CLÁSICOS del ROCK!

Revista digital para amantes del rock clásico

Nueva tanda de entradas para la colección

Publicado por siganmelosbuenos en octubre 31, 2013

Jesús Gutiérrez nos envía generosamente una tanda de entradas de conciertos verdaderamente interesantes, joyas de la historia musical de Madrid. La mayoría de ellas son de conciertos celebrados en míticas salas de los ochenta, como Rock-Ola o Morasol, cuando la influencia del punk-rock británico era considerable. Hay incluso entradas de dos grupos malditos del punk-rock español, como Interterror y V2Berlin. También hay entradas de conciertos históricos en grandes escenarios, como el celebrado en el estadio Román Valero del barrio de Usera en 1981, con Santana y Paco de Lucía, o el de U2, Pretenders y UB40 en el Santiago Bernabéu en 1987, de imborrable recuerdo para los que somos ya cuarentones. Damos las gracias a Jesús por su colaboración y os invitamos a todos a uniros en esta “búsqueda arqueológica”. Todas ellas están incluidas ya en nuestra sección “Colección de Entradas de Concierto”.

Echo+and+the+Bunnymen

Santana

U2

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PATTI SMITH

Publicado por siganmelosbuenos en enero 3, 2013

Patti+Smith

 La cantante y poeta norteamericana Patti Smith es una de las personalidades más auténticas del rock de los últimos cuarenta años, como Neil Young o Bruce Springsteen. Consiguió lo que Jim Morrison siempre soñó: unir la poesía y el rock como expresión artística. Tras sus inicios en los años setenta como referente del punk neoyorkino, Patti Smith ha publicado una espléndida discografía, marcada por la fuerza de sus letras y su música.

 Patricia Lee Smith, más conocida como “Patti Smith”, nació en Chicago el 30 de diciembre de 1946, aunque con cuatro años su familia se mudó a Philadelphia y después a un pequeño pueblo del sur del estado de New Jersey. Su padre, Grant, era operario de fábrica y ávido lector, y su madre, Beverly, una camarera muy aficionada al jazz y los cuentos, además de Testigo de Jehová, por lo que transmitió a su hija el gusto por la música y la fantasía y una intensa religiosidad. Patti Smith fue sin embargo crítica con las religiones convencionales y sentía atracción por la filosofía tibetana. Tras finalizar sus estudios de bachillerato, estudió para profesora de Arte en el Glassboro State Teachers College, al tiempo que trabajaba durante los veranos en una fábrica. En 1967, Patti quedó embarazada y tuvo que dejar los estudios. Tras dar a luz y ceder en adopción a su hijo, decidió mudarse a la cercana ciudad de Nueva York para triunfar en el mundo de las artes, que había conocido alternando con estudiantes beatniks de la Universidad de Philadelphia.

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Patti Smith con Robert Mapplethorpe

En Nueva York, Patti trabajó en una librería y conoció al fotógrafo Robert Mapplethorpe (1946-1989), artista que será una gran influencia en su vida, además de su pareja durante un tiempo. Ambos vivieron en el célebre Hotel Chelsea y entraron en contacto con el mundo artístico neoyorkino. En 1969, Patti viajó a París con su hermana Linda y durante seis meses se ganó la vida como artista callejera. En Francia, pudo acercarse a la obra de varios de sus grandes ídolos artísticos, como los poetas Baudelaire, Rimbaud y Jean Genet, el iniciador del surrealismo André Breton, el dramaturgo Antonin Artaud o el cineasta Jean-Luc Godard. Otros de sus poetas preferidos eran William Blake y William Bourroughs. En esta época, falleció el miembro fundador de The Rolling Stones, Brian Jones, al que Patti dedicó varios poemas. De vuelta en Nueva York, se dedicó a pintar, escribir y participar en proyectos teatrales y cinematográficos. En los inicios de los años setenta, Patti escribió y representó la obra teatral Cowboy Mouth junto al escritor Sam Shepard, con el que tuvo una fugaz relación. También fue autora de varias canciones para el grupo de rock The Blue Öyster Cult y colaboró con revistas como Rolling Stone y Creem. Entre los ídolos musicales de Patti Smith estaban Bob Dylan, The Rolling Stones, Marianne Faithfull, Jim Morrison, Grateful Dead y Jimi Hendrix, aunque también le gustaban el soul y el blues americano y la música clásica. La muerte de Hendrix, Morrison y Joplin la impulsó a dedicarse de lleno a la música. Además, publicó sus primeros libros de poemas: Seventh Heaven, Early Morning Dream y Witt. En la portada de su libro Witt (Gotham Book Mart, 1973), aparecía una fotografía de la artista realizada por Robert Mapplethorpe.

 Witt - Libro de poemas

El libro de poemas Witt

En esta época, Patti Smith comenzó a acompañar sus recitales de poesía con la guitarra de su amigo Lenny Kaye (1946), crítico musical y compositor neoyorkino licenciado en Historia Americana. Su primera aparición juntos fue en 1971, en la Iglesia Episcopal de Saint Mark´s in the Bowery, en la celebración del aniversario de Bertold Brecht, pero sería a partir de 1973 cuando Patti comenzó a cantar sus poemas y pensar en una carrera como artista de rock, a sugerencia de su amiga Jane Friedman, que se convirtió en su manager. Con el creciente éxito de sus actuaciones públicas, Patti reclutó al pianista Richard Sohl (1953-1990) y en junio de 1974 grabó su primer disco sencillo en los estudios Electric Ladyland de Nueva York, junto a Sohl, Kaye y su amigo Tom Verlaine (líder del grupo Television) a la guitarra solista. Producido por Kaye para el sello Mer y financiado por Mapplethorpe, el sencillo fue un adelanto del concepto artístico de Patti Smith e incluía una particular versión del clásico “Hey Joe”, con recitado de un poema dedicado a Patty Hearst, y “Piss the Factory”, tema de Smith y Sohl basado en la experiencia de la cantante como trabajadora de una línea de ensamblaje en una fábrica. En 1977, el sello Arista reeditaría esta obra protopunk con portada ilustrada con una fotografía de Patti.

