS 1963-1968

The Yardbirds fue uno de los grupos más influyentes, energéticos y creativos del rythm and blues británico de los años 60. En sus filas se curtieron sucesivamente tres leyendas de la guitarra como Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, antes de formar proyectos tan importantes como Cream, The Jeff Beck Group o Led Zeppelin, respectivamente. La frescura de su directo y el virtuosimo de Clapton acercaron al público anglosajón a los viejos maestros del blues norteamericano, para después sentar las bases del rock más garajero con la experimentación sonora y las guitarras pesadas de Beck y Page. Y todo ello en apenas cinco años de carrera.

La génesis de The Yardbirds hay que buscarla en el grupo The Metropolitan Blues Quartet, formado en 1962 en Londres por el cantante y harmonicista Keith Relf (1943), el guitarrista Paul Samwell-Smith (1943), el baterista Jim McCarty (1943) y la guitarrista rítmica Laurie Gains, que pronto fue sustituida por Chris Dreja (1945). El cuarteto se convirtió en quinteto cuando Samwell-Smith se pasó al bajo ante su poca habilidad como guitarra solista, dejando su puesto al jovencísimo Anthony Top Topham (1947), amigo personal de Dreja. Tras darse a conocer en algunos bares y clubs londinenses, finalmente el grupo se rebautizó como The Yardbirds, logrando hacerse un nombre entre los principales combos de rythm and blues de la ciudad al sustituir en el mes de septiembre de 1963 nada menos que a The Rolling Stones como banda residente del conocido local de Richmond Crawdaddy Club. Ante los crecientes compromisos artísticos del grupo, Topham tuvo que dejar la banda por su corta edad (apenas 16 años) para seguir sus estudios de arte, siendo sustituido en octubre de 1963 por otro estudiante de arte un par de años mayor llamado Eric Clapton (1945), que había estado en el grupo de blues The Roosters y que se convertirá en pieza fundamental para que la banda diera el salto a las ligas mayores del circuito musical. Desde entonces, con una técnica todavía por pulir, pero mucha frescura y ganas, las actuaciones de The Yardbirds en directo versioneando clásicos del blues y rhythm and blues como Howlin´Wolf, Muddy Waters, Bo Diddley o Chuck Berry causaron sensación en el público londinense, en especial por el carisma sobre el escenario de su cantante y harmonicista Keith Relf y el virtuosismo del guitarrista Eric Clapton, al que en poco tiempo se le empezó a conocer irónicamente como “Slowhand” (Mano lenta). Eso sí, ambos bien secundados por la vibrante sección rítmica compuesta por Dreja, Samwell-Smith y McCarty. Durante su estancia en el Crawdaddy, The Yardbirds serán elegidos por el veterano bluesman americano Sonny Boy Williamson II para acompañarle en sus actuaciones en Londres, impresionado por el entusiasmo y devota dedicación al blues de aquellos jovencitos británicos. Una muestra de su colaboración quedaría registrada durante una de sus sesiones en el Crawdaddy Club, y a la muerte del maestro saldría a la luz en el álbum Sonny Boy Williamson and The Yardbirds, publicado en enero de 1966.

El disco con Sonny Boy Williamson II

Convencido del gran potencial de The Yardbirds y su acelerada y eléctrica revisión del blues americano, el dueño del Crawdaddy Club, Giorgio Gomelsky, que había dejado pasar la oportunidad de dirigir la carrera de The Rolling Stones, se empeñó en conseguir un contrato discográfico para sus nuevos protegidos, convirtiéndose en su manager y productor. En febrero de 1964, The Yardbirds se trasladaron como banda residente al céntrico y mítico club The Marquee y consiguieron firmar con el sello Columbia (subsidiaria de EMI), publicando su primer sencillo en mayo de 1964 con una versión del clásico de Billy Boy Arnold I Wish You Would, con Relf emulando a sus maestros a la harmónica, mientras en la cara B Clapton mostraba sus poderes en el tema A Certain Girl. El disco sería publicado también en Estados Unidos en agosto con el sello Epic, que se encargaría a partir de entonces de las ediciones americanas del grupo. Y después de compartir gira con su mentor Sonny Boy Williamson II por Inglaterra y Alemania y participar en el 4º Festival Nacional de Jazz y Blues de Richmond, en el mes de octubre salía el nuevo sencillo de The Yardbirds, que repetiría la fórmula de su debut discográfico, en esta ocasión con el clásico Good Morning, Little Schoolgirl en la cara A y I Ain´t Got You en la B, ambos con magistrales solos de Clapton, que cada vez alcanzaba mayor popularidad entre los aficionados británicos. Pero aunque la banda comenzaba a hacerse un sitio con The Animals y The Rolling Stones entre los grandes grupos de rythm and blues del país, sus discos no llegaban a los primeros puestos de ventas, y Gomelsky decidió que para su primer álbum de larga duración presentaran una actuación en directo, donde verdaderamente se mostraba el potencial y carisma de The Yardbirds. De modo que se rescató la grabación de su concierto el 13 de marzo en la inauguración del nuevo local The Marquee en la calle Wardour (después de dejar la concurrida Oxford Street), evento en el que también participaron Long John Baldry y sus Hoochie Koochie Men (con Rod Stewart en sus filas) y el propio Sonny Boy Williamson II. Y aunque las condiciones de grabación ni el sonido fueron los mejores, se consiguió el objetivo y Five Live Yardbirds, publicado a finales de 1964, se convertiría en una obra fundamental del rythm and blues británico y el primer álbum en directo de un grupo del país, con excelentes versiones de clásicos como Smokestack Lightning, Too Much Monkey Business, Good Morning Little Schoolgirl, Five Long Years o I´m a Man. La reedición en CD del año 2003 de Five Live Yardbirds recogería, además del disco original, la trayectoria fundamental de The Yardbirds en esta primera época, incluyendo como extras los dos sencillos de 1964 ya mencionados y unas grabaciones de la actuación de The Yardbirds en el Crawdaddy en diciembre de 1963.

El directo Five Live Yardbirds (1964)

De cualquier forma, a pesar de estas publicaciones y de su tirón en directo, el éxito comercial continuaba sin llegar para The Yardbirds, y finalmente el grupo contempló la posibilidad de tocar, además de las habituales versiones de rythm and blues, temas escritos para el gran público. Así fue como Gomelsky recurrió finalmente a una canción compuesta por Graham Gouldman, líder del grupo The Mockingbirds, y que había sido rechazada por Columbia para su primer sencillo. Esta canción era For Your Love y significaría por fin el salto a las listas de éxito de The Yardbirds, aunque a un precio alto, pues provocaría también el abandono del grupo de Eric Clapton, que se mostró indignado por un guiño comercial que traicionaba su compromiso con el blues que tanto adoraba. Pero lo cierto es que For Your Love era un magnífico tema, que quedó muy bien arreglado con el apoyo de Brian Auger a los teclados. El nuevo sencillo con For Your Love se publicó en marzo de 1965, alcanzando el número 3 en Gran Bretaña y al 6 en Estados Unidos, con el testamento de Clapton con The Yardbirds en la cara B: un potente tema instrumental compuesto por el propio productor Gomelsky, que firmó con el seudónimo Oscar Rasputin este Got to Hurry. Confirmada la salida de Clapton por esas mismas fechas, el propio guitarrista recomendaría a sus compañeros para sustituirle a su amigo Jimmy Page, por entonces un reconocido músico de sesión. Sin embargo, éste prefirió continuar de momento con su lucrativa carrera en el estudio y recomendó a su vez a Jeff Beck (1944), otro talentoso guitarrista que venía del grupo The Tridents y que aceptó encantado la propuesta. Clapton siguió fiel al blues más tradicional ingresando en los Bluesbreakers de John Mayall, y curiosamente grabaría algún tiempo después varios temas a dúo con Page. Mientras tanto, Jeff Beck lideraría una nueva etapa de The Yardbirds, marcada por la experimentación sonora del nuevo guitarrista con el uso del fuzztone, el feedback y la distorsión, navegando a partir de entonces el grupo entre el pop psicodélico de sus temas más comerciales y el blues-rock de alto voltaje. Así, mientras Gouldman volvió a reportar a The Yardbirds dos nuevos hits masivos con Heart Full of Soul en junio de 1965 (nº 2 en Gran Bretaña y 9 en USA y acompañada en la cara B por el instrumental Steeled Blues de Jeff Beck) y Evil Hearted You en septiembre (nº 3 en Gran Bretaña y Still I´m Sad en la cara B), Epic publicaba entre medias en Estados Unidos el recopilatorio For Your Love, que salió en el mes de julio e incluía, además de canciones ya publicadas en la época de Clapton, dos potentes temas inéditos dominados por la guitarra de Beck: I´m Not Talking y I Ain´t Done Wrong.

Los recopilatorios americanos de 1965: For Your Love y Having a Rave Up with the Yardbirds

En octubre de 1965 llegó un nuevo sencillo de The Yardbirds en Estados Unidos, con la versión del clásico de Bo Diddley I´m a Man, ya interpretada por el grupo para el disco en directo Five Live Yardbirds, al que siguió al mes siguiente un segundo recopilatorio: Having a Rave Up with the Yardbirds, que incluía una selección de sencillos en la cara A y cuatro temas de Five Live Yardbirds en la B. La novedad de impacto fue la potente versión de Train Kept A-Rolling, un tema popularizado por Johnny Burnette en 1956 que The Yardbirds convirtieron en un adelanto pionero del rock duro. No en vano, este sería el primer tema que tocarían juntos los miembros de Led Zeppelin cuando andaban a la búsqueda de su propio y demoledor sonido. Comenzado el año 1966, The Yardbirds consiguieron su primer éxito con una canción propia: Shapes of Things, obra de Samwell-Smith y McCarty, aunque marcada de nuevo por la experimentación guitarrística de Beck, y que llegó al número 3 en Gran Bretaña y al 11 en Estados Unidos, con dos excelentes caras B en estos países, la versión de Mister, You´re a Better Man Than I y el magnífico slow-blues New York City Blues, respectivamente. Los miembros del grupo tomaron por fin la confianza suficiente para componer sus propios temas e iniciar el proyecto de un álbum de larga duración en estudio, y tras el sencillo de mayo de 1966 con la psicodélica guitarra de Beck en Over, Under, Sideways, Down y el boogie instrumental Jeff’s Boogie, se completó un repertorio de doce canciones que se publicó en Gran Bretaña en el mes de julio con el simple título de Yardbirds, aunque sería conocido entre los aficionados como “Roger the Engineer”, por la caricatura realizada por Chris Dreja del ingeniero de sonido Roger Cameron que aparecía en la portada del disco. No obstante, al mes siguiente salió a la venta en Estados Unidos con diferente portada, algunas mezclas retocadas y el título de Over Under Sideways Down, conteniendo además dos temas menos respecto a la edición británica. Aunque esta obra no llegó muy alto en las listas ni alcanzó grandes ventas, está considerada una obra fundamental en la experimentación musical del rock de los 60. Compuesta en su totalidad por los miembros del grupo y con la producción de Simon Napier y el propio Samwell-Smith, cada vez más decantado por estas labores, muestra en realidad las diferentes inquietudes que por entonces mostraban los miembros de The Yardbirds, desde el blues rock de Nazz are Blue (que tuvo una versión instrumental magnífica titulada Jeff´s Blues) y Rack my Mind hasta la psicodelia de Over, Under, Sideways, Down, pasando por el gusto por la canción melódica y el gregoriano, los aires hindúes de la curiosa Hot House of Omagarashid y toques de jazz y folk.

La edición original británica de Yardbirds (aka Roger the Engineer), y la edición americana

Tras la publicación del álbum, Samwell-Smith abandonó definitivamente su labor como bajista para centrarse en la producción del grupo, y entonces se contrató a Jimmy Page (1944) para cubrir su ausencia. Page ya había colaborado con The Yardbirds en la revisión de Train Kept A-Rolling que se grabó en vivo en la primavera de 1966 para la película del director italiano Michelangelo Antonioni Blow Up, ambientada en el Swinging London. En esta versión con diferente letra y arreglo musical rebautizada como Stroll On para evitar los derechos de autor, Beck acababa la actuación destrozando su guitarra ante los fallos técnicos en sus amplificadores, en una escena inspirada en el habitual numerito de Pete Townsend en los conciertos de The Who, que fueron en principio los elegidos para la escena (después se pensó también en la Velvet Underground y The In-Crowd). Page aceptó entrar en la formación como bajista, hasta que Dreja se sintiera cómodo con este instrumento y le dejara entonces como pareja de Beck en la guitarra solista, aumentando más si cabe la potencia del sonido de The Yardbirds. Pero la colaboración entre Page y Beck en el estudio sería casi testimonial, pues tan sólo se les podrá escuchar juntos en Stroll On y en Happening Ten Years Ago, incluido en el sencillo que salió sin demasiado éxito en otoño de 1966.  Por la misma época, Beck cerraría su colaboración con The Yardbirds después de dejar tirados a sus compañeros durante la gira del grupo por Estados Unidos, que decidieron entonces prescindir de él y confiar las labores de guitarra solista a Page. El caso es que Beck estaba cada día más tenso con las exigencias artísticas del grupo y no se sentía cómodo con la sombra de Page a su lado y al año siguiente decide formar su propia banda, The Jeff Beck Group. No obstante, todavía grabaría junto a Page y sus amigos Nicky Hopkins, John Paul Jones y Keith Moon, Beck´s Bolero, una revisión del Bolero de Ravel compuesta por Page y que incluirá en la cara B de su primer sencillo (Hi Ho Silver Lining) y en su primer álbum con The Jeff Beck´s Group (Truth).

The Yardbirds con Beck y Page en sus filas

La ausencia de Beck dejó a The Yardbirds y su compañía discográfica con muchas dudas artísticas y sin un rumbo musical claro. Así que, para intentar relanzar comercialmente al grupo en el que habían triunfado Clapton y Beck, el sello británico EMI contrató al productor Mickie Most, artífice de los éxitos de bandas como Animals, Herman´s Hermits o el cantautor Donovan. Desde su llegada, Most introdujo a The Yardbirds en un sonido más pop, propio del swinging London de la época, produciendo para empezar un disco sencillo en la primavera de 1967 con la canción de Spiro/Wainman Little Games. Pero el intento fracasó, a pesar de que en la cara B se incluía el magnífico tema de Jimmy Page Puzzles, que mostraba ya el interés del guitarrista por la mezcla del folk acústico y los sonidos cercanos al hard-rock, con el uso de guitarras distorsionadas con fuzz. En julio saldría otro fallido intento de Most de alcanzar un éxito de ventas con la circense Ha Ha Said the Clown en la cara A – una canción con la que acababan de triunfar sus colegas de Manfred Mann y en cuya grabación participaría tan sólo Relf junto a músicos de estudio - y Tinker Taylor Soldier Sailor en la B, un divertimento musical que utiliza la letra de una canción infantil inglesa, pero que comienza con unos acordes precursores del sonido de Led Zeppelin e incluye a mitad de canción una de las innovaciones sonoras más comentadas de Jimmy Page: el uso de un arco de violín para frotar las cuerdas de su guitarra, algo que no obstante había hecho ya poco antes el guitarrista de Creation Eddie Philips. De modo que, a pesar de que ya se había completado el repertorio de un disco de larga duración, el fracaso de los sencillos provocó que Columbia-EMI descartara editarlo y sería finalmente el sello Epic quien se aventuraría a publicarlo en Estados Unidos, saliendo a la venta en agosto de 1967. Del diseño de la psicodélica cubierta se encargaría el prestigioso artista Phil Smee. En el disco original, que contenía diez canciones, no se incluyeron ni Ha Ha Said the Clown ni Puzzles. En cualquier caso, Little Games resultó una amalgama algo inclasificable de sonidos, que variaban desde los clásicos rythm and blues de las canciones de Chris Dreja a las baladas pop del cantante Keith Relf pasando por el hard rock y folk de los temas de Page. Tras la apertura con Little Games, el sonido original de los Yardbirds se recupera en las magníficas Smile on Me y Drinking Muddy Water de Dreja. Pero la experimentación de Page aparece ya en las primeras canciones del disco. Así, White Summer es una maravilla acústica con reminiscencias de la música ragga oriental, aunque el guitarrista copiara sin miramientos el arreglo que el cantautor folk inglés Davey Graham hiciera del tema popular irlandés She moves through the fair con el título de She moved thru´the bizarre/Blue Raga. White Summer sería además el embrión de la futura canción de Led Zeppelin Black Mountain Side, y de hecho Page tocaría ambos temas engarzados en muchos de sus conciertos con su posterior banda. La segunda joya de Page en Little Games es el tema instrumental Glimpses, un vanguardista collage musical con un envolvente sonido conseguido a base de pedal wah-wah, que se utilizó incluso cuando a mitad de canción entra el cantante Keith Relf recitando un poema. La segunda parte del álbum está dominada por fallidas e intrascendentes versiones como No Excess Baggage y Stealing, Stealing, la balada intimista Only the Black Rose y la ingenua canción antimilitarista Little Soldier Boy. En las grabaciones del disco participaron, además de los miembros del grupo, algunos músicos de sesión muy reconocidos en aquellos años, como el teclista Nicky Hopkins, el batería Clem Cattini y el bajista John Paul Jones, futuro miembro de Led Zeppelin.

El último álbum de The Yardbirds: Little Games (1967)

Desde su salida a la venta, Little Games fue un fracaso musical y comercial. The Yardbirds volvieron de gira mientras tanto por Estados Unidos con la ayuda de su nuevo manager, Peter Grant (que continuaría con Page en los Led Zeppelin), aunque en los conciertos de esta última época el grupo prefería tocar en vivo los temas clásicos de épocas pasadas y versiones de blues o de otros grupos. En estas giras se empezaron a agudizar además las disensiones internas, acuciadas además por el abuso de drogas de algunos de sus miembros. En otoño se publicó en Gran Bretaña otro disco sencillo con la versión de la canción de Nilsson Ten Little Indians, acompañada del blues eléctrico de Drinking Muddy Water, pero tampoco tuvo la respuesta esperada. A principios de 1968, The Yardbirds regresaron a Estados Unidos y en marzo grabaron en Nueva York un concierto en vivo y varias canciones que en principio no fueron editadas. Ese mismo mes registraron además sus últimas actuaciones para la emisora BBC de Londres y se publicó el último sencillo de la carrera de The Yardbirds, que reincidió en el mismo error de ocasiones anteriores: presentar en la cara A una intrascendente canción, en este caso la versión de Good Night Sweet Josephine de Tony Hazzard, mientras se relegaba a la cara B la potente Think About it, con un solo final magistral a cargo de Page. Poco después los intereses diversos del grupo terminaron por disolver The Yardbirds, que actuaron juntos por última vez en julio de 1968 en Inglaterra. Keith Relf y Jim McCarty quisieron continuar con sus tendencias más intimistas y folk y formaron el dúo Together, con la producción de su antiguo compañero Paul Samwell-Smith. Page mantuvo entonces los derechos del nombre del grupo para una gira ya comprometida por Escandinavia, para la que reclutó al entonces desconocido cantante Robert Plant y al batería John Bonham, amigo de la infancia de Plant. Como bajista ofreció a Dreja continuar, pero éste finalmente prefirió dedicarse a la fotografía, así que fue invitado para ocupar su lugar el veterano músico de sesión John Paul Jones. Esta formación, que juntaba ya el futuro plantel de Led Zeppelin, se presentaría todavía como The New Yardbirds en su gira escandinava del mes de septiembre de 1968, interpretando tanto temas de la carrera de The Yardbirds, como las nuevas composiciones de Page y sus compañeros, que se incluirían en el primer álbum de Led Zeppelin. Sería al fichar la nueva formación con el sello Atlantic, cuando Epic y sus ex-compañeros de The Yardbirds se negaron a que siguieran utilizando el nombre del grupo y a Page se le ocurrió entonces rebautizarla como Led Zeppelin. Pero a partir de aquí ya es otra historia.