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El primer disco sencillo

Tras esta grabación, el trío viajó a California para actuar en el Fillmore West de San Francisco.  A su vuelta, Patti Smith incorporó a su grupo al bajista Ivan Kral (1948), músico de origen checoslovaco, y en la primavera de 1975 triunfaron en el mítico club CBGB junto a otros pioneros del punk neoyorkino como The Ramones, Television o Blondie. La repercusión de sus actuaciones llamó la atención del productor Clive Davies, que contrató al grupo para su nuevo sello, Arista. Con la incorporación del baterista Jay Dee Daugherty (1952) se completó The Patti Smith Group, que grabó su primer álbum, Horses, en los estudios Electric Lady de Nueva York. Horses fue producido por el músico John Cale, exmiembro de la Velvet Underground, y salió a la venta en diciembre de 1975. En la portada, aparecía una fotografía de Patti Smith tomada por Robert Mapplethorpe, con la artista luciendo camisa blanca y corbata y aspecto andrógino desafiante, a pesar de su delgadez. Con este álbum, Patti Smith consiguió proyectar su obra poética con la fuerza primaria del rock y ejerció una enorme influencia en muchos músicos que iniciaban su carrera por entonces.

Horses

Portada del disco Horses

Horses se abre con una visceral versión del tema Gloria de Van Morrison, introducida con un verso de Patti que decía “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no por los míos”. En algunos de los temas, colaboraron los guitarristas Tom Verlaine y Allan Lannier, miembro de The Blue Oyster Cult que por entonces era su pareja. En enero de 1976, salió un sencillo con el tema Gloria y una versión en directo de “My Generation” de The Who. En el 30 aniversario de la aparición de Horses, Patti Smith grabó en directo el repertorio completo del álbum, con la colaboración del guitarrista Tom Verlaine y el bajista de Red Hot Chili Peppers, Flea. Esta grabación se publicó en 2005 junto con el álbum original digitalizado, con el título Horses/Horses.

 Patti Smith Group mediados setenta

The Patti Smith Group

Tras el enorme impacto de Horses, que presentaron en Londres en la época de la eclosión del punk británico, Patti Smith se estrelló con su siguiente álbum, Radio Ethiopia, publicado en octubre de 1976. Esta obra, producida por Jack Douglas, recibió fuertes críticas por intensificar el sonido de las guitarras para adaptarlo a las nuevas tendencias del punk-rock, en detrimento de la particular interpretación de Patti. Radio Ethiopia se grabó en los estudios Record Plant de Nueva York y muchos de los temas fueron compuestos por Patti Smith junto al bajista Ivan Kral. Radio Ethiopia fue dedicada por Patti a sus ídolos el poeta simbolista Arthur Rimbaud y el escultor rumano Constantin Brancusi. En esta ocasión, la portada fue realizada por Judy Linn. Por desgracia, en enero de 1977 Patti se rompió dos vértebras del cuello tras caer accidentalmente del escenario en un concierto en Tampa (Florida) y tuvo que pasar una buena temporada de convalecencia. El parón le sirvió a la artista para preparar las canciones de un nuevo álbum, Easter, que sería un éxito comercial, gracias a su estilo más convencional, aunque sin perder la energía poética e interpretativa de Patti Smith, que incidió en la temática trascendental y religiosa en la letra de sus canciones. Publicado en marzo de 1978, Easter es una obra madura, que contenía el famoso tema “Because the Night”, compuesto junto al cantante Bruce Springsteen, además de otros temas impactantes como “Rock & Roll Nigger” o “Space Monkey”. En esta ocasión, el teclista Richard Sohl, al parecer por causa de una enfermedad, fue sustituido por Bruce Brody.

Radio EthiopiaEaster

Los discos Radio Ethiopia y Easter

En 1978, se publicó también el EP Set Free, que incluía dos temas de estudio, “Privilege” y “Ask the Angels”, y dos temas registrados en vivo: “25th Floor” (en París) y el poema “Babel Field”, recitado en Londres en el aniversario del nacimiento de Brian Jones.The Patti Smith Group continuó la senda del éxito en su siguiente elepé, Wave, publicado en mayo de 1979, aunque, como ocurrió con Radio Ethiopia, los críticos reprocharon la falta de riesgo tras un disco excelente. Con la producción de Todd Rundgren, tuvieron buena difusión radiofónica los temas “Frederick” y “Dancing Barefoot”, ambos dedicados por Patti Smith a su nueva pareja, Fred Sonic Smith (Fred Dewey Smith, 1949-1994), antiguo guitarrista del grupo de Detroit MC5. Además, se incluía una versión de “So You Want to Be (a Rock and Roll Star)”, de The Byrds. Poco después de la publicación de este álbum, The Patti Smith Group se disolvió, despidiéndose del público en un concierto celebrado en la ciudad italiana de Florencia, ante 70.000 personas. En 1980, la cantante se casó con Fred Sonic Smith, con el que se trasladó a Detroit y tuvo dos hijos: Jackson (1982) –que se casaría en 2009 con Meg White, componente de The White Stripes–, y Jesse (1987).

 WaveSet Free

Los elepés Radio Ethiopia, Easter y Wave y el EP Set Free

El semiretiro artístico de Patti Smith concluyó en junio de 1988, con la publicación de Dream of Life, álbum de agradable escucha con un excelente repertorio compuesto por la cantante y poeta junto a su marido, Fred Sonic Smith, que también se encargó de tocar la guitarra y de la producción de la grabación, junto a Jimmy Iovine. Para la grabación, Patti Smith recuperó a sus excompañeros Richard Sohl y Jay Dee Daugherty y contó con la colaboración de numerosos músicos. El gran éxito de este disco fue sin duda el tema de apertura, “People Have the Power”, que se convirtió en un auténtico himno libertario. También destaca la preciosa balada dedicada a su hijo, The Jackson Song. Tras este álbum, Patti Smith volvió a su vida familiar, que se vio truncada en 1994, con la muerte de Fred Sonic Smith y de su hermano Todd. Años antes, habían fallecido Robert Mapplethorpe (en 1989) y el teclista Richard Sohl (en 1990). Para superar el trance, Patti Smith se volcó en su arte y en el verano de 1995 inició la grabación de un nuevo disco en los estudios Electric Ladyland (donde grabó su mítico Horses) con la colaboración de sus viejos compañeros Lenny Kaye y Jay Dee Daughtery y de dos nuevos músicos: el bajista Tony Sanahan y el guitarrista Oliver Ray (1973).