El disco “prohibido”: Live Yardbirds (1971)

En cualquier caso, Led Zeppelin resultó un bombazo en el mundo del rock desde su primer disco y, aprovechando el tirón, Epic quiso hacer caja publicando en 1971 la actuación en vivo de TheYardbirds en marzo de 1968 en el Anderson Theatre de Nueva York con el título de Live Yardbirds! Featuring Jimmy Page, pero a Page no le gustó nada la introducción de efectos de público ni la interpretación vocal en ese concierto de su compañero Relf, por lo que encargó a sus abogados que detuvieran la distribución de esta edición y otra posterior de 1976, aunque el disco seguiría circulando como pirata. Las malas lenguas dicen no obstante que el verdadero motivo del rechazo de Page a la publicación de esta grabación en vivo fue que en ella el grupo interpretaba el arreglo que habían realizado del tema Dazed and Confused del cantautor Jack Holmes, publicado en 1967, y que finalmente Page se apropió como suyo para el repertorio del primer disco de Led Zeppelin. Algo parecido sucedió cuando Page impidió que el tema Know I´m Losing You, que presenta un gran parecido con Tangerine del disco III de Led Zeppelin, fuera incluido en el recopilatorio de temas inéditos de la última época de Yardbirds titulado Cumular Limits, editado en 2000 por Burning Airlines. En este disco aparecen por primera vez las grabaciones realizadas en Nueva York en marzo de 1968. Una última entrega de un grupo único que sólo vió ensombrecida su leyenda con la trágica muerte del cantante Keith Relf en 1976, electrocutado cuando tocaba la guitarra en su casa.

Aquí podéis ver la famosa escena de la película Blow Up con The Yardbirds

SANDY DENNY + FAIRPORT CONVENTION

  

Sandy Denny es sin lugar a dudas una de las voces más extraordinarias y recordadas de la música folk británica. Su brillante y emotiva interpretación fue fundamental en las dos obras maestras publicadas en 1969 por el legendario grupo londinense de folk-rock Fairport Convention: Unhalfbricking y Liege and Lief, además de participar en otras bandas del género y firmar varios discos en solitario antes de su prematura muerte a los 31 años de edad. Para la historia quedaron la belleza etérea de su voz y una brillante colección de canciones compuestas por ella misma.

 

 Nacida el 6 de enero de 1947 en el barrio londinense de Kingston, Alexandra Elene Maclean Denny (1947 – 1978) estudió piano de niña, además de tocar la guitarra y cantar en el coro de su colegio. Pero a pesar de las notables condiciones artísticas que ya apuntaba la pequeña Sandy, sus estrictos padres no querían que se dedicara a la música, y por ello, tras concluir los estudios secundarios, ingresó en la escuela de Enfermería. Sin embargo, al poco tiempo su vocación se impuso inevitablemente y decidió abandonar la formación médica para entrar en la Escuela de Arte de Kingston, donde coincidiría con tres legendarios músicos y guitarristas con los que tendría buena amistad: Jimmy Page, Eric Clapton y John Renbourne (fundador del grupo folk Pentangle). Hacia 1965, Sandy empezó a cantar folk en clubes de Londres, sobre todo temas de cantautores americanos de la época como Tom Paxton, Joni Mitchell y, sobre todo, de su por entonces novio Jackson C. Franck (1943-1999), un prometedor artista que se había instalado en la capital inglesa, donde publicó su primer disco con la producción de su amigo y compatriota Paul Simon. La primera contribución discográfica de Sandy Denny sería precisamente en la cara B del primer sencillo de Franck, aunque fuera simplemente acompañando con la pandereta la canción Can’t Get Away From My Love. Pero después de que el joven cantautor norteamericano decidiera volverse a Estados Unidos por causa de sus problemas personales, Sandy continuó mostrando su enorme talento como vocalista en el circuito folk y a principios de 1967 viaja a Dinamarca para actuar en el British Folk Week celebrado en el Tivoli Garden de Copenhague. De vuelta en Londres, es invitada a interpretar varios temas tradicionales ingleses y canciones de Jackson C.Franck, Campbell y Paxton acompañada del grupo de los cantantes folk británicos Alex Campbell y Johnny Silvo, grabaciones que serían publicadas por el sello Saga Records en los discos Alex Campbell and his Friends y Sandy and Johnny. Ese mismo año, tras actuar en el conocido local Troubadour de Earl´s Court, Sandy fue invitada a unirse al grupo de folk Strawbs, que lideraba Dave Cousins. Con ellos pasaría varios meses, viajando en el mes de mayo hasta Dinamarca para registrar en un estudio de Copenhague el repertorio para un disco, que incluía una preciosa canción compuesta por la propia Sandy titulada Who Knows Where the Time Goes? Las grabaciones de Sandy con The Strawbs no se publicarían sin embargo hasta 1973, gracias al sello Pickwick, con el título de All Our Own Work, pero al menos la famosa cantautora norteamericana Judy Collins quedó prendada de la canción de su colega británica y la popularizaría en todo el mundo al incluirla en su disco de 1968, que tituló significativamente como Who Knows Where the Time Goes?

 

 

Portada prevista para el disco de Sandy Denny con The Strawbs y portada editada por el sello Pickwick en 1973

 

Por fin, después de tocar el piano para el disco Galleries del grupo Young Tradition, Sandy Denny fue elegida para sustituir a Judy Dyble como cantante del grupo de folk londinense Fairport Convention, que había publicado en junio de 1968 su primer álbum: Fairport Convention, con la producción para el sello Polydor del norteamericano Joe Boyd (1942), mentor de otro prometedor grupo folk inglés como The Incredible String Band, pero también de los primeros pasos de los sicodélicos Pink Floyd. Fairport Convention se había creado en 1967 con la unión de varios brillantes y jovencísimos músicos ingleses: el bajista Ashley Tyger Hutchings (1945), los guitarristas Simon Nicol (1950) y Richard Thompson (1949) y el baterista Martin Lamble (1949), a los que se unieron dos cantantes: Ian McDonald (que después cambió su nombre artístico a Ian Matthews) (1946) y Judy Dyble (1949), por entonces novia del guitarrista Richard Thompson. McDonald y Dyble alternaban en las voces al estilo de los norteamericanos Jefferson Airplane, uno de sus grupos favoritos de la época, aunque su principal influencia era la música popular norteamericana, desde el country hasta el blues, y sobre todo la música de los grandes cantautores de la época, como Joni Mitchell, Bob Dylan, Gene Clark, Richard Fariña o Leonard Cohen, entre otros. Tras la salida de Dyble, Denny se encargó de alternar en las voces con Ian Matthews, además de tocar la guitarra acústica y todo tipo de teclados en las grabaciones. En enero de 1969, Fairport Convention publicó con su nueva cantante el álbum What We Did On Our Holidays (Island), que contenía el legendario tema de Richard Thompson Meet on the Ledge. El álbum salió también en Estados Unidos con A&M, aunque con una portada diferente y el simple título de presentación Fairport Convention. El repertorio se basó principalmente en temas compuestos por los miembros del grupo, sobre todo del guitarrista Richard Thompson, en los que las influencias de la música norteamericana siguen siendo evidentes, con la inclusión además de los habituales versiones, en esta ocasión de Dylan y Mitchell. En cualquier caso, ya se apunta el interés de la formación por el folk de las Islas Británicas, que se desarrollará en obras siguientes, interpretando en la cara B del álbum un par de arreglos de temas tradicionales: Nottamun Town y She Moves Through the Fair. Sandy tendría ocasión además de mostrar una vez más su talento para la composición, abriendo el álbum con otro precioso tema titulado Fotheringay, que la propia cantante interpreta magistralmente. Fotheringay era el nombre del castillo inglés en el que estuvo encerrada a finales del siglo XVI la reina escocesa Mary, sobre la que trata la canción. Nada más publicarse What We Did On Our Holidays, el grupo comenzó a grabar un nuevo disco, de nuevo con la producción del norteamericano Joe Boyd, pero a las primeras de cambio se produjo la salida del cantante Ian Matthews, que abandonó Fairport Convention para formar su propio grupo: Matthews Southern Comfort, con lo que Sandy se encargó de interpretar en solitario todas las canciones del nuevo álbum, pues Matthews sólo llegaría a participar en la versión del tema de Dylan Percy´s Song.

 

Portada de What We Did On Our Holidays (1969) en Gran Bretaña (Island) y en Estados Unidos (A&M)

 

El tercer álbum de Fairport Convention se concluyó en el mes de abril con el título de Unhalfbricking y un repertorio de excelentes canciones en las que Denny se consagró como una de las voces más emocionantes del panorama musical británico. Además de dos temas de Thompson (Genesis Hall y Cajun Woman), se incluyó la conocida balada Who Knows Where the Time Goes?, que Denny volvió a grabar con su nuevo grupo, y otra brillante composición de la cantante, Autopsy, que presenta un toque elegantemente jazzístico. Aunque ya era muy conocida por la difusión que le dió Judy Collins, Who Know Where the Time Goes? se convirtió en uno de los temas de Sandy más universales, y de hecho, fue elegida en 2007 en una votación entre los oyentes de la emisora de radio BBC como la “canción folk británica favorita de la historia”. En este álbum se produjo además el giro definitivo de Fairport Convention hacia las raíces musicales de su tierra, con la versión de 11 minutos del tema tradicional Sailor´s Life, que ya cantaba Denny en sus primeras actuaciones en Londres, pero que con la instrumentación del resto del grupo (en especial la fantástica guitarra de Thompson) y la incorporación del virtuoso del fiddle Dave Swarbrick (1941) marcó el punto de partida del folk eléctrico inglés. Por último, aunque las influencias de los autores norteamericanos perderían presencia en discos posteriores, en Unhalfbricking se incluyeron nada menos que tres versiones de Bob Dylan (y otras dos que quedaron fuera del repertorio final), después de que los miembros del grupo quedaran impresionados al escuchar las maquetas de las canciones de The Basement Tapes grabadas por el cantautor norteamericano. Por desgracia, en mayo de 1969, cuando preparaban su primera gira por Estados Unidos, los miembros de Fairport Convention sufrieron un terrible accidente viajando en su furgoneta, a causa del cual falleció el batería Martin Lamble, con sólo 19 años, y la novia de Thompson. Pero al mes siguiente salió a la venta Unhalfbricking, que llegó al número 12 de las listas británicas, lanzando al grupo al estrellato, mientras David Mattacks ocupó el puesto de Lamble a la batería. Para la portada de Unhalfbricking se utilizó una fotografía de los padres de Sandy en la entrada del parque frente a su casa en Wimbledon, con el grupo visible a lo lejos en el interior del parque, aunque de nuevo se utilizó una portada diferente en la edición americana, en la que aparecían varios elefantes en formación circense. En esta época, Fairport Convention grabaría además en directo para la BBC de Londres, registros que se publicarían en el año 1976 con el título de Heyday.

 

 

Portada de Unhalfbricking (1969) en Gran Bretaña (Island) y Estados Unidos (A&M)

 

En el verano de 1969, recuperados del shock del terrible accidente del grupo, Fairport Convention preparó las canciones para un nuevo disco, presentándolas públicamente en una actuación en el Royal Festival Hall de Londres. Y en octubre se metieron finalmente en el estudio para grabar el fundamental Liege and Lief, considerada una obra maestra que convertiría definitivamente a Fairport Convention en pionero y abanderado del folk-rock británico, junto a sus colegas de Pentangle, ocupando los arreglos de temas tradicionales ingleses cinco de los ocho cortes, incluido un medley de danzas populares animado por el fiddle de Swarbrick, que entró como miembro permanente del grupo. La mayoría de estos temas fueron encontrados por el bajista Ashley Hutchings en la colección de Cecil Sharp depositada en la English Folk Dance and Song Society. Completando el repertorio, dos preciosas composiciones de Thompson, Farewell, Farewell y Crazy Man Michael, en las que las guitarras envuelven la maravillosa voz de Denny, y Come All Ye, compuesta por la cantante junto a Hutchings. La interpretación de Denny destaca también en las excelentes versiones eléctricas de los temas tradicionales Matty Groves y Tam Lin y en la balada Reynardine. Liege and Lief saldría a la venta en el mes de diciembre de 1969, llegando al número 17 de las listas británicas y en 2002 sería votado por los oyentes de la emisora estatal BBC como el disco más importante de la historia del folk británico. Pero a pesar del éxito del nuevo registro, el bajista Ashley Hutchings dejó en esta época el grupo para formar otra de las bandas fundamentales del folk-rock británico: Steely Span, mientras la propia Sandy Denny, tras algunos conciertos de promoción de Liege and Lief, decidió seguir su propio camino creando Fotheringay junto a su novio australiano Trevor Lucas y los músicos Gerry Conway, Jerry Donahue y Pat Donaldson, aunque manteniéndose en el sello Island y contando con la producción de Boyd. Fairport Convention publicaría mientras tanto en 1970 el álbum Full House, tras el cual también Richard Thompson abandonó la formación para iniciar su carrera en solitario, con lo que sólo quedó el guitarrista Nicol de los miembros originales.

 

 

Liege and Lief (1969) de Fairport Convention y el único álbum de Fotheringay (1970)

 

Fotheringay publicaría un único álbum de presentación en junio de 1970, Fotheringay, que ha pasado algo desapercibido a pesar de tratarse de una excelente obra musical de la que se destacaron los temas Nothing More, The Sea y The Pond and The Stream. Pero cuando preparaban el repertorio de un nuevo álbum (grabaciones rescatadas y publicadas recientemente por el sello Fledg´ling Records con el título de 2), Denny decidió afrontar su carrera artística en solitario, publicando en septiembre de 1971 The North Star Grassman and the Ravens, con la ayuda en la producción de Richard Thompson y la colaboración de sus ex-compañeros de Fotheringay. En 1971, Denny cantó además Breakfast in my Fair en el disco Babbacombe Lee de Fairport Convention y junto a todos sus colegas de uno y otro grupo grabaría el curioso disco de versiones de clásicos del rock and roll Rock On, que editaron con el nombre de The Bunch en enero de 1972. Antes, Denny haría una colaboración histórica en el cuarto disco de Led Zeppelin, cantando junto a Robert Plant el tema folk The Battle of Evermore. También hizo un cameo musical en 1972 cantando I´m a Boy en la interpretación de la ópera rock Tommy de sus amigos The Who junto a la London Symphony Orchestra en el Rainbow Theatre de Londres, evento en el que también participaron Ringo Starr, Rod Stewart, Steve Winwood, Richie Havens y Maggie Bell. En septiembre de 1972 publicó su segundo disco en solitario, Sandy, producido en esta ocasión por su novio Lucas y con un sonido algo más country en sus canciones. Ese mismo año participaría en la banda sonora de la película Past of Arms y también en la película danesa Swedish Fly Girls, además de cantar en varias canciones del disco en solitario de Richard Thompson Henry the Human Fly! Era un momento álgido de su carrera, pues tanto en 1971 como en 1972 Denny fue elegida por la revista Melody Maker como mejor cantante inglesa del año.

 

 

 Sandy Denny con Bonham, Plant y Page de Led Zeppelin

 

 En 1973, Denny se casa finalmente con Trevor Lucas, que se había unido a Fairport Convention en esta época junto con otros miembros de Fotheringay, y publica su tercer álbum Like an Old Fashioned Waltz. Poco después, se incorpora a la nueva formación de Fairport Convention (Lucas, Mattack, Donahue, Swarbrick y el bajista Dave Pegg) para acompañarles en una gira mundial, de la que se extrajo material para el directo Fairport Live Convention, publicado en 1974 con la producción de Lucas y John Wood. Todavía se mantendría su colaboración con el grupo para la grabación del disco Rising for the Moon, que salió en junio de 1975 con la producción de Glyn Johns y que supuso un serio intento de recuperar la brillantez de los primeros Fairport Convention, con una excelente aportación de canciones compuestas por Denny. Pero de nuevo la inquieta cantante reinició su camino en solitario, aunque su abuso cada vez mayor del alcohol y las drogas (no sólo cocaína, sino también tranquilizantes y adelgazantes, pues era una persona muy insegura) perjudicaron la claridad de su voz y su carrera artística entró en un bache, publicando en 1977 su último disco, Rendezvous, que fue un fracaso aunque incluía una versión de la canción de Elton John Candle in the Wind. Ese año había nacido su hija Georgia, pero en 1978 Lucas se llevó a la niña a Australia, ante la inestabilidad de la situación de Denny. Durante unas vacaciones con sus padres en Cornwall, la cantante sufrió un accidente doméstico tras caer de una escalera y un mes después se desplomó en casa de una amiga, falleciendo a los pocos días de una hemorragia cerebral. Su muerte causó auténtica conmoción en el mundo musical británico, pues era una de las voces más queridas y admiradas por todos, y desde entonces numerosos artistas la recordarían en alguna de sus canciones, incluido el irlandés Phil Lynott, que en 1984 grabó junto al grupo Clann Eadair el tema A tribute to Sandy Denny.

 

 

El directo Fairport Live Convention (1974) y Rising for the Moon (1975)

 

 

 

EDDIE COCHRAN

 

Fallecido con sólo 21 años, Eddie Cochran es una figura fundamental del rock and roll americano de finales de los años 50. En apenas cuatro años de fructífera carrera nos dejó un puñado de temas inmortales que se convirtieron en bandera del espíritu más auténtico del rock en generaciones siguientes. Guitarrista, cantante y compositor, su interpretación de canciones como Summertime Blues, C´mon Everybody, Jeannie, Jeannie, Jeannie o Something Else son, cincuenta años después, un refrescante antídoto contra cualquier síntoma de artificio musical.

 

Edward Raymond Cochrane nació el 3 de octubre de 1938 en Albert Lea (Minnesota), aunque cuando tenía alrededor de trece años, después de haber pasado también un tiempo en el estado de Oklahoma, se trasladó con su familia a vivir a un suburbio de Los Angeles (California) llamado Bells Garden. Estando en el instituto empezó a tocar la guitarra y cantar con su amigo Connie Guybo Smith, que más tarde se convertirá en el bajista de su grupo y le acompañará durante su época más exitosa. Más tarde, alterna también con el músico local Chuck Foreman, con el que empieza a grabar algunas demos. Pero el verdadero comienzo de la andadura profesional de Eddie Cochran se producirá a finales de 1954, cuando conoce al cantante de country Hank Cochran (1935), quien le ofrece formar un dúo. A partir de entonces, ambos tocarán y cantarán juntos temas de country y rockabilly bajo el nombre de The Cochran Brothers, aunque a pesar de su idéntico apellido, no tenían ninguna relación de parentesco. En junio y julio de 1955, publican con el sello Ekka dos sencillos con las canciones Mr.Fiddle/Two Blue Singin´Stars y Your Tomorrows Never Comes/Guilty Conscience, respectivamente. Al mismo tiempo, Eddie grabará como músico de sesión para algunos de los artistas de la compañía. A finales de año, los Cochran conocen al músico Jerry Capehart (1929-1998), al que acompañarán en un disco publicado en enero de 1956 y que se convertirá además en su manager y letrista. En mayo, The Cochran Brothers vuelven a sacar otro sencillo con los temas Tired and Sleepy/Fool´s Paradise, pero será en esta época cuando Eddie asista a la explosión de Elvis Presley y decide abrazar fervorosamente el rock and roll, dejando de lado las melodías country y el dúo con su colega Hank Cochran. Así, en el mes de julio de 1956 Eddie inicia con 17 años su carrera en solitario, debutando para el sello Crest con el sencillo con las canciones Skinny Jim y Half Loved. La primera, un rockabilly al uso de la época,  fue la primera muestra discográfica de la colaboración musical de Cochran y Capehart, que tan buenos frutos daría en años siguientes, aunque todavía no llegó a colarse en las listas de éxitos.

 

The Cochran Brothers y Eddie con Jerry Capehart

 

En las mismas fechas, el productor Boris Petroff propone a Cochran participar en la película dirigida por Frank Tashlin The Girl Can´t Help It (que en principio se iba a llamar Do-Re-Mi, como la novela en la que se basaba) y el cantante y guitarrista graba en los míticos Gold Star Studios de Hollywood los temas Twenty Flight Rock y Dark Lonely Street, para poco tiempo después interpretar el primero de ellos ante la cámara en los estudios de la productora cinematográfica Fox. Su impactante exhibición con su mítica guitarra Grestch Chet Atkins en esta célebre cinta sobre el espíritu juvenil americano de los años 50 junto a estrellas consagradas como Little Richard, Eddie Fontaine, The Platters o Fats Domino catapultará su carrera de manera vertiginosa, como la de su amigo Gene Vincent (1935-1971), que cantó su legendario Be Bop A Lula. Esta película causaría verdadera conmoción entre los jóvenes de la época, y se dice que John Lennon aceptó ese mismo año a Paul McCartney en su primer grupo The Quarrymen después de escucharle tocar Twenty Flight Rock tal como lo hacía Cochran. Poco después de su participación en The Girl Can´t Help It, Cochran firma un contrato con el sello discográfico Liberty y a finales de 1956 vuelve a actuar en otra película juvenil titulada Untamed Youth, en la que cantó Cotton Picker. En febrero de 1957, publica el sencillo que incluía Sittin´in the Balcony, canción de John Loudermilk que llegó al número 18 de las listas, con la citada Dark Lonely Street en la cara B. Ante el éxito de esta grabación, Eddie grabará dos nuevos sencillos acompañado por la orquesta y coros de Johnny Mann, completando finalmente el que sería su único álbum de larga duración, Singin´to my Baby, publicado en noviembre de 1957. No obstante, el repertorio de temas no permitiría todavía disfrutar de la liberación como artista y compositor del joven Cochran, pues Liberty quería explotar su excelente voz en canciones más propias de un crooner americano que de un cantante y guitarrista de rock and roll.

 

Cartel de The Girl Can´t Help It y actuación de Eddie Cochran

 

Por otra parte, en octubre de 1957 Eddie Cochran había viajado de gira hasta Australia con Gene Vincent, Little Richard y la considerada “Elvis Presley femenina” Elis Lesley, en lo que supuso la primera actuación de estrellas del rock and roll en este país. El comienzo del año de 1958 nos mostrará por fin el potencial rockero de Cochran con la publicación en enero de Jeannie, Jeannie, Jeannie y en julio de su legendario tema Summertime Blues, que alcanzó el puesto 8 de las listas americanas. Compuesta junto a Capehart y con un juego de voces espléndido del cantante, este tema se convertirá en todo un himno rockero, versioneado en años posteriores por infinidad de grupos, entre ellos The Who, The Beach Boys, Blue Cheer, The Clash o Van Halen. En esta época, Eddie es invitado además por su amigo Gene Vincent a hacer los coros de sus nuevas canciones con su grupo The Blue Caps. En el mes de octubre llega su segundo gran éxito con C´mon Everybody, otra colaboración gloriosa con Capehart, que no obstante llegó más alto en las listas británicas que en las estadounidenses. En estos temas, Cochran experimentaría con cajas de ritmos y diversos efectos de grabación, demostrando además su maestría con la guitarra. El joven músico cerraría su triunfal año actuando en The Loews State Theatre de New York junto a Chuck Berry, Jackie Wilson y Bo Diddley.

 

Su amigo Gene Vincent y el único LP: Singin´to my Baby

 

El año 1959 comenzaría para Eddie Cochran con su aparición en la película Go, Johnny, Go! interpretando Teenage Heaven, que sería su siguiente sencillo. En esta nueva cinta para adolescentes actuaba también el jovencísimo Ritchie Valens, admirador de Cochran y que fallecería el 3 de febrero junto a Buddy Holly y Big Bopper en un trágico accidente de avión durante la gira en la que los tres compartían escenario. Sólo tres días después, Cochran grabaría Three Stars en recuerdo de sus colegas, que cantó con voz quebrada como es claramente perceptible en su interpretación, lo que hizo que Liberty no se decidiera a publicarla entonces. Al parecer, Cochran fue invitado a participar en la misma gira, pero sus compromisos de entonces le salvaron la vida.. de momento, aunque a partir de entonces evitó en lo posible los viajes en avión. En el verano de 1959 llega su último gran éxito, el memorable tema Something Else, compuesto por la novia de Eddie Sharon Sheeley (1940-2002) con la ayuda de Bob Cochran, hermano de Eddie. Poco antes, con apenas 18 años, Sheeley había dado un número uno a Ricky Nelson con su canción Poor Little Fool. Something Else sería versioneado en numerosas ocasiones por grupos anglosajones como Led Zeppelin, The Move, Slade, The New York Dolls e incluso Sid Vicious, que consiguió llevarla al número 3 en 1979, mientras en España sería revisada en los años 80 por el grupo rocker por excelencia del país, Loquillo y los Trogloditas. Antes de terminar el año 1959, Cochran grabaría una estupenda versión del tema de Ray Charles Hallellujah I Love Her So.

 

Cartel de Go, Johnny, Go! y Eddie con su novia Sharon Sheeley

 

En enero de 1960, Cochran realiza en los estudios Gold Star de Los Angeles la que sería su última sesión de grabaciones, registrando las canciones Three Steps to Heaven y Cut Across Shorty, poco antes de salir de gira con Gene Vincent rumbo a Inglaterra, que le convenció para cruzar el charco. Sus actuaciones en teatros, radio y televisión causaron conmoción en toda Gran Bretaña, siendo seguidos concierto a concierto por el mismísimo George Harrison. Pero el 17 de abril, cuando Cochran, Vincent y Sheeley viajaban en taxi en dirección al aeropuerto después de una actuación en la ciudad de Bristol, sufrieron un terrible accidente en una carretera cercana a la localidad de Chippenham, fruto de la cual Cochran fallecería esa misma noche en un hospital de Bath, mientras Vincent y Sheeley sufrieron graves heridas. Días después, Cochran sería repatriado y enterrado en el cementerio californiano de  Forest Lawn Cypress y Gene Vincent quedaría traumado de por vida por este accidente y fallecería en 1971 de una úlcera de estómago tras una lenta caída en la depresión y el alcohol.

 

Portada de un periódico local tras el accidente y la tumba de Eddie

 

En abril de 1960, se publicó Three Steps to Heaven, espléndidamente cantada por Cochran con voz increíblemente viril para su juventud, tema que alcanzó el número 1 de las listas. Al poco tiempo, como suele ocurrir en estos casos, la discográfica de Cochran sacó a la venta varios recopilatorios con sus éxitos y canciones nunca editadas, y así se publicaron en la misma primavera de 1960 los álbumes 12 of His Biggest Hits y The Eddie Cochran Memorial Album y en años siguientes aparecieron otros recopilatorios, como fueron Never to Be Forgotten en 1962 y My Way en 1964. La influencia de Eddie Cochran será a partir de entonces enorme en grupos americanos y sobre todo británicos de rock y punk, que siempre admiraron su actitud y honestidad musical. Por su parte, la nueva estrella del rockabilly de los 80 Brian Setzer, líder de los Stray Cats que encarnó al propio Cochran en la película La Bamba (1987), tendría el privilegio de que la familia de Cochran le regalara parte de la ropa que utilizaba en sus actuaciones el artista fallecido.

 

The Eddie Cochran Memorial Album (1960) y Never to be Forgotten (1962)

 

El recordado Eddie ofreciendo una lección de rock and roll en dos minutos

 

BON SCOTT

 

Considerado unánimemente como uno de los más carismáticos y honestos frontman de la historia del rock, el cantante escocés Bon Scott estuvo al frente de la primera y gloriosa etapa del grupo australiano AC/DC en los años 70, interpretando con inigualable talento clásicos como It´s a Long Way to the Top (If You Wanna Rock and Roll), Problem Child, The Jack, Highway to Hell, Whole Lotta Rosie o Let There Be Rock antes de su desgraciada muerte en 1980 fruto de una noche de excesos con el alcohol. Venerado como icono del rock duro, Bon Scott tuvo sin embargo unos curiosos inicios artísticos en grupos de pop y rock progresivo antes de saltar a la fama junto a sus paisanos los hermanos Angus y Malcolm Young, que pusieron sus saturadas guitarras al servicio de las descaradas letras del cantante.

 

 Ronald Belford Scott nació el 9 de julio de 1946 en la localidad escocesa de Kirriemuir, cuna también del escritor J.M.Barrie, autor de Peter Pan. La difícil posguerra británica motivó que su familia emigrara en 1952 a la floreciente Australia en busca de una mejor vida, estableciéndose con sus padres y su hermano Derek en un suburbio de la ciudad de Melbourne. Un año después, nació su hermano Graemme y en 1956 la familia se trasladó a Fremantle, en la costa oeste australiana, donde el pequeño Ronald entró con su padre a formar parte de la banda de gaitas de la comunidad escocesa local, la Caledonian Scots Pipe Band, aprendiendo a tocar el acordeón, el piano, la gaita y el tambor. La música se convirtió a partir de entonces en su gran pasión, al tiempo que decrecía su interés por los estudios, por lo que a los quince años dejaría el instituto, donde ya era conocido con el sobrenombre de Bon, diminutivo de “Bonnie Scotland”. Mientras se ganaba su primer sueldo trabajando de cartero, Bon destacó por sus dotes como percusionista, ganando varios premios locales, pero también comenzó a cimentar entonces su fama de juerguista redomado y rebelde incorregible, lo que llevó a pasar en varias ocasiones por centros de menores por pequeños delitos y problemas con las autoridades. Con la intención de centrar su vida, intentó entrar en el Ejército australiano en 1965, pero fue rechazado por “inadaptado social”, lo cual siempre agradeceremos, pues poco después inicia su carrera artística en el grupo de la ciudad de Perth The Spektors, ejerciendo de batería y ocasional cantante. The Spektors consiguieron ganar un concurso de bandas local (Perth Hoadleys Battle of the Bands) y gozaron de cierta popularidad con sus conciertos, en los que principalmente tocaban éxitos de los grupos británicos de moda en la época, como The Rolling Stones y The Beatles. De esta época se conservan unas grabaciones de la actuación del grupo en un programa de televisión, de las que lo más reseñable es el momento en que Bon toma el micro para interpretar la versión del mítico Gloria de Them, mostrando el potencial y la garra vocal que desarrollará posteriormente. Poco después, Bon conoció a Vince Lovegrove, cantante de otro de los grupos más conocidos de Perth, The Winstons, y ambos decidieron unir sus talentos vocales, al estilo de sus admirados Sam and Dave, para formar un nuevo grupo.

Bon tocando la batería con The Spektors

 

De esta forma, con el guitarrista de The Spektors Wyn Millson y otros compañeros, Bon y Lovegrove crearon The Valentines a finales de 1966, alternándose ambos en la voz solista, mientras el otro se encargaba de las armonías. Con influencias que iban desde Sam and Dave y los Bee Gees hasta los Beatles, Rolling Stones y las estrellas del pop australiano The Easybeats, el grupo alcanzó enseguida un enorme éxito en la región, sobre todo entre las jovencitas adolescentes. En mayo de 1967, llegaron al número 5 de las listas locales con su primer sencillo Every Day I Have To Cry, interpretada a la voz solista por Bon. Para el segundo sencillo contaron ya con la colaboración del tándem Harry Vanda y George Young (1947), guitarristas ambos de The Easybeats, y hermano mayor el segundo de los que serán compañeros de Scott en AC/DC Angus y Malcolm Young, que escribirán para ellos She Said. En la cara B, Bon y Vince Lovegrove emulaban a los Beatles en el clásico To Know You is to Love You. A finales de 1967, The Valentines se trasladaron a Melbourne con un contrato discográfico, grabando en años siguientes varios sencillos bastantes comerciales y un EP que llevó el título de su éxito de febrero de 1969 My Old Man’s A Groovy Old Man, compuesto por Vanda/Young. Su éxito como grupo de fans se extendió a todo el país, apareciendo en varias ocasiones por televisión, lo que sorprenderá a muchos viendo al salvaje Bon con traje de chaqueta y flequillo a lo beatle. En la última etapa del grupo sería cuando Bon firmaría sus primeras canciones publicadas en disco sencillo: la excelente Getting Better en agosto de 1969 y la preciosa balada Juliette en febrero de 1970, cantada por el escocés con sorprendente delicadeza y que fue el último gran éxito de The Valentines. Pero para entonces Bon se cansó de las obligaciones del negocio musical y de cantar canciones de pop para adolescentes y quiso virar hacia sonidos más libres y rockeros, que era lo que le pedía su espíritu rebelde. Además de un problema legal por posesión de drogas en 1969, las discrepancias musicales dentro del grupo se acentuaron en este tiempo y en agosto de 1970 Bon acordó con su amigo Vince Lovegrove disolver The Valentines y seguir cada uno su camino.

Bon y Vince Lovegrove y The Valentines al completo

 

Tras la desaparición de The Valentines, el bajista Bruce Howe llamó a Bon para asumir la labor de cantante en el grupo de rock progresivo de Melbourne Fraternity, algo que sedujo de inmediato al escocés. Poco después de entrar, Bon grabaría con ellos el disco Livestock para el sello Sweet Peach Label, que saldría a la venta en 1971. Al margen del repertorio del álbum de larga duración, ese mismo año publicarían un sencillo con la espléndida canción típicamente hippie Seasons of Change,  en la que Bon, además de cantar, toca la flauta, y otro sencillo con las dos partes del tema The Race. El aspecto del cantante en esta época cambió de las chaquetas y pelo casco a la camisa de franela y las perillas y melenas de hippie, como se puede ver en fotografías y algún video de sus actuaciones en la televisión australiana. A lo largo de 1971, Fraternity telonearon a los británicos Black Sabbath, Deep Purple y Free en sus giras por Australia y al año siguiente viajaron a Gran Bretaña, donde precederán la actuación de Status Quo. En 1972, saldría a la venta con RCA Flaming Galah, que supuso un giro musical considerable en los nuevos temas de Fraternity, que derivaron claramente hacia el boogie rock, seguramente por insistencia de Bon. Aunque el resultado no fue demasiado bueno, en canciones como Welfare Boogie, Annabelle, Hemming´s Farm o Getting Off encontramos ya el embrión de lo que hará el escocés con AC/DC, acompañado por los solos de guitarra de Mick Jurd, la guitarra slide de Sam See, los teclados de John Bisset y la harmónica de Uncle Joe Eyers, además de Howe al bajo y John Freeman a la batería. El repertorio del disco contenía regrabaciones de temas del primer álbum y canciones de sencillos anteriores, como la citada Seasons of Change. Bon se casaría por entonces con Irene Thornton, pero el éxito de Fraternity y su nuevo disco no fue el esperado, y tras cambiarse el nombre a Fang repetieron gira por Gran Bretaña en 1973, teloneando en una ocasión a Geordie, grupo en el que cantaba Brian Johnson, que curiosamente sería el encargado de sustituir a Scott en AC/DC tras su muerte. Las cosas seguían sin embargo sin funcionar y el grupo decidió tomarse un descanso. Bon se trasladó entonces a Adelaida, donde mientras se ganaba la vida como obrero de un almacén de fertilizantes entró a cantar con Vince Lovegrove y otros colegas en un nuevo grupo de country-rock llamado Mount Lofty Rangers. Junto al teclista y líder de la banda Peter Head compuso entonces varios temas: Been Up in the Hills Too Long, Clarissa y dos canciones que llegaron a grabar en maqueta aunque no salieron a la luz entonces: Carey Gully, una balada country con Peter Head al teclado y Round and Round, un rythm and blues en el que participaron John Freeman, Head, Phil Colson y dos coristas. Desgraciadamente, en esta época Bon tuvo un terrible accidente de moto cuando conducía completamente borracho y alterado tras una fuerte discusión con su mujer, y el susto casi le cuesta la vida y le hizo perder gran parte de su dentadura, que tuvo que suplir después con una postiza.

Fraternity (con Bon en el centro) flanqueado por sus discos Livestock y Flaming Galah

Una vez recuperado, Bon conoció por medio de su amigo Vince Lovegrove a los pequeños hermanos Malcolm (1953) y Angus Young (1955), otros dos escoceses de Glasgow emigrados a Australia con los que compartía gustos musicales e hizo muy buenas migas, a pesar de ser varios años mayor que ellos. Ambos eran guitarristas y habían fundado el grupo de rock AC/DC en noviembre de 1973 junto al cantante Dave Evans, el baterista Colin Burgess y el bajista Larry Van Kriedt. Scott comenzó a trabajar con ellos de conductor de la furgoneta del grupo y no tardó en ofrecerse como batería, pero sería gracias al apoyo de Michael Browning, propietario del Hard Rock Café de Melbourne y manager de AC/DC, que conseguiría convertirse en el nuevo cantante del grupo sustituyendo a Dave Evans (1953), el cual tenía un estilo más cercano al glam-rock de Gary Glitter que al blues-rock de Chuck Berry, The Rolling Stones, The Yardbirds, The Kinks o Free que tanto gustaba a los hermanos Young. Finalmente, Bon Scott debutó como miembro oficial de AC/DC en septiembre de 1974, aunque antes el grupo había publicado meses antes un sencillo de cierto éxito con Evans como cantante, que incluía las canciones Can I Sit Next to You y Girl y Rockin’ in the Parlour, si bien la primera sería posteriormente regrabada con la participación de Bon. Y tras las primeras actuaciones de AC/DC con su nuevo cantante, comenzaron en Sydney la grabación de su primer disco, High Voltage, que sería publicado en Australia en febrero de 1975 con el sello Albert Productions de los ya conocidos Harry Vanda y George Young, que desde la separación de The Easybeats en 1969 se metieron de lleno en el negocio musical. George Young se encargaría además de tocar el bajo, mientras Tony Currenti participó como batería. Los hermanos Young componían la mayoría de los temas, añadiendo después las letras de Bon Scott, en las que recreaba sin pudor sus aventuras sexuales, su vida pendenciera y rebelde y el duro camino de los artistas en el negocio del rock. En conjunto, High Voltage contenía una refrescante sesión de boogie-rock con espléndidos temas como Show Business, You Ain´t Got a Hold on Me y la acelerada versión del tema popularizado por los irlandeses Them Baby, Please Don´t Go, original del bluesman Big Joe Williams. Además, presentaban dos blues eléctricos magníficos que se amoldaban perfectamente al carisma interpretativo de Bon como eran Little Lover y Soul Stripper.

Portada original de High Voltage (1975)

En abril de 1975, AC/DC interpretaron Baby, Please Don´t Go en el programa de televisión australiano Molly Meldrum’s Countdown, apareciendo Bon vestido de mujer y montando el show con el frenético Angus Young. Bon ejercía ya de macarra por excelencia del rock australiano, cantando generalmente a pecho descubierto, mostrando sus llamativos tatuajes y con vaqueros ceñidísimos marcando paquete. El grupo actuaría a partir de entonces sin parar por todo el país y la peculiar voz e intensa interpretación de Bon Scott, perfectamente compenetrado con los potentes riffs de Malcolm Young y los epilépticos solos de Angus Young sobre el escenario con su famoso atuendo colegial causaron sensación creciente. A finales de 1975, AC/DC sacarían a la venta su segundo álbum, TNT, publicado en el mes de diciembre y en el que participaron ya los nuevos miembros permanentes del grupo, el baterista Phil Rudd (1954) y el bajista Mark Evans (1956), después de numerosos cambios en estos instrumentos en sólo un año. Este disco, que llegó a ventas de platino, incluía el legendario tema It’s a Long Way to the Top (If You Wanna Rock ‘n’ Roll), todo un himno en Australia, en el que Scott se permitió introducir y tocar la gaita escocesa acompañando los míticos riffs y solos guitarreros de los Young. En febrero del año siguiente se grabó un curioso videoclip con el grupo interpretando la canción junto a miembros de la banda de gaitas Rats of Tobruk subidos todos en el trailer de un camión mientras circulaba por las calles de Melbourne ante la atónita mirada de los viandantes. TNT fue un disco con un sonido más rockero que el anterior, con aguerridos temas como Rocker, Rock and Roll Singer, Can I Sit Nex to You, Girl, TNT o Live Wire. Además, una versión del School Days de Chuck Berry y el mítico tema The Jack, que Bon interpretaba con una magia y carga sexual inigualable.