Patti y Fred Sonic SmithDream of Life

Patti Smith con Fred “Sonic” Smith y el elepé Dream of Life

Por consejo de sus amigos Michael Stipe (cantante de REM) y el poeta Allen Ginsberg, Patti Smith regresó además a la carretera, con actuaciones por Estados Unidos y Canadá con los músicos anteriormente citados y la colaboración ocasional del teclista Louis Resto. En algunos conciertos, subió al escenario Jackson, el hijo de Patti Smith, que tocaba la guitarra, y en diciembre el grupo realizó una gira junto a su admirado Bob Dylan. En junio de 1996, apareció por fin Gone Again, espléndido álbum marcado por la reciente pérdida de familiares y amigos de la artista, que se refleja en la temática trascendente de las letras. Gone Again fue producido por Lenny Kaye y Malcolm Burne y contó con diversas colaboraciones. El repertorio del álbum se abre de forma brillante con la contundente Gone Again (uno de los temas trabajados por Patti Smith y Fred Sonic Smith antes del fallecimiento de este) y Beneath the Southern Cross (en el que colaboró el cantante Jeff Buckley) y contiene un largo tema dedicado al también desaparecido Kurt Cobain (About a Boy), y otro en recuerdo de Fred Sonic Smith (Farewell Reel). En esta época, Patti Smith regresó a Nueva York con sus hijos y publicó el libro de poemas The Coral Sea, escrito en recuerdo de su amigo Robert Mapplethorpe. Además, el sello Arista sacó a la venta The Patti Smith Masters, una caja con la reedición digital de los cinco álbumes de estudio de la artista (incluyendo temas adicionales en cada uno de ellos), y un cedé extra con una selección de las mejores canciones.

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Patti Smith con Bob Dylan, el elepé Gone Again y la caja The Patti Smith Masters

En septiembre de 1997 apareció Peace and Noise, segundo álbum con su nueva formación acompañante y un nuevo acierto musical, aunque algunos nostálgicos echaron de menos la crudeza que valiera a la artista norteamericana el apodo de “Madrina del punk”. La propia Patti Smith produjo la grabación y compuso la mayoría de los temas junto a Oliver Ray, su nueva pareja. El tema “1959” fue nominado al Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de Rock. Esta canción versaba sobre la invasión china del Tibet, tema muy sensible para Patti Smith, seguidora de la filosofía tibetana desde muy joven. En Peace and Noise, Michael Stipe colaboró como respaldo vocal de Patti Smith en un par de canciones, después de que ambos hubieran escrito a dúo “E-Bow the Letter” para el disco de REM New Adventures in Hi-Fi. A Peace and Noise le siguió Gung Ho, que será el último álbum de Patti Smith para el sello Arista. Publicado en marzo de 2000 y producido por Gil Norton, contiene vigorosos temas como Persuasion o Strange Messengers a pesar de su contenido más convencional que obras anteriores. La curiosidad es que incluyó el tema “New Party”, utilizado en la campaña a las elecciones presidenciales de los Estados Unidos por Ralph Nader, candidato del Partido Verde, al que Patti Smith apoyó entonces. En 2002, Arista publicó el primer recopilatorio de la obra de Patti Smith: Land (1975-2002), doble cedé que incluía un disco con una selección de sus mejores canciones (más una versión inédita del tema When Doves Cry de Prince) y otro con tomas alternativas y versiones en directo. Land estaba dedicado a la memoria de Richard Sohl.

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Los elepés Peace and Noise y Gung Ho y el recopilatorio Land (1975-2002)

Tras dejar el sello Arista, la cantante de Chicago firmó con Columbia Records, con la que publicó en abril de 2004 Trampin´, que tuvo una edición especial con un cedé adicional en vivo (Live aux  Vieilles Charrues). Trampin´es, en mi opinión siempre discutible, la obra más insulsa de la discografía de Patti Smith, solo animada por las guitarras distorsionadas y la épica de los largos temas dedicados a Gandhi y a la guerra de Irak (“Radio Baghdad”). En 2005, Patti Smith recibió en París la Orden de Caballero de las Artes y las Letras, máxima distinción artística francesa, y en 2007 ingresó en el Salón de la Fama del Rock & Roll, en una ceremonia que concluyó con una interpretación de todos los artistas presentes de su tema People Have the Power.

También en 2007, Patti Smith publicó un disco de versiones, Twelve, que incluía temas de sus ídolos de toda la vida y algún descubrimiento posterior: Hendrix, Tears for Fears, Neil Young, The Doors, Allman Brothers, The Rolling Stones, The Beatles, Jefferson Airplane, Bob Dylan, Paul Simon, Nirvana, Stevie Wonder y REM. Aunque flaquea alguna versión, Patti Smith le da un toque muy personal a la mayoría (empezando por Are You Experienced? de Hendrix y Everybody Wants to Rule the World de Tears for Fears) y en su conjunto es un álbum delicioso, que se debe escuchar repetidamente para saborearlo. Para la portada de Twelve, la artista utilizó una fotografía de la pandereta decorada que le regaló Robert Mapplethorpe el día de su 21 cumpleaños, en 1967 y se publicó también un EP con dos versiones de Lou Reed y The Decembrists no incluidos en el elepé. En esta época, Patti Smith participó en los conciertos de protesta contra la Guerra de Irak, el gobierno de George Bush y la política militar israelí, entre otras causas. Por otro lado, Oliver Ray dejó el grupo y en su lugar entraron temporalmente Tom Verlaine y el bajista Flea, hasta que se incorporó como guitarrista Jackson Smith, hijo de Patti.

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Las dos ediciones de Trampin´(sencilla y doble) y el elepé de versiones Twelve

En 2008, se estrenó el documental Patti Smith: Dream of Life, y la cantante publicó la grabación en vivo, en el Queen Elisabeth Hall de Londres, de la lectura de su libro de poemas The Coral Sea, con el acompañamiento musical del guitarrista irlandés Kevin Shields, miembro de The Bloody Valentines. En 2010, su libro autobiográfico Just Kids (Ecco) fue un éxito editorial y le valió el Premio Nacional del Libro (National Book Award). En esta obra, Patti Smith rememoraba sus años de juventud en Nueva York junto a Robert Mapplethorpe. En 2011, la cantante grabó una versión del tema Words of Love de Buddy Holly para un cedé conmemorativo del 75 aniversario del nacimiento del legendario artista. En junio de 2012 salió a la venta su último disco hasta la fecha, Banga (nombre extraído del libro de Mijail Bulgakov El maestro y Margarita), que ha recibido el aplauso de crítica y público. En este álbum, Patti Smith dedica un tema a la desaparecida Amy Winehouse (“This is the Girl”) y a su amigo Johnny Depp (“Nine”), que toca la guitarra y la batería en “Banga”. También colaboraron como instrumentistas los dos hijos de Patti Smith: Jackson a la guitarra y Jesse al piano. En el otoño de 2012, Patti Smith compartió gira con su amigo Neil Young, por entonces de promoción de su nuevo disco Americana.

Patti Smith & Kevin Shields - The Coral SeaBangaJust Kids - libro autobiográfico

Arriba, los elepés The Coral Sea y Banga y el libro autobiográfico Just Kids

El videoclip de “People Have the Power”

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¡FELIZ 5º ANIVERSARIO DE CLÁSICOS DEL ROCK!