Portada original de T.N.T. (1975)

 

En vista del potencial comercial del grupo, el poderoso sello Atlantic Records les firmaría un contrato para la difusión de sus temas fuera de Australia, y tras dejar perfilados los temas de su siguiente álbum, AC/DC viajaron en el mes de abril de 1976 a Londres para darse a conocer en Gran Bretaña y Europa. En Londres epataron a la audiencia con su rock salvaje y seguidamente recorrieron el país de gira con los Back Street Crawlers del ex-guitarrista de Free Paul Kossof, a los que se comieron con patatas con su frenético boogie-rock. Curiosamente, poco antes de salir para Europa, Malcolm Young, líder de la banda desde sus inicios, se había planteado despedir a Bon, al no estar convencido de que fuera el cantante ideal y había pensado en Brian Campbell para sustituirlo, pero luego se arrepintió durante la gira, pues Bon le demostró que su impresionante carisma era el espíritu y baza fundamental del éxito del grupo. Su autenticidad rockera contrastaba además en aquella época con las poses amaneradas de las grandes estrellas de los grupos de moda, lo que les ganó mucha popularidad entre el público punk británico. Convencidos totalmente por el grupo, Atlantic sacó a la venta en mayo de 1976 un disco que contenía una selección de canciones de los dos primeros álbumes de AC/DC publicados en Australia, repitiendo el título de High Voltage, aunque incluía sólo dos temas del disco original: She´s Got Balls y Little Lover. Este error fue corregido en parte en 1984 al incluirse algunos de los temas descartados de ambos álbumes en el recopilatorio ´74 Jailbreak, si bien siguieron quedándose fuera Stick Around y Love Song de High Voltage y School Days de TNT. Las ventas se dispararon inmediatamente y AC/DC fueron contratados como banda residente del mítico Marquee y participaron en el festival de Reading, donde ya se convirtió en costumbre el que Bon subiera en hombros al pequeño Angus en un momento álgido de su concierto (y eso que Bon tampoco era precisamente alto).

Portada de la edición internacional de High Voltage (1976) y Bon con Angus a hombros

En el verano de 1976, AC/DC concluyó la grabación de su tercer álbum, Dirty Deeds Done Dirt Cheap, que saldría en Australia en el mes de septiembre, afirmando ya desde entonces la colaboración compositiva entre los hermanos Young (música) y Bon Scott (letra). Continuando la línea rockera del anterior registro, aunque con letras incluso más polémicas que acentuaban la rebeldía del grupo, se encuentran, junto a temas más convencionales, nuevos clásicos como el tema que da título al disco, Problem Child, en el que Bon revivía su problemática juventud, Squealer, otra historia con fuerte carga sexual, y Jailbreak, que narraba una fuga carcelaria y de la que se grabó también un videoclip para el programa Molly Meldrum’s Countdown. Jailbreak salió además como primer sencillo, con Fling Thing en la cara B, un tema instrumental basado en una canción escocesa en el que Bon vuelve a tocar la gaita. Otra joya es sin duda la balada Ride On, interpretada con tremendo sentimiento por el cantante. AC/DC volvieron a Europa tras el verano, siendo invitados a telonear a los Rainbow de Richie Blackmore. La versión internacional de Dirty Deeds Done Dirt Cheap fue publicada con diferente portada por Atlantic en diciembre de 1976 y sustituyendo los temas RIP (Rest in Peace) y Jailbreak (también incluida en el recopilatorio ´74 Jailbreak) se incluyeron Rocker, que ya había aprecido en el disco TNT, y Love at First Feel, que había sido publicada en Australia en disco sencillo. Atlantic se llegó a plantear en esta época el despido de Bon Scott por sus crecientes excesos con el alcohol y vida pendenciera, pero afortunadamente todo quedó en un amago.

 

Portadas de las ediciones australiana y europea de Dirty Deeds Done Dirt Cheap (1976)

En los primeros meses de 1977 AC/DC grabaron las canciones del que sería una de las obras fundamentales del rock duro de la década de los 70: Let There Be Rock, publicado en Australia en marzo y que fue presentada en Gran Bretaña en una larga gira en la que compartieron cartel con Black Sabbath. La edición internacional salió en junio de ese año, de nuevo con portada diferente, alcanzando el puesto 20 en las listas británicas, y en esta época el bajista Mark Evans decidió abandonar la banda por sus desavenencias con Angus Young. En Let There Be Rock, los hermanos Young endurecieron y saturaron aún más sus guitarras, para dar una vuelta de tuerca más en el contundente Let There Be Rock, en el que Bon Scott ofreció toda una exhibición de su talento y carisma en la interpretación, inmortalizado poco después en un famoso videoclip grabado en julio en una iglesia de Perth, en el que el cantante aparecía vestido de sacerdote utilizando los primeros versos del libro del Génesis de la Biblia para anunciar la creación del rock and roll a la parroquia, con el resto del grupo ejerciendo de monaguillos. Entre ellos se encontraba ya el nuevo bajista, el inglés Cliff Williams (1949). En la cara B del disco original se incluían otros dos temas inmortales de la historia de la banda: Hell Ain´t a Bad Place to Be, en la que Bon manifestaba irónicamente su preferencia por vivir en el pecado que en la hipócrita sociedad puritana, y Whole Lotta Rosie, que narra una apoteósica relación sexual de Bon con una mujer gruesa. En la edición internacional se sustituiría el poco educativo tema Crabsody in Blue, que trataba sobre un problema de ladillas, por una versión algo recortada de Problem Child, que ya había aparecido en en álbum anterior. Una vez con el público europeo en el bolsillo, el siguiente objetivo fue Estados Unidos, país que recorrieron en 1977 por primera vez, teloneando a grupos como Dictators, Rush o Kiss. La crítica anglosajona les situaba entonces a medio camino entre el movimiento punk y grupos de rock duro como Thin Lizzy, UFO, Judas Priest o Scorpions, al tiempo que como inspiradores de los nuevos grupos británicos de heavy metal como Iron Maiden o Saxon. En diciembre de 1977, grabaron en los estudios Atlantic de Nueva York, ante un público reducido, un memorable directo titulado Live from the Atlantic Studios, que desgraciadamente no vería la luz hasta veinte años después en la caja de discos Bonfire.

Portadas de las ediciones australiana y europea de Let There Be Rock (1977)

 

Tras triunfar en Estados Unidos, AC/DC concluyeron su quinto álbum, Powerage, publicado en mayo de 1978. Powerage continuaba la línea de rock and roll directo y sencillo con guitarras saturadas del anterior, aunque sin temas que despuntaran especialmente, saliendo únicamente en sencillo el tema Rock and Roll Damnation. En cualquier caso, el repertorio global era bastante bueno, y contenía algunos temas espectaculares, entre los que destaca sin duda Riff Raff, una contundente descarga guitarrera de los hermanos Young con Bon desgañitándose como nunca en la interpretación. Ese año, Bon se divorció de su mujer, de la que llevaba ya un tiempo separado. Powerage supuso el puesto más elevado alcanzado por la banda en las listas musicales (el nº 32) y se publicaron dos vinilos con mezclas distintas, la primera para el mercado europeo (en la que se incluyó además el tema Cold Hearted Man) y la segunda para el americano y australiano, aunque por primera vez con la misma portada. Las giras de promoción se sucedieron por Gran Bretaña y Estados Unidos, acompañando a los más grandes grupos de rock duro de la época, y durante su paso por la ciudad escocesa de Glasgow, patria chica de los hermanos Young, se grabaría la actuación en el Apollo Theater para el primer álbum en directo del grupo, If You Want Blood, You´ve Got It, que salió a la venta en noviembre de ese mismo año. Bon Scott también mostró su orgullo escocés en varias ocasiones, saliendo al escenario con el tradicional kilt escocés, y seguía yéndose de juerga por los bares locales como si fuera un ciudadano más. Este directo, aunque fue un nuevo éxito de ventas, sería el último álbum producido por el tándem Vanda-Young. Atlantic les quiso sustituir en esta labor por el reputado productor Eddie Kramer, que había trabajado con Led Zeppelin, Hendrix y Kiss, pero tras las primeras sesiones de grabación para un nuevo álbum celebradas en Sidney a principios de 1979, los miembros de AC/DC no quedaron convencidos y se decidieron por el productor Robert Mutt Lange, cuya única relación con la música rock había sido en un disco de Thin Lizzy, pero que vino recomendado por el manager Michael Browning. Curiosamente, Browning sería también despedido poco después, siendo reemplazado por Peter Mensch, ejecutivo que había triunfado con Aerosmith y Scorpions.

Portadas de Powerage (1978) y el directo If You Want Blood You´ve Got It (1978)

Finalmente, las grabaciones del nuevo álbum se realizaron para Atlantic en los estudios Criteria de Miami (Florida) y Roundhouse de Londres entre febrero y abril, publicándose en julio de 1979 Highway to Hell, otra de las obras maestras de la banda y el testamento discográfico de Bon Scott, que fallecería a principios del año siguiente. Mutt Lange hizo un trabajo espléndido de producción, extrayendo la más pura esencia del rock de AC/DC. En Australia, Highway to Hell se publicó con una portada algo diferente, con los miembros del grupo entre llamas, y las referencias infernales del título y el que Angus apareciese con cuernos demoniacos levantaron toda clase de absurdas teorías sobre la relación del grupo con el satanismo. El tema que daba título al disco llegó al número 2 de las listas, pasando a la historia como uno de los más reconocibles himnos rockeros, aunque todo el repertorio es magnífico de principio a fin, con un espectacular comienzo con Highway to Hell, Girls Got Rhythm, Walk All Over You, Touch Too Much y la brutal Beating Around the Bush. En la segunda cara, dos temas más lentos, pero llenos de la energía interpretativa de Bon Scott: Love Hungry Man y Night Prowler. Highway to Hell llegó al puesto 17 de las listas americanas y conllevó como era de esperar nuevas giras por Europa y Estados Unidos durante todo el resto del año. En Gran Bretaña, AC/DC llegaron a telonear en el mítico estadio de Wembley a una de sus bandas favoritas: The Who. A principios de 1980, el grupo pasó por España para grabar para el programa de televisión Aplauso y el 27 de enero se produjo la última actuación de Bon Scott antes de su trágica muerte. Tras una noche de excesos con el alcohol y las drogas en clubs de Londres y en circunstancias no completamente aclaradas, Bon Scott se ahogó según el informe forense en su propio vómito cuando dormía la mona en el coche de un amigo. El cantante fallecía a los 33 años y su cuerpo fue repatriado a Australia, donde fue incinerado y sus cenizas enterradas en el cementerio de Fremantle, localidad en la que el admirado cantante había pasado su infancia. El impacto de la muerte de Bon hizo sopesar a los hermanos Young la decisión de disolver la banda, pero enseguida decidieron continuar, iniciando un proceso de selección de nuevo cantante que acabó en el mes de abril con la contratación del inglés de Newcastle Brian Johnson, ex-miembro de Geordie, del que el propio Bon había hablado bien en alguna ocasión. Johnson participaría así en la grabación del histórico álbum de homenaje a Bon Scott Back in Black, publicado en julio de 1980 y que vendería millones de discos en todo el mundo. Se dice en cualquier caso que las letras del repertorio de Back in Black ya estaban escritas por Bon Scott.

Portadas de las ediciones australiana y europea de Highway to Hell (1979)

Aunque la banda continuó hasta nuestros días obteniendo grandes éxitos de venta y llenos absolutos en sus conciertos, Bon Scott sería venerado siempre por los amantes del rock y considerado uno de los grandes intérpretes de la historia del género. De hecho, la revista Classic Rock le elegiría en 2004 como el mejor frontman del rock, por delante de Freddy Mercury y Robert Plant. Y este mismo año de 2008 se erigió en el puerto de la ciudad australiana de Perth una estatua de bronce en su honor. AC/DC publicó en 1997 la caja de 5 cedés Bonfire, que incluía demos de canciones de los años 70 y actuaciones en directo de Bon Scott con el grupo, entre ellas el ya citado Live from the Atlantic Studios de 1977 y Let There Be Rock: The Movie, banda sonora de un documental grabado en París en 1979 que llegó a estrenarse en Francia y a publicarse en video VHS. Pero la más celebrada joya en honor de Bon Scott fue el doble DVD Family Jewels, que contiene los videoclips grabados por la banda para la televisión australiana y actuaciones en directo en los años 70. Un espléndido material para seguir disfrutando de uno de los cantantes más auténticos del rock y una persona recordada por todos sus colegas, al margen de sus excesos, como un tipo simpático, entrañable y buen amigo.

AC/DC tocando It´s a Long Way to the Top (If You Wanna Rock and Roll) por las calles de Melbourne

 

JOE COCKER WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS

 

 

El cantante inglés Joe Cocker fue uno de los grandes triunfadores del mítico Festival de Woodstock de 1969, sólo un año después de salir de su ciudad natal de Sheffield y apenas dos meses después de haberse publicado su espléndido álbum de debut, With a Little Help From My Friends. Su poderosa garganta y una interpretación intensa y emotiva le convirtieron en poco tiempo en una leyenda del rock, catapultada sobre todo gracias a su magistral versión de la canción de The Beatles que daba título a su presentación discográfica.

 

John Robert Cocker nació en mayo de 1944 en Sheffield, ciudad industrial del norte de Inglaterra (Reino Unido). A los diecisiete años comenzó a trabajar como técnico de instalaciones de gas de la compañía East Midlands Gas Board, aunque por las noches se curtía como cantante en pubs de mala muerte de su ciudad, mostrando ya desde joven un talento natural para el soul, con especial predilección por el arte del maestro Ray Charles. Sus primeros pasos musicales habían sido sin embargo tocando la batería y la armónica en el grupo de skiffle The Cavaliers un par de años antes. Pero consciente de sus condiciones como vocalista, tomó entonces el nombre artístico de Vance Arnold y vestido con traje y corbata y acompañado del grupo The Avengers, comenzó su carrera como cantante, llegando a telonear con gran éxito nada menos que a The Rolling Stones en su paso por Sheffield en 1963. Gracias a su creciente prestigio en la ciudad, el sello Decca le ofreció al año siguiente un contrato para grabar un sencillo, y tras dejar temporalmente la compañía de gas en la que todavía trabajaba, registró con músicos de sesión una versión de la canción de The Beatles I´ll Cry Instead. Lamentablemente, el sencillo fue un fracaso comercial, lo que motivó que Decca desechara la idea de extender el contrato con Cocker. El cantante reunió entonces una nueva banda, a la que bautizó como Joe Cocker Big Blues, y con ella giró por el norte de Inglaterra, para más tarde pasar a Francia, donde actuó en bases americanas interpretando principalmente sus habituales versiones de clásicos del soul. Pero al regresar a Sheffield, la banda se disolvió y Cocker regresó desilusionado a su trabajo en la compañía de gas. Afortunadamente, en 1966 conoce al que será su más fiel colaborador musical a partir de entonces, Chris Stainton (1944), y junto a él comienza a componer sus primeras canciones y forma la que será su banda crucial: The Grease Band.  Pronto graban algunas maquetas y consiguen llamar la atención de Denny Cordell, productor de Moody Blues y Procol Harum, que les proporcionará actuaciones como grupo residente en el famoso local de Londres The Marquee.

 

 

Joe Cocker en su papel de Vance Arnold y con The Joe Cocker Big Blues Band

 

 

 

Cocker y algunos de los miembros de su grupo se instalaron entonces en la capital británica a finales de 1967, y a lo largo de 1968 registrarían las canciones de su álbum de debut para el sello A&M, con la producción de Cordell y la ayuda del entonces ingeniero de sonido Tony Visconti, después productor de David Bowie y T-Rex. Aunque hubo muchos cambios en este tiempo, la banda de Cocker que participó en las grabaciones estaba formada por Chris Stainton al bajo (y en ocasiones al piano), el joven Tommy Eyre (1949) al piano y órgano, Kelly Slade a la batería y Henry McCullough (1943) a la guitarra. Pero para reforzar el sonido de las canciones, Cordell consiguió los servicios de músicos de gran renombre, como los teclistas Steve Winwood de Traffic y Mattew Fisher de Procol Harum y los guitarristas Albert Lee y Jimmy Page (entonces a punto de crear Led Zeppelin), que colaboran en la mayoría de las canciones. En la batería se alternaron Clem Cattini, Mike Kellie y B.J.Wilson, dejando a Kelly Slade intervenir en un sólo tema. En algunas primeras pruebas de las canciones que fueron descartadas participaron también nada menos que el teclista Al Kooper y el baterista Ansley Dunbar. Por último, la poderosa voz de Cocker fue enriquecida a los coros por las eminentes Madeleine Bell, las hermanas Su y Sunny Weetman y Rosetta Hightower.

En cualquier caso, los dos primeros sencillos del futuro disco que salieron a la venta fueron grabados por Cocker junto a Cattini a la batería, Stainton al bajo y Lee y Page a las guitarras. El primer de ellos, que contenía las canciones de Cocker y Stainton Marjorine y The New Age of Lily, no consiguió calar del todo entre el público, aunque el segundo sí resultaría un auténtico bombazo, con la conocida versión de With a Little Help From My Friends de The Beatles, que llegaría al número 1 de las listas británicas. La práctica totalidad de las canciones se grabaron en los estudios Olympic y Trident de Londres, excepto el tema Feelin´Alright, que fue grabado por Joe Cocker en los estudios de A&M en Los Angeles (California) con músicos americanos de estudio, después de que el cantante quedara prendado de la canción del grupo Traffic en su breve visita a Estados Unidos en septiembre de 1968. Mientras trabajaban en el repertorio de su álbum, Joe Cocker y su banda actuaron en numerosos locales londinenses y en festivales veraniegos por toda Gran Bretaña.

 

Portada del álbum With a Little Help From My Friends

 

El debut discográfico del vocalista inglés fue publicado finalmente en abril de 1969, conteniendo sólo tres canciones firmadas por el cantante y siete versiones, que serían las que darían fama al cantante en este registro y en otros posteriores. El álbum se tituló With a Little Help From my Friends, aprovechando el éxito de esta canción en noviembre del año anterior, aunque el tema que abre el repertorio es otra fantástica versión ya mencionada, Feeling Alright de Traffic, que deja en pañales a la original con su memorable entrada a ritmo latino con la percusión de Laudir y el piano de Artie Butler dando paso a la prodigiosa voz de Cocker, que se deja el alma como siempre, acompañado de los coros de Brenda y Pattie Holloway y Merry Clayton. Cocker demuestra ser un alumno aventajado de Ray Charles en la siguiente canción, Bye Bye Blackbird, que cuenta con un reconocible solo de guitarra de Jimmy Page. Los dos siguientes cortes son dos temas compuestos por Cocker y Stainton, la preciosa Change in Louise y la canción elegida como primer sencillo, Marjorine, quizás el único tema con un estilo más cercano al pop británico de la época liderado por The Beatles. Después llega la primera versión de Bob Dylan, la balada Just Like a Woman, marcada por el reconocible órgano de Matthew Fisher de Procol Harum. Steve Winwood toma el relevo al órgano en el siguiente tema lento, Do I Still Figure in Your Life. Tras un nuevo tema del tándem Cocker/Stainton, la excelente Sandpaper Cadillac, que contiene un magnífico arreglo instrumental de Cattini a la batería, Stainton al bajo, piano y órgano y la guitarra distorsionada de Jimmy Page, se concluye el álbum con tres versiones. La primera es Don´t Let Me Be Misunderstood, tema publicado por Nina Simone en 1964, pero que popularizaron en Gran Bretaña The Animals un año después. Este fue el único tema grabado por Cocker con su formación acompañante Grease Band al completo, luciéndose el joven prodigio de los teclados Tommy Eyre. Acto seguido llega por fin la impresionante versión de With a Little Help From my Friends, canción de Lennon y McCartney cantada por Ringo Starr en el disco Sgt.Pepper´s Lonely Hearts Club Band. La guitarra de Page introduce la memorable interpretación de Cocker, apoyada por los coros de Bell, Weetman y Hightower, que alcanza momentos de enorme intensidad y emoción, coronados por la desgarradores aullidos del prodigioso cantante al final del tema. El último corte es la versión de I Shall Be Released de Bob Dylan, que nos devuelve la calma con una interpretación más contenida, pero siempre emocionante, con el órgano  de Steve Winwood y la guitarra de Henry McCullough poniendo un precioso fondo a la voz de Cocker.