Publicado por siganmelosbuenos en mayo 28, 2012

Queridos amantes del rock:

En el mes de marzo de 2007 inauguré este blog dedicado a los grandes clásicos del rock, como complemento al programa de radio RUTA 66 que por entonces realizaba en la emisora Radio Enlace de Madrid. El programa radiofónico pasó a la historia (aunque no descarto recuperarlo en algún momento) pero vuestra fidelidad a los contenidos de Clásicos del Rock! ha mantenido vivo el blog después de cinco años de existencia, con una media de más de 130 visitas diarias. Las secciones Museo de Portadas 1965-1970 y Colección de Entradas siguen teniendo un gran éxito entre vosotros, y por ello intentaré seguir aumentando las colecciones en el futuro. Además, para celebrar nuestro 5º aniversario, en breve inauguraremos una nueva sección de portadas de discos dedicada a la música pop-rock española (Las Mejores Portadas del Rock Español).

En lo que respecta a los artículos biográficos sobre algunos de nuestros grupos favoritos de la historia del rock, hay evidentes preferencias entre vosotros y vosotras. Los primeros artículos publicados en marzo de 2007 estaban dedicados a Arthur Lee + Love, Mike Bloomfield + Al Kooper y The Faces, pero en estos cinco años, el top-5 de artículos más leídos es el siguiente:

1 – STEVIE RAY VAUGHAN

2 – JOE COCKER With a Little Help From My Friends

3 – BON SCOTT

4 – SANDY DENNY + FAIRPORT CONVENTION

5 – ALVIN LEE + TEN YEARS AFTER

En los próximos meses, incluiremos un nuevo artículo, dedicado en esta ocasión a la multifacética cantante norteamericana Patti Smith. Pero tened paciencia, porque no siempre cuento con el tiempo que quisiera dedicarle al blog.

Un abrazo a todos y todas y gracias por seguir ahí. Por supuesto, ya sabéis que estamos abiertos a vuestras sugerencias.

Nacho Ramos

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VAN MORRISON + THEM

Publicado por siganmelosbuenos en abril 20, 2012

 

El cantante, saxofonista y armonicista irlandés Van Morrison inició su dilatada y exitosa carrera artística al frente del grupo Them, entre 1964 y 1966. Aunque el éxito discográfico de esta formación de Belfast fue discreto, su eléctrica revisión del blues y el soul americano y la carismática interpretación de Morrison se convirtieron en una referencia para los grupos de garage anglosajones y para jóvenes artistas de la época, como Jim Morrison o Bon Scott. Gloria, Baby, Please Don´t Go o Here Comes the Night son temas inmortales que, casi cincuenta años después, suenan con la misma fuerza de antaño.

El grupo Them se formó en la ciudad norirlandesa de Belfast en abril de 1964, cuando el cantante, saxofonista y armonicista George Ivan Morrison (Belfast, 1945), más conocido como “Van Morrison”, se unió a los miembros de The Gamblers, el baterista Ronnie Millings (1937), el guitarrista y cantante Billy Harrison (1942), el bajista Alan Henderson (1944) y el teclista Eric Wrixon (1947). A pesar de su juventud (18 años), Van Morrison conocía de sobra a los grandes clásicos del soul, el blues y el jazz y había tocado con el grupo The Monarchs por Gran Bretaña y Alemania. Tras algunos ensayos, la nueva formación se bautizó como “Them” (a propuesta de Wrixon, en honor a la película de ciencia-ficción de serie B de los años 50 Them!) y debutó en el club del Hotel Maritime de Belfast, con Morrison y Harrison alternando en las voces. Desde el primer momento, los Them causaron sensación con sus energéticos directos y la fuerza de Morrison para interpretar los clásicos del soul y el blues. No en vano, en sus actuaciones en el Maritime se comenzó a forjar la leyenda del tema Gloria, que ya por entonces extendían en directo hasta los veinte minutos.

El éxito de Them en Belfast llegó a oídos del productor del sello Decca, Dick Rowe, a través de Phil Solomon, manager del grupo. Rowe se acercó hasta el Maritime para verlos actuar y enseguida les ofreció un contrato de grabación. Al poco tiempo, los miembros de Them viajaron a Londres y el 5 de julio registraron sus primeros temas, con el refuerzo de los músicos de estudio Bobby Graham a la segunda batería y Arthur Greenslade al órgano. Las grabaciones incluyeron varias de las versiones que tocaban en directo (Turn on Your Love Light, Groovin’, Don’t Start Crying Now y You Can’t Judge a Book by Its Cover)y los primeros temas compuestos por Van Morrison (Gloria, One Two Brown Eyes y Philosophy). Después de estas primeras sesiones, Eric Wrixon, que todavía era menor de edad, regresó a Belfast sin firmar el contrato, por lo que fue sustituido en los teclados por Pat McAuley (1944). Wrixon sería años después fundador de otro mítico grupo irlandés, Thin Lizzy.

El sencillo con los temas Gloria y Baby Please Don´t Go

El 4 de septiembre salió a la venta el primer sencillo de Them, con Don´t Start Crying Now, del bluesman Slim Harpo, y One Two Brown Eyes, de Morrison, aunque el disco no tuvo apenas resonancia. En octubre, el grupo volvió a los estudios para grabar nuevas canciones, entre ellas la electrizante versión de Baby Please Don´t Go de Big Joe Williams. En esta grabación, se dice que participó como guitarrista de sesión Jimmy Page (aunque todavía no ha quedado claro si como solista o como guitarra rítmica). El 6 de noviembre, apareció el segundo sencillo de Them con sus dos temas más impactantes: Baby Please Don´t Go y Gloria. El disco llegó al número 10 de las listas británicas y en diciembre el grupo actuó en el popular programa Ready Steady Go!, que acabó adoptando el tema Baby Please Don´t Go como sintonía. En esta época, Pat McAuley pasó temporalmente a la batería, en sustitución de Millings, que dejó la formación, y su hermano Jackie McAuley se ocupó de los teclados.

Extended Play con cuatro canciones (edición británica y edición francesa)

En febrero de 1965, Decca sacó a la venta un EP con cuatro temas de Them: tres de sencillos anteriores (Don’t Start Crying Now, Baby Please Don’t Go y One Two Brown Eyes) y el inédito Philosophy. Al mes siguiente, Them consiguió su mayor éxito discográfico con Here Comes the Night, tema que había interpretado sin éxito la cantante escocesa Lulu poco antes, y que había sido compuesto por el nuevo productor de Them, Bert Berns. Here Comes the Night (con All For Myself en la cara B) llegó al número 2 de las listas británicas y se coló en las estadounidenses durante diez semanas. Poco después, Jackie McAuley fue sustituido por el teclista Peter Bardens (1944), que había colaborado en alguna grabación del grupo. El 11 de junio, sale por fin el primer disco de larga duración de Them, con el sello Decca: THE ANGRY YOUNG THEM! Esta obra alterna temas de Morrison (el clásico Gloria y cinco nuevas composiciones, de las que destaca Mystic Eyes), con los temas del dúo Bert Berns-Wes Farrel y tres versiones de blues favoritos de Morrison: Don´t Look Back de J.L.Hooker, Bright Lights Big Cities de B.B.Broonzy y Route 66 de Bobby Troup. En julio, el disco es editado por el sello Parrot en Estados Unidos, con alguna variación en el repertorio.

El primer LP: Angry Young Them (edición británica y estadounidense)

En esta época, se suceden los cambios en la formación: Pat McAuley y el guitarrista Billy Harrison dejan su puesto a Terry Noon y Joe Baldi (1943); en agosto Bardens abandona para formar Shotgun Express y Noon es sustituido por Jim Armstrong (1944). Finalmente, en septiembre se incorporan el multinstrumentista Ray Elliot (1944) y el baterista John Wilson (1947), quien será reemplazado al año siguiente por David Harvey (1943). Al tiempo, los antiguos miembros de Them Billy Harrison y Pat Mc Auley crean un nuevo grupo con el mismo nombre (Them), que actuó por su cuenta hasta que perdieron la batalla legal con sus excompañeros en marzo de 1966 (los hermanos McAuley se presentaron desde entonces como Other Them y grabaron un notable disco en Suecia, producido por Kim Fowley, con el nombre de “The Belfast Gypsies”). En noviembre, Mystic Eyes apareció en disco sencillo en Gran Bretaña y Estados Unidos, y el 21 de enero de 1966 salió a la venta en Gran Bretaña el nuevo LP de los Them de Van Morrison: THEM AGAIN, producido por Tommy Scott (que aportó además algunos temas). Destacan nuevas composiciones de Morrison como My Lonely Sad Eyes y Hey Girl, la regrabación del éxito de Bobby Bland Turn On Your Love Light, y versiones de Bob Dylan, Ray Charles, Fats Domino y James Brown. En abril, el disco fue publicado en Estados Unidos y la reedición del tema Gloria se convirtió en un himno para los grupos de garage-rock del país (impulsada por el éxito de la versión del grupo americano Shadows of Knight).

El segundo LP: Them Again (edición británica y estadounidense)

En mayo, Them viajaron de gira a California y actuaron entre el 30 de mayo y el 18 de junio en el conocido local Whiskey a Go Go de Los Angeles. La última semana, el grupo local The Doors (por entonces en los inicios de su carrera) actuó de telonero de Them, y la noche de despedida ambos grupos tocaron juntos sobre el escenario, interpretando memorables versiones de Gloria y In the Midnight Hour. El carisma de Van Morrison causó un enorme impacto en Jim Morrison, cantante que compartía con su colega irlandés el mismo apellido. Más tarde, Them tocaron en el Fillmore West de San Francisco y viajaron hasta Hawai. Sin embargo, la gira por Estados Unidos provocó disputas internas y una vez concluida a principios de septiembre, Morrison y Henderson volvieron a Londres, mientras Harvey, Armstrong y Elliot se quedaron un tiempo en Estados Unidos.

 

Los dos Morrison (Van y Jim) juntos sobre el escenario del Whiskey a Go Go

Poco después, Morrison abandonó definitivamente a sus compañeros y formó Van Morrison and Them Again con el fantástico guitarrista Eric Bell (fundador con Eric Wrixon de Thin Lizzy, un par de años después),  el baterista Joe Hanratty y el bajista Mike Brown. El nuevo grupo tocó en varias ciudades irlandesas, pero no funcionó mucho tiempo. El último sencillo de Them, con la versión de Richard Cory de Paul Simon tampoco tuvo mucho éxito. Mientras tanto, Henderson, Armstrong, Harvey y Elliot decidieron continuar como Them y reclutaron a Ken McDowell (1944) como nuevo cantante. En los primeros meses de 1967, el sello Major Minor publicó en Gran Bretaña dos sencillos con temas grabados por la extinguida formación Them: Gloria/Friday´s Child y The Story of Them (Parts 1 & 2). Por entonces, Van Morrison se desplazó a Nueva York, invitado por su antiguo productor Bert Berns para grabar en su sello Bang Records.

 

El primer álbum en solitario de Van Morrison (Blowin´ Your Mind!)

El primer resultado fue el éxito del tema Brown Eyed Girl, número 10 en las listas norteamericanas en el mes de junio. Pero ante la sorpresa de Morrison, los ocho temas que grabó en marzo de 1967 en los estudios A&R de Nueva York fueron editados, sin su conocimiento, en un disco de larga duración, en vez de en cuatro discos sencillos, como estaba previsto. El álbum apareció en con el título Blowin´Your Mind! Tras la muerte de Berns en diciembre de ese año, Morrison fichó con el sello Warner Bros para publicar su legendario disco Astral Weeks, aunque para rescindir su contrato con Bang Records tuvo que grabar 36 canciones, que nunca fueron utilizadas, por la intencionada mala calidad de las mismas. Mientras Morrison iniciaba su andadura en solitario, sus excompañeros de Them también se establecieron en Estados Unidos, aunque en la costa opuesta, en California. Allí firmaron con el sello Tower y publicaron dos discos en 1968 (Now and Them y Time Out Time In For Them), con claras influencias de la psicodelia americana de la época: guitarras distorsionadas, sitar, etc. No en vano, compartían sello con gente como Chocolate Watch Band. Sin embargo, el cambio de rumbo no salió bien del todo y Alan Henderson se quedó solo al frente del grupo hasta 1972, con nuevos músicos y dos nuevas grabaciones (Them y Them in Reality). En 1979, consiguió reunirse con los miembros originarios Eric Wrixon y Billy Harrison para grabar el disco Shut Your Mouth.

Now and Them y Time Out Time In, los discos sicodélicos de Them sin Van Morrison

En 1997, se publicó un recopilatorio en dos cedés que reúne casi todas las grabaciones realizadas por Van Morrison con Them (The Story of Them, featuring Van Morrison), un repertorio incomparable de una banda que recogió el legado americano y marcó el camino del rythm and blues posterior junto a The Animals, The Pretty Things o The Rolling Stones. Desde la separación de Van Morrison y Them a finales de 1966, las versiones de los temas Gloria y Baby Please Don´t Go fueron incontables, y algunas de ellas memorables, como las rendidas por The Doors, Patti Smith o AC/DC.