 

Tras la publicación de  With A Little Help From My Friends, Joe Cocker y su banda viajaron de gira a Estados Unidos. Aunque su famosa canción no había conseguido a este lado del Atlántico el éxito de Gran Bretaña, pronto la intensa interpretación del cantante inglés se ganaría el favor del público, sobre todo tras su aparición en el popularísimo show televisivo de Ed Sullivan. También se pudo ver a Cocker cantando a dúo con Tom Jones en el programa This is Tom Jones. Aunque la ruda presencia física del inglés, su desaliñada indumentario y sus extraños y epilépticos movimientos al cantar distaban del divismo y amaneramiento de las estrellas rockeras de la época, su honestidad en cada una de sus interpretaciones, con el desgarro propio de los grandes del soul (o el de los cantaores flamencos al estilo Camarón), le valieron la admiración del público norteamericano. Y tras sus actuaciones en en locales míticos como Whiskey a Go Go o The Fillmore East y West, llegó su consagración definitiva con su participación en el Festival de Woodstock en agosto de 1969, interpretando cinco temas, entre ellos su memorable With A Little Help From My Friends, uno de los grandes momentos del documental del evento. En esta película se puede apreciar además uno de los tics más característicos de la interpretación en vivo de Cocker, que solía hacer como si tocara la guitarra mientras cantaba, lo que se conoce ahora como air guitar.

 

 

Joe Cocker en su memorable actuación en Woodstock

 

Durante su gira por Estados Unidos, Cocker conoció al músico de sesión Leon Russell (1942), que produciría junto con Denny Cordell el segundo álbum del cantante británico, Joe Cocker!, publicado ese mismo año, en el mes de noviembre, de nuevo con el sello A&M. Russell, que había colaborado con Eric Clapton en Delaney, Bonnie and Friends, compuso Delta Lady para Cocker, tema que alcanzó el número 10 en Gran Bretaña en el mes de septiembre, mientras comenzó por otra parte a reunir un impresionante plantel de músicos con el que realizar una nueva y grandiosa gira por Estados Unidos junto al británico para el año siguiente. En el álbum Joe Cocker! se explotó de nuevo la capacidad de Cocker para revisar canciones de otros artistas, presentando siete versiones de los once cortes del repertorio. En esta ocasión, dos nuevas y brillantes versiones de The Beatles, Something y She Came In Through the Bathroom Window (más una tercera, Let it Be, que quedó fuera, pero fue rescatada en la reedición en cedé), además de revisiones de grandes cantautores de la época como Leonard Cohen, Bob Dylan y John Sebastian. Cocker y Stainton sólo aportan el tema That´s Your Business Now, mientras Russell firma, además de Delta Lady, el tema Hello Little Friend. Para la anunciada y grandiosa gira por Estados Unidos los miembros de Grease Band fueron despedidos, quedando sólo Chris Stainton junto a Cocker, pues era su principal aliado musical y colaborador en la composición, aunque en los conciertos actuaría como teclista, siendo el nuevo bajista Carl Radle. La anunciada gira se bautizó como “Mad Dogs and Englishmen”, y junto a Cocker, Stainton y Russell, que actuaba de director musical, pianista y guitarrista, participaron nada menos que tres bateristas, dos percusionistas, la sección de vientos con el trompetista Jim Price y el saxofonista Bobby Keys (después colaboradores de The Rolling Stones), el guitarrista rítmico Don Preston y un grupo impresionante de coristas, encabezado por Rita Coolidge. La gira recorrió todo Estados Unidos, de este a oeste, actuando en 48 ciudades en apenas dos meses, con un espectacular show que mezclaba el rock y el soul. Joe Cocker acabó absolutamente exhausto de la terrible exigencia artística y hastiado al mismo tiempo del negocio musical, pues la gira se convirtió al final en un infierno por su enfrentamiento personal con Russell. La gira fue en cualquier caso filmada en video, y en el mes de agosto se publicó un disco doble en vivo que recogía actuaciones en el Fillmore East de Nueva York y un video documental sobre la gira, ambos titulados Mad Dogs and Englishmen. Antes, Cocker se había metido por fin en el top-ten americano (nº7), con su versión de The Letter. El álbum sería número 2 en Estados Unidos y llegaría a disco de platino, como los dos anteriores, elevando al inglés al olimpo de la música rock.

 

 

Los dos siguientes álbumes: Joe Cocker! (1969) y Mad Dogs and Englishmen (1970)

 

Los siguientes años supondrán el comienzo de una nueva etapa para Cocker, que quiso volver a disfrutar de la música, aunque sufrió en esta época sus peores excesos con el alcohol. Tras un nuevo álbum compuesto íntegramente por las canciones que compondría junto a su amigo Chris Stainton Something to Say (1972), iniciaría una etapa con muchos altibajos, hasta que consiguió a partir de los años 80 varios éxitos comerciales de gran repercusión, pero sobre todo, el reconocimiento del mundo musical a uno de los más grandes vocalistas de la historia del rock.

Aquí tenéis a Joe Cocker y The Grease Band en una de las primeras interpretaciones en televisión de With a Little Help From My Friends

STEVIE RAY VAUGHAN

El guitarrista tejano Stevie Ray Vaughan (1954-1990) fue la gran sensación del blues eléctrico de la década de los 80. De su portentosa Fender Stratocaster del 59 extraía las esencias de los grandes guitarristas negros de blues y la fiereza y virtuosismo de su ídolo Jimi Hendrix, aunque mostró también unas excelentes dotes para los instrumentales jazzísticos, sobre todo en sus brillantes composiciones propias. Con sólo cuatro discos de estudio, su prematura muerte a los 35 años le convirtió en toda una leyenda de la música tejana y blues de todos los tiempos.

 

Stephen Ray Vaughan nació en la ciudad tejana de Dallas el 3 de octubre de 1954. Con siete años recibió como regalo una pequeña guitarra de juguete, aunque dos años después consigue su primera guitarra eléctrica, cuyo aprendizaje iniciará con algunas enseñanzas de su hermano mayor Jimmie Vaughan (1951), al que le unirá una especial relación personal y artística que llegará como veremos hasta los últimos días de su vida. Con él se empapó del blues, rock&roll, country, surf y soul americano de la época, siendo su primera gran influencia instrumental el músico de Indiana Lonnie Mack (1941), uno de los pioneros de la guitarra solista cuyo tema Wham! Stevie escucharía hasta la saciedad con apenas diez años. A partir de entonces, su única obsesión era practicar sin descanso la técnica de la guitarra imitando los solos y recursos de los grandes guitarristas de blues negros de la época como Jimmy Reed, Freddie King, Otis Rush, Albert Collins, B.B.King, Hubert Sumlin, Guitar Slim, Matt Guitar Murphy, Albert King o Buddy Guy. Además de los bluesmen tejanos y americanos, Stevie quedará fascinado durante su adolescencia con el virtuosismo de Jimi Hendrix, quien se convertirá en la máxima referencia de su carrera. Ya desde los 13 años, Stevie comienza a actuar de manera amateur en bandas escolares y a alternar a su corta edad con los músicos locales de blues en algunos clubes de Dallas. Su primera banda seria fue Blackbirds, formada en el verano de 1970, y a principios de 1971 aparecen dos de sus primeras composiciones en una grabación de bandas escolares titulado A New Hi. Pero a finales de ese año, Stevie decide abandonar los estudios en el instituto y trasladarse con su banda Blackbirds a la vecina Austin para dedicarse de lleno a la música. Aunque deberá trabajar un tiempo como lavaplatos, en Austin recibirá el apoyo de su hermano Jimmie, ya por entonces un guitarrista de blues con cierto nombre en la ciudad, quien le introducirá siendo todavía un chaval en los círculos y clubes del blues de Austin. Gracias a su recomendación, y tras un breve paso por el grupo Krackerjack, Stevie será invitado en 1973 a unirse a The Nightcrawlers, con los que incluso llegó a grabar varias canciones en Hollywood para un frustrado disco para el sello A&M, que fue por fin editado en 2006 como Jack Benno and the Nightcrawlers featuring Stevie Ray Vaughan. En este grupo, Stevie coincidió con el batería y cantante Doyle Bramhall (1949), excompañero de Jimmie Vaughan en grupos anteriores, que será una gran influencia para Stevie en su forma de cantar y se convertirá en su colaborador en años siguientes en la composición de varios de sus temas.

 

El disco sencillo de SRV con Paul Ray and the Cobras

 

A finales de 1974, Stevie se unirá a Paul Ray and the Cobras, otros colegas de Jimmie con los que grabará un sencillo en 1975, al que seguirán otros dos posteriormente con el nombre reformado de The Cobras. Pronto, su regular actuación en bares y clubes en Austin despertarán la curiosidad y admiración de los aficionados e incluso de alguna estrella local consagrada como el gran guitarrista albino Johnny Winter. En 1974, Stevie había adquirido en Austin su famosa y desgastada guitarra Fender Stratocaster de 1959, a la que solía llamar “Number One” o “First Wife”, que le acompañará a partir de entonces durante toda su carrera, aunque años después utilizaría otras Fender, todas ellas con unas gruesas cuerdas de acero que daban el particular y potente sonido de su toque. En el año 1977, Stevie abandona The Cobras y forma el grupo Triple Threat Revue junto al cantante y bajista W.C.Clark (1939), considerado el padre del blues de Austin, el teclista Mike Kindred, el batería Fred Pharoah Walden y la cantante Lou Ann Barton. Pero en 1978, Clark y Walden dejan el grupo, siendo sustituidos por Jackie Newhouse y Chris Whipper Layton (1955), respectivamente. Stevie rebautiza entonces la banda como Double Trouble, en honor al mítico tema del bluesman Otis Rush (1934), y con esta formación se traslada a Nashville para grabar un álbum en los estudios Jack Clemont´s Belmont Studios, alternando Stevie la función de vocalista con Lou Ann Barton. El resultado no satisfizo al grupo, con lo que se rechazó la idea de publicar las grabaciones, entre las cuales se encontraban algunas que serán conocidas años después, como Rude Mood, Pride and Joy o Love Struck Baby. En 1979, Stevie se casa con Leonora Gaines y al año siguiente Lou Ann Barton abandona su colaboración con el guitarrista para unirse a Roomful of Blues. A partir de entonces, Stevie asume por completo las labores de cantante, con esa peculiar voz aguardentosa castigada por el alcohol y el tabaco que recuerda al gran Howlin´Wolf, pero será sobre todo su portentoso virtuosismo con la guitarra y sus primeras composiciones y arreglos los que empiecen a llamar la atención del público y a cimentar la escalada hacia el éxito del virtuoso tejano junto a Double Trouble. Prueba de ello es la actuación retransmitida por la emisora de Austin KLBJ-FM  en abril de 1980 y que fue publicada en disco en 1992 con el título de In the Beginning (Epic). Todavía en esta época el guitarrista era conocido simplemente como Stevie Vaughan, sin su segundo nombre, pero en este registro en vivo aparecen, junto a potentes versiones de clásicos del blues como In the Open o All Your Love I Miss Loving, nuevas canciones de Stevie como Slide Thing, They Call Me Guitar Hurricane o Live Another Day. Además, una versión del tema de Robert Geddins Tin Pan Alley que pone los pelos de punta mostraría todo el potencial de este guitarrista tejano que, incomprensiblemente, aún tardaría un par de años en tener su ocasión discográfica. Su hermano Jimmie sí triunfaría mientras tanto en estos años con su grupo The Fabulous Thunderbirds, aunque su estilo de blues era mucho más ligero que el de Stevie. En 1981, Newhouse es reemplazado al bajo en Double Trouble por Tommy Shannon (1946), que había tocado en el grupo de Johnny Winter algún tiempo (debutando nada menos que en el Festival de Woodstock), hasta que sufrió severos problemas con las drogas que le mantuvieron apartado algún tiempo de la música.

 

La grabación de 1980 In the Beginning (1992) y Stevie con los definitivos Double Trouble

 

Al año siguiente, SRV y Double Trouble son invitados por Mick Jagger a tocar en una fiesta privada de los Rolling Stones, y acto seguido, el manager de Atlantic Jerry Wexler les consigue su participación en el Festival de Jazz de Montreux (Suiza) de 1982, aunque su demasiado eléctrica revisión del blues clásico no fue comprendido por el público asistente. Pero al menos su actuación sirvió para atraer la atención de figuras de la música como Jackson Browne (1948) y David Bowie (1947), que darán a Stevie y Double Trouble sus primeras oportunidades discográficas. Así, Stevie Ray Vaughan es contratado por Bowie para tocar la guitarra en el disco superventas Let´s Dance, publicado en abril de 1983, dejando su impronta el tejano en temas de enorme difusión como China Girl, Modern Love o Let´s Dance. Stevie decidió sin embargo no acompañar a Bowie durante su gira mundial para centrarse en la edición de su primer álbum con Double Trouble, que incluía las canciones grabadas entre octubre y noviembre de 1982 en el estudio de Jackson Browne en Los Angeles. Stevie había dejado impresionado también al veterano productor John Hammond Jr. (1910-1987), descubridor de Billie Holliday, Bob Dylan y Bruce Springsteen, quien se encargó de conseguirles un contrato con el sello Epic. Y por fin, en junio de 1983 saldría a la venta el debut discográfico de SRV y Double Trouble, Texas Flood, que fue un completo éxito desde el primer momento. En pocos meses, despachó medio millón de copias, alcanzó el número 38 de la revista Billboard (algo insólito para un disco de blues) y llegó a ser nominado a los premios Grammy, revitalizando el viejo blues con un boogie eléctrico lleno de la energía y sentimiento que Stevie ponía en cada una de sus interpretaciones, tanto a la hora de cantar como a la de tocar la guitarra. El álbum se abre con dos composiciones del guitarrista, las ya conocidas Love Struck Baby y Pride and Joy, que preceden a la mítica versión de Texas Flood, en la que Stevie muestra toda la fuerza de su guitarra, alimentada por lo mejor de los guitarristas negros de blues y del blues-rock de su ídolo Jimi Hendrix. Tras la versión de Tell Me de Howlin´Wolf, llega la extraordinaria parte instrumental, con Testify (una acelerada versión “a lo Hendrix” del tema de Isley Brothers que en los créditos se confundió con la de G.Clinton y D.Taylor para el grupo Parliament) y Rude Mood, toda una demostración de virtuosismo que recibió una nominación al Grammy a la mejor interpretación de rock instrumental (el premio se lo llevó Brimstone and Treacle de Sting). A continuación, llega la versión de Mary Had a Little Lamb de su adorado Buddy Guy, seguida de tres nuevas composiciones de Stevie: la emocionante Dirty Pool, compuesta junto a Doyle Bramhall y marcada por un trémolo impagable al estilo Lonnie Mack, el blues clásico de I´m Cryin´y la preciosa balada instrumental Lenny, dedicada a su mujer Leonora e interpretada con otra de las legendarias guitarras Fender Stratocaster de SRV, a la que bautizó como “Lenny”, pues se la había regalado su mujer el día de su veintidós cumpleaños.

 

El primer álbum: Texas Flood (1983)

 

Stevie ganaría con Texas Flood tres premios Guitar Player (“Mejor nuevo talento”, “Mejor álbum de blues” y “Mejor guitarrista de blues eléctrico”), algo que sólo había conseguido anteriormente Jeff Beck, y sus portentosas actuaciones en directo con sus botas y sombrero de cowboy y sus exhibiciones al estilo de Hendrix tocando la guitarra por detrás de la espalda o sobre el hombro como un violín le convirtieron en el orgullo de Tejas, con permiso de otros paisanos maestros de la guitarra como Johnny Winter o Billy Gibbons, este último amigo suyo. De su admirado Hendrix también copiaría algunos adornos en la vestimenta, como las plumas en el sombrero, la bandolera de su guitarra, los collares y anillos o las camisas y chaquetas hippies. Después de aparecer en el show televisivo Austin City Limits, en diciembre de 1983 Stevie tendría el privilegio de grabar un especial para el canal de televisión independiente CHCH de la pequeña localidad canadiense de Hamilton, actuando mano a mano junto a su ídolo de la infancia Albert King (1923), con el que ya había tocado en 1973 en un club de Austin. Una selección de temas de este entrañable y delicioso encuentro entre el veterano maestro y su discípulo aventajado fue publicado por el sello Stax en el año 1999 con el título de In Session. En esta ocasión, Stevie templaría su habitual despliegue pirotécnico para acompañar a King en sus mejores temas en lo que fue una sesión de puro blues americano. Durante el año 1983, el guitarrista tejano había colaborado además en discos de Johnny Copeland (Texas Twister) y Marcia Ball (Soulful Dress). En enero de 1984, SRV y Double Trouble grabaron su segundo álbum, Couldn´t Stand the Weather, que saldría a la venta en el mes de mayo. Un nuevo éxito y una nueva descarga eléctrica de blues guitarrero con algunos toques soul y jazzísticos que lanzaría definitivamente a Stevie al estrellato absoluto en los Estados Unidos. El sonido de este nuevo álbum se presenta con el breve instrumental Scuttle Buttin´, una revisión de Chicken Pickin de Lonnie Mack, que da paso a los temas Couldn´t Stand the Weather y The Things That I Used to Do de Guitar Slim, en los que interviene Jimmie Vaughan como segunda guitarra. Pero el climax llega cuando Stevie se atreve nada menos que con una versión de Voodoo Chile (Slight Return) de Jimi Hendrix, que ya solía tocar en directo, demostrando su extraordinario virtuosismo con la guitarra. Su interpretación de este tema sería nominada al premio Grammy. Las revisiones continúan con el shuffle de Cold Shot, compuesto por W.C.Clark y Mike Kindred en su época en Triple Threat con Stevie, y el blues lento de Tin Pan Alley (aka Roughest Place in Town), que supone una nueva exhibición de técnica y sentimiento del tejano. El álbum se cierra de manera más convencional con dos temas de Stevie: el blues Honey Bee y el instrumental jazzístico Stang´s Swang. Las sesiones de grabación de Couldn´t Stand the Weather incluyeron no obstante algunos temas más de interés, que fueron rescatados en la edición en cedé de 1999. Algunos descartes se utilizarían para el disco siguiente, como Look at Little Sister de Hank Ballard o Come On (Part III) de Earl King, mientras otros quedarían relegados, como Give Me Back my Wig o la versión del mítico Hideaway de Freddie King. El álbum llegó al número 31 de la lista de Billboard, mientras SRV y Double Trouble acometían interminables giras y actuaciones televisivas por todo Estados Unidos.

 

SRV con Albert King en In Session (1999) y Couldn´t Stand the Weather (1984)

En noviembre de 1984, Stevie ganaría dos premios W.C.Handy National Blues Awards, los auténticos grammys del blues, en las categorías de mejor showman y mejor instrumentista de blues del año, siendo el primer artista de raza blanca en conseguirlo. Ese mismo año, había ganado su primer Grammy por su interpretación de Texas Flood en el Festival de Montreux de 1982, que apareció en el recopilatorio de Atlantic Blues Explosion. Stevie produciría además en esta época el retorno discográfico de su admirado Lonnie Mack, Strike Like Lightning (Alligator), interpretando el tema If You Have to Know, y colaboraría con el bluesman A.C.Reed en su álbum I´m in the Wrong Business. En enero de 1985, Stevie tocó con Double Trouble en Japón, y en marzo iniciaron la grabación de su tercer álbum, Soul to Soul, que siguió la línea musical de su antecesor, profundizando algo más en los sonidos soul y jazz con la incorporación en las sesiones del saxofonista Joe Sublett y el teclista Reese Wynans, quien sería invitado a unirse de manera permanente al grupo. El nuevo disco, que no saldría hasta finales de septiembre de ese año, se abre con un nuevo tema instrumental de Stevie, Say What!, marcado por las influencias de Hendrix y su característico uso del pedal wah-wah y que le reportó al tejano otra nominación al Grammy. Y junto a las habituales versiones de clásicos del blues y la música americana, destacan otras dos composiciones propias: Ain´t Gone´n´Give Up on Love y la balada Life Without You, que concluye con uno de los solos menos virtuosos pero más emocionantes del tejano. En la reedición en cedé de 1999 se incluyó la grabación que hizo el portentoso guitarrista de dos temas de Hendrix engarzados en una sola toma: Little Wing y Third Stone From the Sun. Soul to Soul fue dedicado por Stevie a su amigo recién fallecido Charley Wirz, propietario de una tienda de guitarras en Dallas que le proporcionó varias de las Fender de su colección. Por otro lado, en el mes de abril SRV fue invitado a tocar el himno de Estados Unidos en la apertura de la liga de beisbol americana.

 

Soul to Soul (1985)

 

Pero cuando el éxito de SRV parecía imparable, el abuso del alcohol y la cocaína, que se acentuó en esta época, truncarían durante algunos años la meteórica carrera del tejano. Tras sufrir un colapso que a punto estuvo de llevarle al otro barrio durante la gira por Alemania en el otoño de 1986, Stevie fue ingresado de urgencia en una clínica de Londres para salvar literalmente su vida. Estabilizada su crítica situación, el guitarrista regresó a los Estados Unidos para someterse a un tratamiento de rehabilitación en una clínica cercana a Atlanta, consiguiendo después de varios meses de dura desintoxicación limpiar su organismo y abandonar completamente el uso de las drogas y el alcohol. Y es que Stevie había llegado a tomar como costumbre el activarse cada mañana con un vaso de whiskey con cocaína espolvoreada! Curiosamente, el bajista Tommy Shannon también aprovechó para desintoxicarse en la misma época, aunque en una clínica diferente a la de su colega. Mientras tanto, Epic publicaría en noviembre el primer álbum en vivo de SRV y Double Trouble, el doble Live Alive, que recogía actuaciones en el Festival de Montreux de 1985 y en dos conciertos celebrados en Austin y Dallas en 1986, aunque el sonido de la grabación no es demasiado bueno. En la primavera de 1987, Stevie retomó con precaución su actividad musical, colaborando en años siguientes en los discos de numerosos artistas, entre ellos Don Johnson (sí, el que estáis pensando!), Jennifer Warnes o Stevie Wonder, y tocando con amigos y colegas. Incluso aparecerá en la película Back to the Beach tocando a dúo con el maestro de la guitarra surf Dick Dale el tema Pipeline. En 1988, Stevie participa en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, realizando una jam junto a B.B. King, Albert Collins y Katie Webster, retomando por entonces sus giras con Double Trouble. Por fin, en febrero de 1989 el grupo entra de nuevo en el estudio para preparar un nuevo álbum, después de casi cuatro años sin registro discográfico. Poco antes, habían participado en los festejos de la elección de Bush Sr. como presidente de los Estados Unidos.

 

El directo Live Alive (1986) y In Step (1989)

 

En el mes de junio de 1989 saldría a la venta In Step, que significaría el comienzo de una segunda etapa de éxito para SRV, desgraciadamente truncada al año siguiente por su trágica muerte en accidente de helicóptero. El álbum fue dedicado a la memoria de su descubridor John Hammond Jr. (..A true hero, como aparece en la dedicatoria), fallecido dos años antes, por lo que los propios músicos produjeron la grabación junto al también legendario Jim Gaines. In Step fue recibido como su mejor obra desde Texas Flood y sería distinguido con el Grammy al mejor disco de blues contemporáneo. Stevie recupera en esta espléndida colección de canciones toda su energía como cantante y guitarrista, como testimonia el primer tema, The House in on Rockin´. El sonido de la guitarra de Stevie suena más empastada que en discos anteriores, pero con la misma intensidad y virtuosismo de siempre, aunque en esta ocasión el tejano utilizó junto a su sempiterna Fender Stratocaster alguna guitarra Gibson electroacústica. Los dos siguientes temas compuestos por Stevie, Crossfire y Tightrope, hacen referencia a sus problemas personales con las drogas, para enseguida volver a rendir homenaje a la guitarra de Buddy Guy (1936), versioneando Let Me Love You Baby y Leave My Girl Alone, en el que nos regala el mejor solo del disco. Tras la muerte de SRV, Guy le devolvería el detalle dedicandole uno de sus discos (Damn Right, I’ve Got the Blues) y su tema Remembering Stevie. El boogie guitarrero Travis Walk abre la segunda parte del álbum, seguido de dos temas compuestos por Stevie junto a Doyle Bramhall, Wall of Denial y Scratch-n-Sniff, para cerrar el álbum con una auténtica maravilla instrumental de casi diez minutos, la balada jazzística Riviera Paradise. En el otoño de 1989, Stevie comparte gira con el británico Jeff Beck por Norteamérica y la ciudad de Austin le rinde homenaje declarando el 26 de noviembre como “Stevie Ray Vaughan´s Day”. En enero de 1990, graba tres canciones para los MTV Unplugged, tocando una guitarra acústica de doce cuerdas, y en marzo inicia uno de sus más deseados proyectos: grabar un disco junto a su hermano Jimmie, deseo que se vio facilitado por la separación de éste último de su banda Fabulous Thunderbirds. Ambos participarían además en el disco de Bob Dylan Under the Red Sky. El repertorio quedaría completado en la primera mitad del año 1990 con la producción de Nile Rodgers, aunque por desgracia, Stevie no podrá ver publicado este álbum, pues durante su gira veraniega por los Estados Unidos se producirá el trágico accidente que puso fin a su vida. Tras dos meses de gira junto al cantante Joe Cocker, el 26 de agosto SRV y Double Trouble actuaron en el Alpine Valley Music Theatre de la localidad East Troy (Wisconsin), que tuvo como fin de fiesta la actuación de Stevie junto a Eric Clapton, Buddy Guy, Robert Cray y su hermano Jimmie Vaughan interpretando una versión extendida de Sweet Home Chicago. Las fotos que se hicieron los cinco quedarán como testimonio de sus últimos días. Al terminar el show, Stevie tomó un helicóptero para regresar a Chicago junto a varios miembros del equipo de Eric Clapton, pero el aparato se estrellaría al poco tiempo de despegar en una colina de Alpine Valley. SRV fallecería a los 35 años, siendo enterrado en el Laurel Land Memorial Park de su ciudad natal, Dallas, en un acto en el que cantaron Amazing Grace Stevie Wonder, Bonnie Raitt y Jackson Browne y que contó con la presencia de su entonces novia, tras su divorcio de Leonora, Janna Lapidus.

 

El álbum con su hermano Jimmie, Family Style (1990) y The Sky is Crying (1992)

 

Sólo un mes después de la muerte de Stevie, en septiembre de 1990, salió el álbum de los hermanos Vaughan Family Style, que alcanzó dos premios Grammy al mejor álbum de blues tradicional y a la mejor interpretación instrumental por el tema D/FW de Jimmie Vaughan. El sonido es más ligero y comercial que los álbumes de Stevie, pero con un repertorio excelente en el que todos los temas menos uno están compuesto por alguno de los dos hermanos, que firman conjuntamente los temas Hillbillies from Outerspace, Baboom/Mamma Said y Brothers. En este último y en otros como Hard to Be, Long Way from Home o Telephone Song o Tick Tock se nota cómo disfrutó Stevie en estas grabaciones. La dedicatoria del álbum es para su madre, Martha Vaughan, “..for letting us play”. Como es habitual en estos casos, tras la muerte de Stevie el sello Epic rescató además grabaciones inéditas del guitarrista y publicó una colección de diez temas registrados entre 1984 y 1989, con el título de The Sky is Crying, utilizando el título de una de las versiones de Elmore James incluidas en el álbum. Entre los temas, encontramos algunas joyas de gran interés, como las versiones instrumentales de Little Wing de Hendrix, Wham! de Lonnie Mack y Chitlins con Carne de Kenny Burrell y uno de los pocos temas acústicos grabados por Stevie, Life by the Drop. Por supuesto, en años siguientes irían apareciendo además grabaciones de conciertos de SRV y Double Trouble, ya fuera en disco (Live at Montreux, Live at Carnegie Hall, Live in Tokyo) como en video (Live at the El Mocambo, Live from Austin, Texas). El gobernador de Texas declaró el 3 de octubre, día del cumpleaños de Stevie, como “Stevie Ray Vaughan´s Day” y en 1994 la ciudad de Austin erigió una estatua del guitarrista en el auditorio del Lady Bird Lake. Numerosos artistas dedicaron a Stevie discos o canciones, entre ellos Bonnie Rait, Buddy Guy, Stevie Wonder, Eric Johnson y Steve Vai. En 1996, se publicó un DVD con el concierto Tribute to Stevie Ray Vaughan celebrado el año anterior para el programa Austin City Limits, en el que Bonnie Rait, Jimmie Vaughan, B.B.King, Buddy Guy, Dr. John, Art Neville y Eric Clapton interpretaron temas del guitarrista tejano. En 2003, el director Martin Scorsese incluyó a SRV en su colección de documentales musicales sobre artistas de blues.

 

Las grabaciones del festival de Montreux y la estatua de SRV en Austin

Aquí tenéis a Stevie tocando Voodoo Chile con su inseparable Fender Strato

TEN YEARS AFTER

Aunque en principio se les incluyó en la gran oleada de formaciones de revival blues que surgieron en las Islas Británicas en la primera mitad de los años 60, Ten Years After supo evolucionar hacia el rock de los 70 absorbiendo todo tipo de influencias musicales y triunfando sobre todo con unos espectaculares directos que causaron sensación en festivales como Woodstock o la Isla de Wight. Su líder fue el extraordinario guitarrista Alvin Lee, además cantante y compositor de la gran mayoría de los temas de la interesante aunque irregular discografía de este grupo inglés que no alcanzó el reconocimiento de otros grupos británicos de similar trayectoria como Jethro Tull o Led Zeppelin.

 

El origen de Ten Years After se encuentra en una banda de blues del área de la ciudad de Nottingham llamada The Jaybirds, que había sido creada en 1962 por el guitarrista Alvin Lee (1944) y el bajista Leo Lyons (1943). Ese mismo año, The Jaybirds llegaron a tocar en el All Star Club de Hamburgo, una semana después de que lo hicieran los míticos The Beatles. En 1965, entró como nuevo batería del grupo Rick Lee (1945), que continuará posteriormente con Lee y Lyons en la etapa Ten Years After. Pero como tantos otros grupos de provincias, las posibilidades entonces de triunfar en el mundo de la música pasaban inevitablemente por la ciudad de Londres, y en 1966 The Jaybirds decidieron trasladarse a la gran metrópoli en busca de una mayor proyección artística y, sobre todo, de una oportunidad discográfica. Una vez allí, la formación se amplió con el teclista Chick Churchill (1946), que había trabajado para ellos como road manager, y el grupo contrató como manager a Chris Wright, el cual propuso cambiarles el nombre a Blues Trip y después a Blues Yard. Con este último nombre tocaron por primera vez en el club The Marquee, aunque poco después decidieron llamarse definitivamente Ten Years After. Y en poco tiempo, y gracias a su notable actuación en vivo, consiguieron consolidarse como banda residente del famoso club londinense, además de ser invitados a participar en el Festival de Blues y Jazz de Windsor de 1967.

 

Ten Years After (1967), el álbum de presentación

 

 La repercusión de sus conciertos no tardaron en proporcionarles un contrato discográfico con Deram, subsidiaria de Decca, y en octubre de 1967 salía a la venta su álbum de debut, el homónimo Ten Years After, con la producción de Mike Vernon y Gus Dudgeon. Este disco no mostraba no obstante todo el potencial y cualidades musicales del grupo, pues se registró un repertorio algo frío de versiones de blues clásico y moderno y las primeras composiciones de Alvin Lee, que apuntaba tan sólo sus buenas maneras como guitarrista y su gusto por los toques jazzísticos. Entre las versiones se encuentran el clásico de Al Kooper con The Blues Project  I Can´t Keep From Crying, Sometimes y la revisión del Spoonful popularizado poco antes por Cream, con Lee emulando al idolatrado Eric Clapton. En cualquier caso, el álbum consiguió buenas críticas y una notable repercusión, que llegó incluso a las emisoras de los Estados Unidos. Así, tras una gira por Escandinavia a principios de 1968, el grupo inglés fue invitado a actuar en California por el famoso promotor norteamericano Bill Graham. Poco antes de cruzar el charco, Ten Years After habían comenzado a grabar las canciones de su segundo álbum, pero la expectación creada por su próxima gira por Estados Unidos y la decepción por el resultado de su primer álbum motivó que la banda inglesa se decidiera a mostrar al público la vitalidad y riqueza de su propuesta musical con una grabación en directo que les quitara la etiqueta de ser “un grupo más de blues”, en la estela de los Bluesbreakers de John Mayall o los propios Cream.

 

El recital de blues-jazz en vivo: Undead (1968)

 

Sin perder un minuto, en mayo de 1968 Ten Years After registraron su actuación en el club de jazz de Londres Klook´s Kleek, de la que se extrajeron cinco canciones que serían publicadas por Deram en agosto de ese año en Estados Unidos con el título de Undead, aprovechando el éxito de su gira del mes de junio por California, donde se codearon con los grandes del rock americano y actuaron a menudo en el mítico Fillmore West. Ante las protestas de sus fans británicos, el álbum sería también editado en Gran Bretaña a finales de ese año. El acierto fue pleno, pues estamos ante una verdadera exhibición instrumental de Ten Years After, con un Alvin Lee desplegando toda su vertiginosa (y a veces descontrolada) pirotecnia guitarrística, especialmente en el tema At The Woodchopper’s Ball, que convierte el clásico de Woody Herman en una jam arrebatadora. No en vano, nos encontramos ante un grupo que en directo tiraba más hacia el jazz que al blues y de hecho Lee se había formado como guitarrista escuchando a los grandes virtuosos americanos de este género, aunque después también bebiera de Big Bill Broonzy, Chuck Berry o Buddy Holly. Pero todos los miembros del grupo tendrán su momento de lucimiento personal en las largas versiones de un repertorio selecto. El tema con mayor repercusión del disco fue no obstante I´m Going Home, una revisión a ritmo de boogie acelerado del Going Home de los Rolling Stones que se convertirá en uno de los números estrella de la banda en sus giras de conciertos. Por suerte, en la reedición en CD de 2002 se recuperó de los archivos casi todo el repertorio de la actuación en el Klook´s Kleek, con lo que podemos escuchar además un nuevo homenaje a los Cream en Standing at the Crossroads o el excelente instrumental Extension on One Chord.

 

El tercer álbum: Stonedhenge (1968)

 

Tras el verano de 1968, Ten Years After concluyeron el repertorio de su tercer disco, Stonedhenge, que saldría finalmente a la venta en febrero de 1969, seguido de una nueva gira por Estados Unidos que comenzó en el Fillmore East de Nueva York. La oferta musical de Stonedhenge es totalmente distinta al fiero Undead, con una colección variada y mucho más tranquila de temas en el que el grupo toca todos los palos, desde las influencias psicodélicas de Going to Try hasta el jazz de Woman Trouble, pasando por el blues-rock de Hear Me Calling, que fue su mayor éxito y destila de nuevo las influencias innovadoras de Cream. Pero la experimentación musical del grupo queda patente sobre todo en No Title, un tema intimista roto puntualmente con descargas de guitarra distorsionada y solos de órgano y batería que les acercaban al rock progresivo. Salvo dos breves interludios de piano y bajo a cargo de Churchill y Lyons, todos los temas están compuestos por Alvin Lee, que en esta ocasión se muestra más contenido y fino con su guitarra, incluso en el acelerado boogie Speed Kills que cierra el álbum. Pero al mismo tiempo, el año de 1969 sería el de la definitiva consagración internacional de Ten Years After como uno de los grupos con más potente directo del circuito musical. Su escalada a la cima del rock se cimentará sobre todo en sus actuaciones veraniegas por Estados Unidos, incluyendo tanto su presencia en el Festival de Jazz de Newport en el mes de julio como en el mítico Festival de Woodstock celebrado en agosto, en el que se convirtieron en una de las bandas triunfadoras del evento, algo que no hicieron otras formaciones con mucho más nombre. Su actuación en Woodstock permaneció durante años como una de las más recordadas, sobre todo por la aparición de su versión de I´m Going Home en el documental del evento al año siguiente.

 

El álbum Ssssh (1969) y el rescatado concierto Live at the Fillmore East 1970 (2001)

 

Ten Years After se llevarían de sus largas estancias en Estados Unidos muchas influencias del acid-rock y hard-blues-rock de grupos y artistas como Jimi Hendrix, Canned Heat, Grateful Dead o Jefferson Airplane, que plasmarían en su siguiente disco, el magnífico Ssssh, que salió a la venta en agosto de 1969. La rotundidad de su nuevo sonido comienza enseguida con el tema Bad Scene, para desgranar a continuación una dinámica sucesión de temas marcados por la guitarra distorsionada de Lee, compositor de todo el repertorio, excepto la rockera versión del clásico Good Morning Little Schoolgirl, que no obstante contiene un maravilloso solo del guitarrista, acompañado por el bajo de Lyons. Incluso el folk americano tiene su espacio en los preciosos temas acústicos If You Should Love Me y I Don’t Know That You Don’t Know My Name, aunque Lee no se olvidó del blues tradicional, que cierra brillantemente el álbum con The Stomp y I Woke Up This Morning. Una joya en definitiva del rock de finales de los años 60. En febrero de 1970, Ten Years After volverían a actuar en Estados Unidos presentando algunas de sus nuevas canciones. Entre sus actuaciones se encuentran los memorables conciertos ofrecidos en el Fillmore East de New York, que fueron registrados entonces y rescatados y reeditados en el año 2001 con el título de Live at the Fillmore East 1970. Pero los venerados músicos británicos no se durmieron en los laureles de su éxito mundial, y en abril de 1970 volvieron a sorprender con la publicación de una nueva obra maestra: Cricklewood Green. En este album, Alvin Lee llega a su cima como compositor y guitarrista, firmando clásicos definitivos del rock como Sugar the Road, Working on the Road, la inconfesa revisión del Sympathy for the Devil de los Stones en 50,000 Miles Beneath My Brain y por supuesto el legendario y épico Love Like a Man, primera canción de Ten Years After que llegó a alcanzar el top-ten de las listas de ventas británicas y en la que encontramos el famoso solo de guitarra de Lee. El repertorio es algo más convencional en la parte más bluesera y nos sorprende concluyendo con la inusual pero preciosa melodía acústica de Circles (Lee se atrevió a mostrar sus limitaciones como cantante sin el respaldo de su pirotecnia guitarrística) y la oscura As the Sun Still Burns Away. En el mes de agosto de 1970, Ten Years After volvieron a triunfar sonoramente en el Festival de la Isla de Wight, actuando para unas 600.000 personas.

 

Los discos de 1970: Cricklewood Green y Watt

 

Aprovechando el tirón del grupo, a finales de 1970 sale a la venta un nuevo disco de Ten Years After, Watt, que será el último con el sello Deram. El repertorio sin embargo es mucho menos sorprendente y emocionante que el álbum anterior, aunque comienza con la energía del rock de los setenta en I´m Comin´ Home, otro clásico que repite solo magistral de Lee, y los excelentes cambios de tempo de My Baby Left Me. Pero a partir de ahí el tono decae hasta el aburrimiento y los temas adolecen de la vitalidad juvenil de otras épocas, a pesar del buen trabajo instrumental de los compañeros de Alvin Lee, cuya guitarra prácticamente desaparece tras el primer corte, si exceptuamos su intervención en la jazzística Gonna Run. Como la discográfica sabía del crédito de Ten Years After en vivo, el álbum se completó con la versión de Sweet Little Sixteen de Chuck Berry interpretado en el festival de la Isla de Wight. La creatividad compositiva de Alvin Lee se recuperó sin embargo con su siguiente registro, A Space in Time, publicado en octubre de 1971 con un nuevo sello discográfico: Chrysalis, y que supuso un nuevo giro en el rumbo musical del grupo. Superado el blues-jazz-rock de la primera época de Ten Years After, dominan en este interesante álbum los temas acústicos country-folk, los tiempos lentos y la experimentación con efectos de estudio, quizás en un intento de Lee de salirse de los manidos esquemas del blues. Los cuatro primeros cortes del álbum son auténticas joyas y el tema I´d Like to Change the World se convirtió en el mayor éxito en las listas británicas de la historia del grupo, alternando y mezclando Alvin Lee la guitarra acústica con espléndidos solos de eléctrica, al estilo de Jimmy Page en Led Zeppelin, pero con un sonido más cercano en la eléctrica al famoso vibrato de su otro paisano Paul Kossoff. La maravillosa instrumentación del blues One of These Days (con Lee añadiendo con acierto la harmónica), la delicadeza emotiva del acústico Here They Come o los arreglos de cuerda de Over the Hill son elementos destacables en esta primera parte del disco. A partir del quinto corte, el repertorio deja de sorprender, con convencionales recreaciones de rock and roll clásico y country o rock, aunque se recupera al final con Hard Monkey y sobre todo con la magnífica I´ve Been There Too, que comienza con un ritmillo y acordes tremendamente contagiosos para crecer hacia una jam instrumental memorable. Estos dos últimos temas versaban sobre las drogas, aunque con el tono positivo de las letras de Lee. A Space in Time llegaría a disco de oro y fue un gran éxito en Estados Unidos.