El recopilatorio The Story of Them (featuring Van Morrison)

 

Van Morrison y Them interpretando su mítico tema Gloria en la televisión francesa

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Nuevas portadas para nuestro Museo

Publicado por siganmelosbuenos en febrero 21, 2012

 

Queridos amigos y amigas:

Como los buenos museos, nuestra colección de portadas de discos sigue creciendo poco a poco. He cargado una nueva tanda de más de 30 portadas de grupos que publicaron sus obras entre 1965 y 1970. Todo ello gracias al descubrimiento de una espléndida web: FREEMUSIC07, en la que podéis conocer grupos que merecen una búsqueda. Las portadas seleccionadas son fantásticas y las podéis disfrutar al final de la colección. Un abrazo, y gracias de nuevo por vuestra fidelidad!

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Led Zeppelin en Earl´s Court 1975

Publicado por siganmelosbuenos en febrero 9, 2012

Entrada y cartel de los conciertos de Led Zeppelin en Earl´s Court

Estimados amigos y amigas:

Una seguidora del blog, Marisa López, nos mandó la entrada del concierto que Led Zeppelin ofreció en el Earl´s Court Arena de Londres el domingo 18 de mayo de 1975.  Un lugar conocido para mí, pues allí pude ver a Pink Floyd en 1994 (concierto grabado para el disco y el vídeo en directo Pulse). El caso es que, ante una persona que había tenido el privilegio de ver a los Zeppelin en vivo, no podía por menos que pedirle que nos comentara cómo fue la experiencia.  Para poneros en antecedentes, los conciertos de Led Zeppelin en Londres se celebraron los días 17, 18, 23, 24 y 25 de mayo de 1975, ante unas 85000 personas. Según las crónicas, los conciertos duraban entre 3 y 4 horas. Aquí y aquí tenéis más información sobre estos eventos. Y a continuación, lo que Marisa nos cuenta de aquellas fechas:

“En el año 72 me fui a Londres en busca de John Lennon ya que he sido y soy muy fan de John, pero justamente se acababa de ir a N.Y. En principio, yo no quería ir al concierto de Led Zeppelin, pero mi marido -por aquel entonces mi novio- me lio para ir. Apenas teníamos dinero y vendió un radiocasete que tenía para comprar las entradas. Le dieron 10 libras en una tienda de segunda mano (me había costado 50 libras), pero me dijo que este concierto valía más de las 50 libras. Y así fue como me vi metida en ese concierto, pero no me arrepiento, ya que estaba alucinando, aunque la voz de Robert  Plant estaba bastante ronca pues acababan de venir de la gira americana. Lo que nunca olvidaré fue cuando John Bonham empezó a elevarse con la batería en una plataforma hacia el techo del recinto y a tocar con los puños. Yo creo que todos los que estábamos allí nos quedamos con la boca abierta. Fue un concierto inolvidable. Por todos los medios intenté que a mi hijo le gustaran los Beatles, pero cuando tenía 15 años escuchó el disco del leñador (Led Zeppelin IV) y dijo ¡¡esta es la música que me gusta!! Es posible que el día del concierto mi hijo estuviera en la barriga de su madre”.

Marisa López

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ROBIN TROWER + PROCOL HARUM

Publicado por siganmelosbuenos en febrero 7, 2011

La archifamosa A Whiter Shade of Pale fue la primera canción publicada por la banda británica Procol Harum en 1967 y alcanzó un éxito tan abrumador que desde entonces el resto de la interesantísima discografía de este conjunto nunca fue lo suficientemente valorada. Procol Harum fueron una referencia para el rock progresivo de finales de los sesenta y principios de los setenta con su elegante y apasionada mezcla de soul, rock y música clásica de reminiscencias barrocas. Uno de los pilares fundamentales del sonido de Procol Harum en su época dorada fue el potente tono de la guitarra de Robin Trower, espléndido guitarrista que abandonó el grupo en 1971 para iniciar una prometedora carrera en solitario.

Aunque la banda Procol Harum no nació hasta 1967, tres de sus miembros originales ya tocaban juntos de manera profesional desde 1963 en una banda de rythm and blues denominada THE PARAMOUNTS. El guitarrista Robin Trower (1945) y el cantante y pianista Gary Brooker (1945) formaban parte del grupo desde que un promotor local, Peter Martin, la creara con jóvenes músicos del sudeste de Londres. Ambos estudiaban todavía en el instituto, con lo que The Paramounts no empezaron a despegar hasta que se dieron a conocer en su propio club, bautizado como The Shades, a partir de 1962. Este club lo habían acondicionado ellos mismos en un sótano del local que regentaba el padre de Robin Trower. En las Navidades de 1962, el bajista Chris Copping dejó paso a Diz Derrick y en el otoño de 1963 entró en el grupo el baterista B.J.Wilson (1947-1989), otro de los futuros miembros originales de Procol Harum. Fue por entonces cuando consiguieron un contrato discográfico con el sello Parlophone, y en diciembre de 1963 publicaron su primer sencillo, una versión del clásico de Leiber/Stoller Poison Ivy, que consiguió entrar en las listas de éxitos (nº 35) y los convirtió en un grupo seguido por sus colegas de la “primera división”, entre ellos The Rolling Stones, quienes versionarían la misma canción poco después.

The Paramounts

En años siguientes, grabaron varios sencillos más con versiones de clásicos americanos y actuaron en programas de televisión y como teloneros de importantes formaciones, entre ellos The Beatles, durante la gira de despedida de las estrellas de Liverpool. Sin embargo, aburridos de las exigencias del negocio musical, The Paramounts decidieron disolverse en 1966. Fue entonces cuando Brooker, que era un espléndido cantante y pianista, comenzó a componer sus propios temas con la ayuda del poeta Keith Reid (1946), admirador de Dylan y de la lírica romántica, quien se convirtió desde entonces en compañero inseparable y letrista de toda su obra musical. Ambos consiguieron el apoyo del productor David Platz, quien les puso en contacto con su colega Denny Cordell para que les grabara sus primeras composiciones. Pero primero necesitaban reunir una banda que acompañara instrumentalmente a Gary Brooker, y decidieron bautizarla como PROCOL HARUM, a sugerencia de su entonces mánager, Guy Stevens, que se inspiró en el nombre del gato de una amiga suya. En los primeros meses de 1967 fueron seleccionados para la formación el guitarrista Ray Royer, el organista Matthew Fisher (1946), el bajista David Knights (1945) y el baterista Bobby Harrison.