 

A Space in Time (1971) y el recopilatorio Alvin Lee and Company (1972)

 

En mayo de 1972, el sello Deram quiso sacar provecho de la fama de sus ex-músicos publicando un disco con canciones de Ten Years After rescatadas de las caras B de sus discos sencillos, además de algunas versiones alternativas de temas clásicos como I´m Goin´Home o Hear Me Calling. Con el título de Alvin Lee and Company,  esta recopilación nos permite revivir el sonido rythm & blues de la primera época del grupo, aunque los temas de mayor interés como Rock Your Mama, Standing at the Crossroads o Spider in my Web los podemos encontrar en versiones mucho más recomendables en los registros en directo que se realizaron para el disco Undead. La novedad y principal aliciente es la larga jam instrumental de Boogie On. En octubre de 1972, Ten Years After sacaron a la venta Rock and Roll Music to the World, una obra maestra que recupera notoriamente la frescura musical e instrumental del grupo y nos regala – como se manifiesta en su título – rock and roll del clásico, casi inexistente en publicaciones anteriores. El repertorio es brillantísimo desde sus primeros cortes You Give Me Loving y Convention Prevention, y resulta gratificante  escuchar de nuevo la vertiginosa guitarra de Alvin Lee en Turned-off TV Blues, un tema que recuerda a los primeros ZZTop, o la fuerza del conjunto en la memorable Standing at the Station. Interesantes son además  el filosófico tema Religion o el eléctrico boogie con reminiscencias de la Creedence Choo Choo Mama. Como Jimmy Page para Led Zeppelin, Alvin Lee nunca tuvo reparos en valerse de los sonidos de otros grupos para enriquecer su propia cosecha.

 

Rock and Roll Music to the World (1972) y el directo Recorded Live (1973)

 

A pesar de la recuperación musical que supuso Rock and Roll Music to the World, las disensiones internas de todo grupo comenzaron a acentuarse en Ten Years After en esta época, sobre todo durante las largas giras por Europa,  Estados Unidos y Japón. Y mientras se preparaba un nuevo álbum de estudio, Chrysalis publicaría en junio de 1973 un álbum doble en directo titulado Recorded Live, que recoge actuaciones de la banda inglesa en distintas ciudades europeas, pero principalmente en Franckfurt (Alemania). El sonido de la grabación es impecable y la selección de temas excelente, con lo que teniendo en cuenta el curriculum en vivo de quien hablamos, nos encontramos con uno de los mejores directos de la historia del rock. Puro rock and roll y largas pero nunca cansinas exhibiciones instrumentales para regocijo de su legión de seguidores. Entre las novedades del repertorio elegido destaca una particular versión de Good Morning Little Schoolgirl, coronada con un escalofriante solo de Alvin Lee. Pero al tiempo que se promocionaba este fantástico álbum doble en directo, el guitarrista de Birmingham decidió abandonar temporalmente la disciplina de Ten Years After y probar por su cuenta nuevas experiencias musicales. Y tanto que fueron nuevas, pues se juntó nada menos que con uno de los pioneros del rock cristiano, el norteamericano Mynor Lefevre (1944), antiguo cantante de gospel expulsado de la Iglesia por sus largas melenas, que se había hecho millonario componiendo temas que fueron grabados por multitud de artistas, entre ellos el mismo Elvis Presley. Alvin Lee publicaría con este músico de Mississippi un brillante y relajado álbum de música folk y country americana, con alguna incursión rockera, que fue titulado On the Road to Freedom. En la grabación, que fue producida por el propio Lee para Chrysalis, contaron además con la colaboración de ilustres colegas como George Harrison y Ron Wood, que firman cada uno los dos únicos temas no compuestos por Lee o Lefevre y colaboran con sus instrumentos, como hicieran también Jim Capaldi, Steve Winwood, Bozz Burrell o Mick Fleetwood. Ante la grata experiencia, Lee quiso grabar otro álbum con Lefevre y ofrecer algunos conciertos, pero una sobredosis del norteamericano que casi le lleva al otro barrio frustró este proyecto.

 

Las experiencias de Alvin Lee en solitario: On the Road to Freedom (1973) y In Flight (1974)

 

De vuelta con Ten Years After, Alvin Lee completará las canciones del que será último álbum del grupo, Positive Vibrations, publicado en mayo de 1974 y que a pesar de su título no impidió la separación del grupo, pues Alvin Lee continuaba con sus proyectos paralelos y consideraba a su banda como un trabajo rutinario de músicos en constante gira tocando los mismos clásicos de siempre. Aunque bastante inferior al anterior disco, Positive Vibrations mantiene el tono optimista y relajado de la colaboración de Lee con Lefevre, con el guitarrista descartando los solos virtuosos en favor de canciones más digeribles comercialmente, que llegan incluso al pop, como en It´s Getting Harder. Hay algún homenaje al rock and roll clásico y una versión de un éxito de Little Richard (Goin´Back to Birmingham), pero ninguna canción es especialmente destacable. Al mismo tiempo, Alvin Lee publica también el mismo año con Chrysalis el doble directo In Flight, que contiene su actuación en el Rainbow Theatre de Londres junto a un grupo variado de músicos, presentándose como Alvin Lee & Company. Acompañado magistralmente por el saxofonista Mel Collins y un grupo de coristas, el guitarrista y cantante de Nottingham disfruta en esta actuación interpretando un extenso repertorio de sus nuevas y vitalistas canciones, impregnadas de blues y soul, además de varias versiones de su adorado Elvis Presley (de hecho, se dice que el nombre de Ten Years After significaba algo así como “diez años después de que Elvis comenzara su carrera, la comenzamos nosotros”). Un álbum doble altamente recomendable, en definitiva, que cuenta también con excelentes temas rockeros como Let´s Get Back o Ride My Train.

 

Positive Vibrations (1974) y el último álbum juntos: About Time (1989)

 

A pesar de los constantes rumores sobre su separación y de que Alvin Lee actuara paralelamente con su nuevo grupo de músicos, Ten Years After volverán de gira a Estados Unidos en el verano de 1975. Lee publica ese año su álbum en solitario Pump Iron, y finalmente en 1976 se produce la cantada disolución de Ten Years After, aunque todavía en 1977 hubo un intento por rehacer la banda y volver a grabar juntos. Pero Alvin Lee formó entonces un nuevo grupo al que irónicamente bautizó como Ten Years Later, al que siguió otro llamado Alvin Lee Band, mientras sus ex-compañeros se dedicaban principalmente al negocio musical en las filas de Chrysalis. En 1983, los cuatro músicos se reunieron para actuar en el vigésimo aniversario de la sala The Marquee y en el festival de Reading, y en 1988 volverían a juntarse para ofrecer algunos conciertos y grabar el álbum About Time, que salió al año siguiente, seguido de una gira por Estados Unidos. Tras una nueva separación, volvieron a intentarlo a finales de los años 90, actuando un par de años juntos, hasta que Alvin Lee abandonó definitivamente la banda. En 2004, Rick Lee, Lyons y Churchill decidieron resucitar Ten Years After, reclutando al cantante y guitarrista inglés Joe Gooch (1977) para sustituir a Alvin Lee. Con él ofrecerían algunos conciertos y publicarían un álbum de estudio (Now, 2004) y un doble directo (Roadworks, 2005). Por su parte, el último registro de la carrera en solitario de Alvin Lee hasta hoy ha sido Saguitar, publicado en 2007.

 

La legendaria interpretación de I´m Going Home en Woodstock

FREE

 

Conocidos principalmente por su legendaria canción All Right Now, el grupo británico Free fue una de las formaciones más interesantes del rock británico de finales de los años 60 y principios de los 70. Sus directos causaron auténtica conmoción en la época, con el protagonismo fundamental de su prodigioso cantante Paul Rodgers y el extraordinario guitarrista Paul Kossoff, desgraciadamente malogrado por las drogas. Pero Free nos dejaron además cinco notables discos de estudio que, a pesar de mostrar un repertorio en ocasiones demasiado ligero para los más rockeros, contiene momentos memorables que merecen una segunda escucha.

 

El grupo Free se formó en la ciudad de Londres en la primavera de 1968. El cantante Paul Rodgers (1949) había llegado poco antes a la capital británica desde su ciudad natal de Middlesborough con el objetivo de hacerse un hueco en el panorama blues-rock londinense con su banda The Wildflowers, anteriormente conocida como The Roadrunners. Pero pronto la formación de Middlesborough se disolvió y Rodgers se unió a Brown Sugar, y fue entonces cuando tras una de sus portentosas actuaciones en directo fue invitado por el guitarrista Paul Kossoff (1950) y el baterista Simon Kirke (1949) a unirse a un nuevo proyecto musical que estaban fraguando. Ambos instrumentistas provenían del grupo de blues Black Cat Bones, con el que habían teloneado nada menos que a los Fleetwood Mac de Peter Green. De hecho, Kossoff llegó a compartir muchas tardes de enseñanzas y conversaciones sobre blues con el legendario guitarrista, del que a buen seguro aprendió a conseguir un precioso tono de su instrumento. La nueva formación que comenzó a ensayar en abril de 1968 se completó con el bajista Andy Fraser (1952), que a pesar de contar con tan sólo quince años ya había tenido el privilegio de tocar con los Bluesbreakers de John Mayall y llegó recomendado por el maestro del blues británico Alexis Corner, que al parecer fue el que les sugirió el nombre de Free. A pesar de su juventud, la banda causó enseguida un enorme impacto en los locales londinenses por sus potentes recreaciones en directo de los clásicos del blues y pronto consiguieron un contrato discográfico con Island Records.

El cantante Paul Rodgers y el guitarrista Paul Kossof

En octubre de 1968, Free completó en el estudio su álbum de debut con unas condiciones de grabación bastante precarias, debido al bajo presupuesto con el que contó el productor Guy Stevens (famoso años después al producir el álbum London Calling de The Clash). Al mes siguiente ya estaba el disco en la calle con el título Tons of Sobs, y a pesar de las citadas carencias de producción, el público se encontró ante un magnífico debut, con un repertorio en el que ocho de las diez canciones estaban compuestas por el cantante Paul Rodgers, algunas en colaboración con sus compañeros Fraser y Kossoff, algo inusual en los grupos de rythm and blues británicos de los 60, que solían estrenarse con álbumes plagados de las típicas versiones de clásicos americanos como Bo Diddley, Muddy Waters, Howling Wolf, etc.. Tras la breve intro de Over the Green Hills-Part 1, cuya segunda parte cierra el álbum, se presenta de inmediato el potente blues-rock que definirá el sonido característico de los primeros Free con Worry y Walk in my Shadow, temas sustentados en la soberbia interpretación vocal de Rodgers, los solos de guitarra de Kossoff, con su famoso vibrato que tanto sorprendió al mismísimo Eric Clapton, y la vital base rítmica que aportaban Fraser y Kirke. Sin llegar todavía ninguno de ellos a los 20 años, el grupo Free dejaba atrás los clichés del rythm and blues británico para acercar el blues a terrenos más cercanos al hard-rock que dominará la primera mitad de la década de los 70. En la versión del clásico Goin´Down Slow encontramos una de las más extensas demostraciones de virtuosismo técnico de Kossoff. Después llegan los dos temas más conocidos del álbum: I´m a Mover, que saldría como disco sencillo con su pegadizo riff, y la versión rockera del tema The Hunter, que publicara el año anterior el gran bluesman Albert King con Booker T and the MG´s. Tons of Sobs se cierra sin embargo con la oscura pero interesante Moonshine compuesta por Rodgers y Kossoff y Sweet Tooth, cuyo ritmo jazzístico recuerda algo a los primeros Jethro Tull.

El álbum de debut: Tons of Sobs (1968)

Tras su presentación discográfica, Free aumentó su ritmo de conciertos por todo el país, ganándose día tras día mayor número de adeptos entre el público británico. Pero al mismo tiempo continuaron grabando y en octubre de 1969 publicarían su segundo álbum, que se tituló simplemente Free, y que supuso un cambio formal en su propuesta musical. Andy Fraser asumirá un mayor protagonismo en el grupo, compartiendo con Rodgers la composición de todas las canciones del repertorio e imponiendo el sonido de su bajo en funciones casi de guitarra rítmica. Producido en esta ocasión por el propio jefe de Island Records, Chris Blackwell, Free presenta un sonido más suave y contenido tanto vocal como instrumentalmente que el abrasivo blues-rock del primer disco, con mayoría de temas lentos y una presencia limitada de los magistrales solos de Kossoff. Así, aunque el álbum empieza con fuerza con I´ll Be Creeping y la magistral Songs of Yesterday, enseguida llega un lento y baladístico tema, Lying in the Sunshine, que precede a una alternancia de temas variados en el resto del repertorio, incluido el único instrumental del grupo, y con algunos aciertos como el funky Trouble on Double Time, Woman, o la balada acústica Mourning Sad Morning, que contó con la flauta de Chris Wood, componente del grupo Traffic. Pero ni los sencillos Broad Daylight y I´ll Be Creeping ni el álbum lograron alcanzar buenas ventas, algo que por fin conseguirían con su siguiente grabación. El tercer álbum de Free, Fire and Water, se publicó en junio de 1970 y supuso un enorme éxito de ventas para el grupo y su lanzamiento al olimpo de los grandes del rock de la época, impulsado sobre todo por su legendario tema All Right Now. Producido por ellos mismos, Fire and Water mantiene el dúo Rodgers-Fraser en la composición y la alternancia de medios tiempos rockeros y baladas, y aunque las raíces blueseras parecían definitivamente olvidadas, el álbum fue mucho mejor recibido por el público en esta ocasión, llegando al número 2 en las listas británicas y al 17 en las de Estados Unidos. Tras el guitarrero Fire and Water que da título al disco, se suceden los ritmos relajados, de agradable degustación, aunque al menos en el tema Remember podemos volver a disfrutar por un momento de los solos de Kossoff. Del resto del repertorio sobresalen Mr.Big, con un pletórico Rodgers y un climax instrumental magistral al final del tema a cargo de Kossoff y Fraser, y el ya conocido All Right Now para concluir. Pero frente al clima relajado de las grabaciones de estudio, en directo Free ponían toda la carne en el asador y tanto Rodgers como Kossof actuaban con mayor libertad. No en vano, sus conciertos eran auténticos acontecimientos y ese mismo año de 1970 Free actuarían con gran éxito ante 600.000 personas en el histórico festival veraniego de la Isla de Wight, compartiendo cartel con los grandes del rock como The Who, Jimi Hendrix, Chicago, Jethro Tull, The Doors, etc..

Free (1969) y Fire and Water (1970)

Poco después, el grupo volvió al estudio para registrar su cuarto álbum, Highway, que salió a la venta a finales de 1970, aunque el resultado no igualó ni mucho menos las ventas y repercusión de Fire and Water, alcanzando tan sólo el puesto 41 en Gran Bretaña y constituyendo un fracaso en Estados Unidos. El repertorio repetía los patrones tranquilos de discos anteriores, con predominio en esta ocasión de las baladas y números acústicos. Pero aunque Highway no contaba con el gancho discográfico de un All Right Now, se trata de un álbum más interesante y fresco que el anterior, con varios temas destacables como la maravillosa balada Be My Friend, los clásicos The Stealer y Ride on a Pony, que salieron en disco sencillo, o el acústico Soon I Will Be Gone, que presentaba una cuidada y delicada orquestación y coros. En muchas de las canciones, sobre todo en las baladas, Kossoff adorna la interpretación con unas notas de guitarra limpias, además de encargarse acertadamente de las partes de piano. A principios de 1971, los miembros de Free comenzaron a grabar nuevas canciones, pero la convivencia se resquebrajaba por momentos por el agotamiento de la relación entre Rodgers y Fraser, el bajón en las ventas de discos y el deterioro de la salud de Kossoff por culpa de su dependencia de las drogas. La consecuencia fue la repentina disolución del grupo, dejando cuatro temas registrados que años después serían rescatados e incluidos en la reedición en CD de Highway. Dos de ellos fueron publicados no obstante en un disco sencillo en abril de 1971, poco después de la separación, con el tema My Brother Jack alcanzando el número 4 de las listas británicas. Ante la separación de Free, Island Records editó rápidamente un álbum en directo titulado Free Live!, que engrosaría las arcas de la discográfica desde su salida en septiembre y llegaría al número 4 de las listas británicas. Los temas fueron grabados en dos conciertos celebrados en 1970 en las ciudades locales de Sunderland y Croydon y nos muestran el sonido rockero que hizo de Free uno de los grupos preferidos de la época y a Kossoff uno de los guitarristas más reverenciados. Por desgracia, sólo se incluyen siete temas en vivo (con los favoritos All Right Now, I´m a Mover, Mr.Big y The Hunter entre ellos), con la curiosidad de que para cerrar el álbum se añadió una de las últimas grabaciones de estudio del grupo, la estupenda canción Get Where I Belong.

Highway (1970) y el directo Free Live! (1971)

Mientras tanto, Fraser formó el trío Toby, con el que grabó un album que no llegó a salir a la luz, y Kossoff y Kirke se unieron al bajista japonés Tetsu Yamauchi y al teclista John Rabbit Bundrick con los que publicaron el álbum Kossoff, Kirke, Tetsu and Rabbit. Pero a finales de 1971 los miembros de Free aparcaron sus diferencias y volvieron a reunirse, con la velada intención de dar una mayor estabilidad emocional y personal a Kossoff, que había entrado en barrena tras la disolución del grupo. Rodgers se encargaría incluso de tocar el piano en vez de su compañero, aunque con no demasiada fortuna. En junio de 1972 se publicó el álbum de reaparición de Free tras su breve separación, Free at Last, en el que solidariamente todos los temas aparecían firmados por los cuatro miembros. Pero aunque el repertorio comienza con fuerza con Catch a Train, pronto se descubre que el grupo estaba falto de ilusión e interés, lo que se reflejará en una obra musical que se puede considerar la más floja de la discografía de Free, aunque el álbum llegó a un más que decente número 9 de las listas británicas y el tema Little Bit of Love alcanzó el 13 en la clasificación de sencillos. Pero ni siquiera el fraseo continuo y repetitivo de la guitarra de Kossoff en los temas más rockeros sirvió para enmascarar el pobre resultado. La situación se complicó un poco más cuando el grupo salió de gira de promoción y Kossoff mostró que no estaba en condiciones físicas de acometer las actuaciones en directo, ante la desesperación del público, que suplicaba por la recuperación del venerado guitarrista. Finalmente, Kossoff tuvo que someterse a una cura de desintoxicación de su adicción a las pastillas y Andy Fraser decidió abandonar definitivamente Free a finales del verano de 1972. Entonces Kirke llamó a sus antiguos amigos el bajista Tetsu Yamauchi (1946) y el teclista John “Rabbit” Bundrick (1948) para completar la formación y poder terminar la gira.

El álbum Kossoff, Kirke, Tetsu and Rabbit (1971) y Free at Last (1972)

Con los nuevos compañeros en sus filas y Kossoff recuperándose de sus problemas, Free sería capaz todavía de grabar un último álbum, que saldría a la venta en enero de 1973 con el título de Heartbreaker. En esta ocasión se hizo un mayor esfuerzo en la producción, requiriendo la colaboración en este aspecto de Andy Johns, que contribuyó a una mejor mezcla de sonido y a buscar músicos de estudio que cubrieran los malos momentos de Kossoff en algunos días de grabación. Para sorpresa y gran decepción del guitarrista, su nombre aparecería en los créditos como músico adicional. Aunque algunos temas se firmaron de nuevo conjuntamente, la mayoría del repertorio de Heartbreaker fue compuesto por Rodgers, aunque también Bundrick aportó dos canciones. El resultado es mucho más convincente que el anterior, incluso excelente, y las ventas volvieron además a ser buenas, llegando al número 9 en Gran Bretaña y al 47 en Estados Unidos. El tema que abre el disco, el potente Wishing Well, se convertirá en uno de los más conocidos del repertorio de la banda, escalando hasta el número 7 de las listas de sencillos. Tras Wishing Well llegan dos interesantes temas: la balada pianística Come Together in the Morning, con un brillante solo de guitarra sobrealimentada a cargo de Kossoff, y el optimista honky tonk Travellin´in Style, que parecía devolver la frescura de otros tiempos. El álbum alcanza su climax con el intenso tema que da título al disco, Heartbreaker, que muestra influencias del rock progresivo, con una excelente instrumentación de todo el grupo. El repertorio continúa con las composiciones de Bundrick Muddy Water y la progresiva Common Mortal Man, con predominio lógico de los teclados. Este quinto y último registro de Free concluye con la balada Easy on My Soul y la dramática Seven Angels, que va creciendo de intensidad para cerrar con brillantez el álbum.

El último álbum de Free: Heartbreaker (1973)

A pesar de la notable factura musical y las buenas ventas de Heartbreaker, el grupo no consiguió estabilizarse y finalmente se produjo el cierre definitivo de Free, tomando cada uno nuevos caminos musicales. Los más afortunados serían Rodgers y Kirke, que inmediatamente formaron junto al guitarrista Mick Ralphs y el bajista Bozz Burrell el grupo Bad Company, con el que conseguirían desde su primer disco un éxito abrumador y ventas millonarias. Tampoco le fue mal a Yamauchi, que fue llamado para sustituir a Ronnie Lane en The Faces, ni a Bundrick, que se convertiría en solicitado músico de sesión y colaborador habitual de The Who. Andy Fraser no había tenido tanta suerte con sus nuevos grupos Shark y The Andy Fraser Band, pero después se ganó una buena reputación como compositor de temas para músicos como Joe Cocker, Robert Palmer, Rod Stewart y otros. Por último, Paul Kossoff pareció resurgir de sus cenizas en poco tiempo, y liberado de sus conflictos dentro de Free ofrecería lo mejor de sí en su excelente álbum en solitario Back Street Crawler (1973), en el que contó con la colaboración de todos sus ex-compañeros. Aprovechando el título de su disco formó la banda Back Street Crawlers, con la que grabaría dos nuevos álbumes: The Band Plays On (1975) y Second Street (1976), muy apreciados por las fanáticos del gran y malogrado guitarrista, que desgraciadamente fallecería en marzo de 1976 por causa de un ataque al corazón sufrido en pleno vuelo de Los Angeles a Nueva York. En 1977 se publicaría una retrospectiva de su carrera en el recopilatorio Koss.

Los discos de Paul Kossoff en solitario: Back Street Crawler, The Band Plays On y Second Street

Free en directo con su famoso All Right Now

ZZTop (1970-1975)

 

A partir de su álbum Eliminator (1983), el trío tejano ZZTop se convirtió en icono del rock MTV con su boogie festivo y guitarrero, sus largas barbas y sus simpáticos videoclips. Sin embargo, el grupo liderado por el gran guitarrista Billy Gibbons inició su carrera musical de forma más que brillante con cuatro magníficos discos en los que consiguieron mejor que nadie aplicar los potentes riffs del hard-rock al blues tradicional de su tierra, sin perder una pizca de autenticidad y sentimiento.

Aunque llevan casi cuarenta años juntos, en realidad ZZTop se creó poco antes de que el guitarra solista y cantante Billy Gibbons (1949) reclutara para su banda a la sección rítmica compuesta por el bajista Joe Dusty Hill (1949) y el batería Franky Beard (1949). A finales de los años 60, Gibbons llevaba ya unos años de rodaje con el grupo de blues-rock psicodélico Moving Sidewalks (antes The Coachmen), con el que había publicado en 1967 un sencillo de gran éxito en Tejas con su excelente canción 99th Floor y un disco de larga duración al año siguiente titulado Flash (Tantra Records), además de ganarse notable fama en directo, llegando a telonear a sus paisanos de 13th Floor Elevators y a otras legendarias bandas norteamericanas como The Doors, Grand Funk Railroad y The Jimi Hendrix Experience, en su paso por Tejas. Flash fue el único álbum de Moving Sidewalks y aunque poco afortunado en su experimentación psicodélica, contiene temas interesantes como Flashback, compuesto por el productor Steve Ames y Joe Blues, en el que Gibbons muestra por primera vez el feeling como solista de blues que le hará famoso en su etapa con ZZTop. En esta primera época, el guitarrista tejano tenía como principal referencia musical la obra de su colega Jimi Hendrix, que no obstante llegó a citar a Gibbons en una entrevista para el programa de Johnny Carson como uno de sus guitarristas favoritos. Pero a pesar de su prometedora carrera, en 1969 dos de los miembros de Moving Sidewalks fueron requeridos por el Ejército para combatir en Vietnam y Gibbons y su batería Dan Mitchell formaron un nuevo grupo con el bajista Lanier Greig al que llamaron ZZTop. Ese mismo año, editaron un sencillo con las canciones Salt Lick y Miller´s Farm para el sello Scat de Bill Ham, que sería desde entonces y hasta 2006 manager y productor del grupo. Pero Gibbons no estaba contento con sus primeros compañeros y fue entonces cuando renovó la formación reclutando a Beard y Hill, que llevaban cinco años tocando juntos y acababan de abandonar el grupo American Blues, con el que también habían tenido experiencia discográfica. Esto fue a finales de 1969, y después de algún tiempo de ensayos, los tres músicos tejanos – nacidos curiosamente el mismo año de 1949 - ofrecieron su primera actuación en directo en Tejas en febrero de 1970. Pronto se hicieron un nombre en su Estado natal y tras participar en un festival de blues abriendo para Muddy Waters, Lighting Hopkins y Howlin´Wolf, firmaron un contrato con el sello London Records, con el que grabarán sus cinco primeros álbumes. Para conocer los detalles de los primeros días del grupo podéis echar un vistazo a esta completa biografía en inglés disponible en la red: http://www.kieran.keegan.btinternet.co.uk/ZZTop/zz_top_history.htm

El álbum Flash de Moving Sidewalks con Billy Gibbons

El debut discográfico de ZZTop llegó en 1971 con ZZTop´s First Album, álbum producido por el manager del grupo Bill Ham, que además colaborará en la composición de muchas de sus canciones. La presentación musical de ZZTop fue más que notable, con excelentes temas de como Brown Sugar, Neighbor, Neighbor o Bedroom Thang, que mostraban el blues-rock potente y directo de la banda tejana. Billy Gibbons era el líder natural de esta formación siempre bien hermanada, pues se mostró como un excelente compositor y guitarrista de blues, que además sabía darle sentimiento a los temas en su faceta de cantante sin tener una gran voz, acompañado con impecable eficacia por la base rítmica de sus compañeros Hill y Beard. Pero el resto del repertorio de este First Album no desmerece en absoluto, y el álbum al completo se disfruta de principio a fin. Como curiosidad, decir que Dusty Hill se estrenó como cantante en Goin´ Down to Mexico. Mientras tanto, ZZTop se hicieron cada vez más conocidos en su estado natal gracias a sus excelentes directos, aunque su fama no llegó de momento más allá y su estreno discográfico no tuvo las ventas esperadas.

El primer disco: ZZTop´s First Album (1971)

El segundo álbum del trío tejano salió a la venta en 1972, con el título de Rio Grande Mud. Su comienzo es espectacular, con el famoso tema Francine, el impresionante riff de guitarra de Just Got Paid y la harmónica de Musmouth Soutin´. La curiosidad es que el tema Francine fue publicado también en disco sencillo con una versión en español en la cara B, pues los tres tejanos dominaban la lengua de sus vecinos mejicanos y la utilizaron para los títulos de casi todos sus primeros discos. Tras estos tres primeros temas, el repertorio se relaja un poquito en los dos siguientes, para remontar enseguida con el instrumental Apologies to Pearly y la potente Bar-B-Q. Apologies to Pearly es un claro homenaje al Hideaway del bluesman tejano Freddy King y su título se refiere a las disculpas que Gibbons dedica a su guitarra Gibson Les Paul, a la que llamaba “Miss Pearly Gates”, por no utilizarla en este tema por primera vez en una grabación. Tras la preciosa balada de casi ocho minutos Sure Got Cold After the Rain llega otra descarga rockera con Whiskey´n Mama y Down Brownie, que concluyen brillantemente este segundo álbum del trío tejano.

 Rio Grande Mud (1972)

A pesar de la energía y potencial de estos dos primeros registros de ZZTop, será en 1973 cuando el grupo tejano consiga por fin su primer gran éxito a nivel de ventas con el álbum Tres Hombres, grabado en los estudios Ardent de Memphis y que llegó al top-ten de las listas, impulsado además por el éxito de su clásico La Grange. La mezcla de blues, boogie tejano y hard-rock alcanza en este álbum su expresión más brillante, aderezada con letras que hablaban de historias de carretera, juergas y bares y prostíbulos de mala muerte. El álbum comienza a ritmo de blues con Waiting for the Bus y la extraordinaria Jesus Just Left Chicago, para entrar en el rock clásico de Beer Drinkers and Hell Raisers, en la que Gibbons alterna la interpretación de la letra con Dusty Hill, algo que repetirán en otras ocasiones. El encuentro con el boogie tejano y el blues más tradicional vuelve en el corte La Grange, que se inicia con un ritmo inspirado en el legendario John Lee Hooker, del que Gibbons imitará sus característica forma de cantar, con un peculiar acento tejano, precediendo su espectacular solo de guitarra. Pero además de estos conocidísimos temas y dejando al margen la algo empalagosa balada Hot, Blue and Righteous, no hay que despreciar las guitarras casi metaleras de los temas Masters of Sparks, Move Me On Down the Line y Precious and Grace, aunque Tres Hombres concluye con dos temas más digeribles como Shiek y Have You Heard? Pronto el disco alcanzaría el millón de copias vendidas y lanzaría a ZZTop al estrellato.

Tres Hombres (1973)

Ante el éxito de su tercer disco, ZZTop acomete continuas giras por todo el sur del país durante 1974, teloneando a estrellas del rock como The Rolling Stones, Alice Cooper o Deep Purple con su chocante vestimenta de cowboys y su presentación como “That Little Old Band from Texas”. Su concierto más recordado será no obstante el celebrado en la ciudad tejana de Austin en el mes de septiembre, compartiendo cartel ante 80.000 personas nada menos que con Santana, Bad Company y Joe Cocker. Las actuaciones en directo serían aprovechadas para su siguiente álbum, Fandango!, publicado en 1975 y que también vendería más de un millón de copias. Los tres primeros cortes son registros en vivo en la sala The Warehouse de Nueva Orleans de los temas Thunderbird, el clásico Jailhouse Rock cantada por Hill y un medley de cuatro canciones, tres de ellas del grupo y una versión de Willie Dixon. El resto del repertorio son nuevos temas de estudio, entre los cuales alcanzará gran popularidad la potente Tush, que llegaría al top 20 de las listas de sencillos. Además son destacables la balada bluesera Blue Jean Blues, el country casi paródico de Mexican Blackbird y la rockera Heard it on the X. Las referencias a las historias al otro lado de la frontera con Méjico son más frecuentes que nunca en este cuarto álbum.

Fandango (1975)

En 1977, ZZTop publican su último álbum con el sello London Records, Tejas, y tras tomarse un par de años sabáticos en los que Gibbons y Hill se dejaron crecer sus famosas barbas, firman con el sello Warner publicando dos decepcionantes aunque exitosos álbumes: Degüello (1979) y El Loco (1981), hasta que el grupo decidió contar con los avances de la producción musical y el apoyo de sintetizadores y cajas de ritmo para convertirse por fin en un grupo de masas, no sólo en los estados sureños de su país, sino en todo el mundo. Y sería a partir del famoso Eliminator de 1983 cuando se inicia esta nueva etapa musical y artística para ZZTop, que oscurecería algo su más auténtica primera época. Es importante comentar sobre los primeros discos de la banda tejana que sus más acérrimos seguidores han criticado siempre la reedición en CD de los seis primeros discos del grupo realizada en 1987 por el sello Warner, en las que se regrabó el sonido de la batería utilizando secuenciadores y efectos digitales y algunas partes de voz y guitarra, resolviendo además algunos temas antes de tiempo para incluirlos todos en un pack de tres cedés publicado como The ZZTop Six Pack. Esta desnaturalización de la autenticidad del hard-blues rock tan representativo del estilo original del grupo para amoldarlo al oído de las generaciones rockeras contemporáneas fue especialmente sangrante en los dos primeros discos, publicados originalmente en vinilo, que es el formato recomendado para escuchar a los primeros ZZTop. Afortunadamente, parece que los tejanos han querido enmendar su error – realizado en plena época de su éxito a base de rock apoyado con sintetizadores – y de momento se ha vuelto a remasterizar en 2006 las grabaciones originales de dos de estos discos: Tres Hombres y Fandango. Esperemos que pronto lleguen los dos primeros.

Aquí podéis escuchar el tema Salt Lick que publicó la primera formación de ZZTop (¡una auténtica rareza!)

 

SUPERTRAMP Even in the Quietest Moments

 Con su quinto álbum, Even in the Quietest Moments (1977), el grupo británico Supertramp alcanzó el equilibrio perfecto entre sus intentos por hacerse un hueco entre las bandas de rock progresivo de los 70 y el pop-rock sinfónico claramente comercial que les llevaría a la fama en años posteriores. El dúo Hodgson-Davies muestra en este hermoso disco de sonido cristalino su mejor momento como compositores; en especial el primero, que nos regaló joyas como Give a Little Bit o la extraordinaria obra sinfónica Fool´s Overture.   

 Tras su relativamente exitoso aunque irregular Crisis, What Crisis? de 1975, grabado en Estados Unidos, los miembros de Supertramp decidieron mudarse definitivamente en el otoño de 1976 al nuevo continente para preparar su siguiente obra musical, abandonando a su hasta ese momento productor Ken Scott. El propio grupo asumió entonces las responsabilidades de esta labor para el sello A&M, con la ayuda en la grabación de prestigiosos ingenieros de sonido como Peter Henderson, Russell Pope y sobre todo Geoff Emerick, que había grabado con los Beatles todos sus discos, desde Revolver hasta Abbey Road. No en vano, el grupo de Liverpool era el favorito del cantante, instrumentista y compositor Roger Hodgson y una de sus grandes influencias artísticas. Entre noviembre de 1976 y enero de 1977, Supertramp registrará en los estudios Caribou Ranch de Colorado todo el repertorio del nuevo álbum, que será editado y mezclado con un sonido brillantísimo en los estudios Record Plant de la ciudad de Los Angeles. Los dos compositores del grupo, Rick Davies y Roger Hodgson colaboraron mejor que nunca en la creación musical, y aunque sus diferentes estilos e influencias siguen siendo reconocibles en cada canción, en esta ocasión se alcanzó un perfecto equilibrio entre el pop-rock melódico de Hodgson y el blues-jazz pianístico de Davies. Y todo ello enriquecido con unos arreglos orquestales espléndidos realizados por el propio grupo junto al director francés Michel Colombier y la inconfundible y fundamental ornamentación aportada por el saxofonista John Anthony Helliwell. La diferencia más evidente entre las obras de Davies y Hodgson será en cualquier caso las letras, pues si Davies habla de sentimientos y relaciones humanas reconocibles para todos, Hodgson se encontraba entonces entregado por completo al cristianismo originario que profesaron desde los 60 muchos hippies e impregna de mensajes religiosos cada uno de sus temas. El álbum saldría a la venta en abril de 1977 con el título de Even in the Quietest Moments y una curiosa portada diseñada por Mike Doud en la que aparece una fotografía de un piano cubierto de nieve en lo alto de una montaña de Colorado con la partitura del tema Fool´s Overture, aunque en realidad las notas corresponden a la música del himno americano The Star Spangled Banner. El nuevo álbum alcanzaría un notable puesto 16 en las listas estadounidenses de Billboard y llegó a ser disco de oro, mientras el sencillo Give a Little Bit proporcionaba al grupo su primer Top 20. Además de los cantantes, teclistas y compositores Davies y Hodgson, la formación de Supertramp se completaba como en años anteriores con el saxofonista John Anthony Helliwell, el bajista Dougie Thomson y el baterista Bob C.Benberg.  

La formación de Supertramp a finales de los años 70

Even in the Quietest Moments se abre con el famosísimo tema Give a Little Bit, marcado por los cristalinos acordes de guitarra acústica tocados por Roger Hodgson con un modelo de 12 cuerdas y el registro agudo de la voz de este genial músico, perfectamente respaldadas por la base rítmica, saxo y coros del resto del grupo. Un tema sencillo y agradable que, como todos los del disco, conserva treinta años después la misma frescura, a diferencia de otras obras de género similar que se publicaron en la época. Después llega el turno para el lucimiento de Rick Davies y su piano, que nos regala una preciosa Lover Boy, tema que va creciendo de intensidad muy bien arropado de nuevo por los arreglos instrumentales de sus compañeros y un sonido típicamente Supertramp.  La canción siguiente es la que da título al disco, Even in the Quietest Moments, una joya delicada e intimista en la que Hodgson vuelve a manifestar sus inquietudes religiosas acompañándose de la guitarra acústica y leves toques de sintetizador e instrumentos de viento. El tono de este tema y la interpretación de Hodgson recuerdan algo a los temas acústicos de sus compatriotas Led Zeppelin como The Battle of Evermore. Con igual sentimiento, pero más cercano a las situaciones mundanas, nos llega inmediatamente la preciosa canción de amor Downstream, cantada magistralmente al piano por Davies sin necesidad de contar con una voz prodigiosa. En Babaji, otro de los temas más conocidos del disco, Hodgson sigue a lo suyo, es decir, a ofrecer sencillos pero espléndidos temas con contenido religioso, aunque en esta ocasión fundamentado principalmente en su dominio de los teclados y sintetizadores. Babaji contrasta con el intimista piano de Davies, que vuelve a acertar en From Now On, otra balada bluesy coronada con un final a ritmo de gospel en el que destaca de nuevo el saxo de Helliwell. Este tema fue publicado sin demasiado éxito como segundo sencillo del álbum.

                                                        Roger Hodgson a los teclados

Y llegamos para terminar este memorable álbum con una de las obras maestras del pop-rock sinfónico: Fool´s Overture. Esta maravilla musical de casi once minutos compuesta por Roger Hodgson engancha y emociona desde su preciosa introducción, con las primeras notas del piano y arreglos orquestales, los samplers de campanas y un fragmento de discurso del primer ministro británico Winston Churchill y los sintetizadores que preceden a la sentida interpretación de Hodgson en la parte central. El tema parece llegar a su climax con la entrada de los instrumentos de viento, pero tras una breve pausa cubierta con nuevos samplers y efectos llega la épica conclusión al más puro estilo del rock progresivo de la época, marcada en este tema por los sintetizadores y arreglos orquestales que cierran ahora sí esta antológica obra musical de misteriosa letra dedicada a reflexionar sobre la barbarie humana que supuso la Segunda Guerra Mundial. Even in the Quietest Moments es en definitiva un álbum delicioso y magistral que se escucha de un tirón y deja un regusto agradable, una obra no tan pretenciosa como otras del género progresivo pero tampoco tan comercial y empalagosa como discos posteriores de Supertramp. Dos años después llegará el éxito absoluto para el grupo británico con las ventas millonarias de Breakfast in America, que les lanzó al éxito mundial.

 Aquí tenéis una versión en directo en 1977 de Fool´s Overture con la que Supertramp cerraban sus conciertos