Las primeras grabaciones del nuevo grupo tuvieron lugar en los Olympic Studios de Londres a finales de marzo. A Whiter Shade of Pale fue la canción elegida para el lanzamiento artístico de Procol Harum, y en su grabación participó a la batería el músico de sesión Bill Eyden, tras fallar el acuerdo del productor para la colaboración del baterista de Jimi Hendrix Experience, Mitch Mitchell. Tras darse a conocer en radio, A Whiter Shade of Pale fue publicado en disco en el mes de mayo por el sello Deram, con la comercial Lime Street Blues en la cara B, al tiempo que Procol Harum se estrenaba en vivo en el club UFO de Londres. Entre el público, se encontraban miembros de The Beatles, que siempre mostraron su admiración por la composición de Brooker y Reid (aunque en 2009 una corte británica concedió a Matthew Fisher su cuota de autoría de este tema, por la importancia de su aportación con el órgano Hammond). Con la singular mezcla de soul y música barroca, A Whiter Shade of Pale llegó al número 1 de las listas británicas y australianas y al 5 en Estados Unidos, aunque el video promocional de esta canción sería censurado en el programa Top of the Pops por contener imágenes de la guerra de Vietnam. El éxito musical permitió a Procol Harum ofrecer diversos conciertos en Londres, y el 4 de junio telonearon a la Jimi Hendrix Experience.

Primer sencillo con A Whiter Shade of Pale

Mientras, la banda había comenzado la grabación de su primer álbum de larga duración en los Olympic Studios, pero el resultado no fue satisfactorio y a mediados de julio el guitarrista Roy Royer y el baterista Bobby Harrison fueron expulsados del grupo. Para sustituirlos, Brooker recurrió entonces a sus viejos compañeros de The Paramounts Robin Trower, que había estado tocando con un trío llamado The Jam, y B.J.Wilson, un as de la batería que también ofrecerá una aportación importante al sonido de la banda. Con ellos se volvieron a grabar, ahora en los Advision Studios, los temas del primer álbum, y juntos realizaron su primera salida al extranjero, actuando en varias ciudades de Francia. A finales del mes de agosto de 1967, Deram editó el álbum de debut de Procol Harum en Estados Unidos (Procol Harum), incluyendo el sencillo A Whiter Shade of Pale, que no aparecería en la tardía edición británica. Poco después, el grupo contrató como nuevo mánager a Tony Secunda (también encargado de sus compatriotas The Move) quien decidió que la estética beat estaba desfasada y les vistió con ropa psicodélica acordes con los tiempos de Sargent Pepper´s. Con el otoño, Procol Harum publicó un segundo sencillo de éxito, Homburg, que llegó al número 6 de las listas británicas y al número 1 de las italianas. El éxito en Italia propició una edición especial de su primer álbum, con una versión en italiano del tema Shine on Brightly, que aparecería en el segundo álbum de Procol Harum.

En el otoño, Procol Harum atravesaron el Atlántico para tocar en Nueva York y después en California, donde compartieron cartel en el Shrine Theatre de Los Angeles con Love y en los míticos Fillmore West y Winterland de San Francisco con The Doors y los Pink Floyd de Syd Barret. A principios de 1968, apareció por fin la edición británica del primer álbum de Procol Harum, editada por Regal Zonophone, aunque no obtuvo la respuesta esperada, a pesar de contener en su primera cara una buena colección de temas del tándem Brooker-Reid, como Conquistador, inspirado en el Quijote de Cervantes, la ligera pero deliciosa She Wandered Through the Garden Fence o la magnífica Cerdes, en la que Robin Trower empezó a mostrar el potente tono de su Gibson junto a los teclados y a la batería de B.J.Wilson. En la segunda cara aparecía la magnífica aportación clásica de Matthew Fisher en Repent Walpurgis, con una nueva exhibición del magnífico sonido de Trower a la guitarra, aunque el álbum flojea en Kaleidoscope, Good Captain Clack y el tema Salad Days (Are Here Again) escrito para la película avant-garde de Jack Bond Separation, protagonizada por Jane Arden. En cualquier caso, una obra de sorprendente madurez para unos chicos de apenas 21 años, que de la noche a la mañana se convirtieron en un grupo de referencia del llamado art-rock británico.

El primer álbum: Procol Harum (1967) 

En marzo de 1968, Procol Harum publicó un sencillo con el tema Quite Rightly So, una pomposa creación de Reid, Brooker y Fisher, anticipo de su nuevo repertorio que se acompañó en la cara B de la segunda canción con letra inspirada en el Quijote de Cervantes, In the Wee Small Hours of Sixpence. En meses siguientes, se completó en los Olympic Studios el segundo álbum de la banda, que contó con un presupuesto más elevado que el de debut y se registró en estéreo. En las sesiones de grabación, el productor Denny Cordell delegó sus labores en dos colaboradores de excepción: el ingeniero Glyn Johns y el asistente Tony Visconti (futuro productor de T-Rex y David Bowie). No obstante, Cordell recurrió al baterista B.J.Wilson y al teclista Matthew Fisher para participar en algunos temas del extraordinario primer disco del cantante Joe Cocker, que también producía por entonces. Así, Fisher puso su órgano Hammond al servicio de la versión del tema de Bob Dylan Just Like a Woman, mientras B.J.Wilson tuvo la suerte de ser el baterista de la mítica versión del clásico de los Beatles With a Little Help From My Friends.  En este tema, participó también Jimmy Page, del que se dice invitó a Wilson a unirse a su proyecto de nueva formación de The Yardbirds, que acabó mutándose en Led Zeppelin.

A finales de agosto, la banda regresó a los Estados Unidos para una larga gira que les llevó a recorrer el país de costa a costa hasta final de año, alternando con las bandas punteras del rock y la psicodelia en las principales salas del país y en los festivales de Oakland, San Francisco o Miami. Aprovechando el inicio de la gira, el sello A&M publicó en Estados Unidos el segundo álbum de Procol Harum, Shine On Brightly, que no apareció en Gran Bretaña hasta diciembre. La nueva entrega ofrecía sin embargo pocas novedades musicales en su primera cara, a pesar de contener algunos temas de mérito. La sorpresa llegaba en la cara B, que se ocupó –con excepción del primer tema, Magdalene– con una suite de cinco partes titulada In Held Twas In I, que supuso todo una muestra de arte experimental y una gran influencia para grupos de rock progresivo y para óperas-rock como Tommy, de The Who. Keith Reid se inspiró en la mística oriental para sus letras y Fisher colaboró en la composición y cantó por primera vez para Procol Harum en una de las partes.

Ediciones británica y norteamericana de Shine On Brightly (1968)

Con motivo de su éxito en Estados Unidos y sus frecuentes giras por este país, Procol Harum decidió grabar su tercer álbum en los estudios de A&M en Los Angeles. Sin embargo, los primeros registros no convencieron, y en enero de 1969 reiniciaron las grabaciones en los estudios Abbey Road de EMI, con la ayuda del reconocido ingeniero de sonido Ken Scott y la producción del propio Matthew Fisher, cada vez más interesado en esta faceta del negocio musical. En el mes de abril, presentaron sus nuevas canciones en Estados Unidos y Canadá, de nuevo en conciertos masivos y junto a los más grandes grupos de la época. Por desgracia, decidieron no participar a mediados de agosto en el legendario festival de Woodstock, al que habían sido invitados, y regresaron a Inglaterra, entre otras cosas porque la mujer de Trower estaba a punto de dar a luz. Mientras tanto, en junio había salido a la venta su nuevo álbum, A Salty Dog, considerada la obra maestra del grupo, por entonces en la cumbre de su carrera. Especialmente alabado fue el tema que daba título al disco y que había sido publicado en sencillo un mes antes, con la potente Long Gone Geek en la cara B. A Salty Dog es una excelente composición musical de Brooker, que se encargó además de los preciosos arreglos orquestales y de interpretar con su habitual elegancia la singular letra de Reid. Brooker también destaca en otra grandiosa composición: All This and More, que encantó a George Harrison, quieninvitó a su colega a tocar el piano en su primer álbum en solitario.

Por primera vez, Trower entró en la composición en los temas Juicy John Pink, un blues al más puro estilo de Muddy Waters muy bien acompañado por Brooker a la voz y harmónica, y Crucification Lane, que el propio guitarrista se atrevió a cantar. Además, Trower se luce también en la delicada canción acústica Too Much Between Us y con el fantástico baterista B.J.Wilson en The Devil Came From Kansas, un clásico de las actuaciones en directo de Procol Harum desde entonces. Una sorpresa alegre y original fue el tema Boredom, en el que Fisher tocó la guitarra acústica y la marimba y cantó junto a Brooker. Fisher se atrevió además a cantar en sus dos temas: la preciosa balada Pilgrim´s Progress y Wreck of the Hesperus, composición que él mismo orquestó y que la banda estrenó en vivo con orquesta incluida en el Stratford Festival de Ontario (Canadá) el 6 de julio de 1969. Era la primera vez que un conjunto de rock se acompañaba de orquesta en un concierto. En definitiva, una obra que mostró a todos los miembros originales de Procol Harum en su momento álgido de creatividad, aunque el equilibrio se rompería enseguida, pues tras regresar de Estados Unidos, Fisher decidió dejar la banda, cansado de las extenuantes giras a uno y otro lado del Atlántico, aunque continuaría colaborando con sus compañeros como productor. Poco después, el bajista David Knights siguió sus pasos. Para sustituir a las dos bajas, Brooker mató dos pájaros de un tiro al reclutar a otro de sus compañeros en The Paramounts, Chris Copping, que se encargará desde entonces de tocar con teclados tanto el órgano como el bajo (como hacía Ray Manzarek en The Doors).

A Salty Dog (1970)

En el otoño de 1969, el grupo grabó varias canciones para un nuevo álbum en los Trident Studios, con la producción de Matthew Fisher, pero como ocurriera en otra ocasión, el resultado no gustó y fueron eliminadas. La banda entró entonces en una pequeña crisis de identidad y pasaron varios meses en busca del camino musical que seguirían a partir de entonces, hasta que por fin comenzaron a trabajar con un nuevo productor, Chris Thomas, que había trabajado con George Martin en el White Album de The Beatles. En la primavera de 1970, grabaron en los estudios Abbey Road su cuarto álbum, Home, con un sonido menos barroco, tras la salida de Fisher, y mucho más rockero, con mayor presencia de la guitarra de Robin Trower. El 5 de junio, presentaron su nueva obra en el Lyceum Theatre de Londres, encabezando un cartel que incluía la actuación de Argent (el grupo de Rod Argent tras la disolución de The Zombies) y el debut en la ciudad de Supertramp (con un jovencísimo Roger Hogdson en sus filas). Ese mismo mes se publicó el álbum en Reino Unido (Regal Zonophone) y al mes siguiente en Estados Unidos (A&M), aprovechando la nueva gira de la banda por el país. En agosto, Procol Harum participaron en el legendario festival de la Isla de Wight y poco después actuaron en Alemania. En Berlín, llegaron a actuar justo después de Jimi Hendrix, poco antes del trágico fallecimiento del guitarrista.

Home (1971)

El nuevo álbum Home no consiguió demasiada repercusión a pesar del notable giro rockero, que se manifiesta de forma contundente en el primer corte, Whiskey Train, compuesto por Trower y que fue publicado como sencillo en Estados Unidos. El guitarrista de Procol Harum pudo por fin desplegar su virtuosismo técnico y no limitarse a lucir el fantástico tono y emoción que extraía de su guitarra Gibson. Brooker sigue interpretando magistralmente los tiempos lentos, como en la tenebrosa Dead Man´s Dream o en Nothing That I Didn´t Know, mientras B.J.Wilson aporta el ritmo que hacía falta a los temas Still There´ll Be More y About to Die. Casi al final del álbum, emerge la enorme fuerza musical y dramática de Whaling Stories, con un Trower fantástico en el solo de guitarra. La alegre Your Own Choice cierra de manera optimista otra obra maestra de Procol Harum.

Durante la grabación de Home, los miembros de Procol Harum solían calentar motores interpretando muchos de los clásicos de rythm and blues americano que tocaban en sus tiempos como The Paramounts. Y tras la gira americana del verano de 1970, la banda registró en Abbey Road, en una sola noche, una colección de versiones de este antiguo repertorio. Chris Thomas mezcló doce temas para un futuro álbum (con obras de Jerry Lee Lewis, Domino, Perkins, Richard, entre otros), pero los másteres se perdieron y el proyecto se abandonó. Por suerte, a finales de los años noventa se encontraron unas copias de las grabaciones y en 1997 se publicó el álbum Ain´t Nothing to Get Excited About, con el grupo utilizando el nombre de Liquorice John Death, en honor de un antiguo amigo llamado Dave Mundy, que había propuesto este nombre para sus colegas, en vez de The Paramounts. Además, se incluyó un tema compuesto por el grupo titulado Well I… y para la portada se utilizó la que pintó el propio Mundy para un posible álbum de Liquorice John Death, con el título Ain´t Nothing to Get Excited About. Esta portada se encontró entre las pertenencias que Mundy dejó en herencia a Robin Trower en 1972, antes de suicidarse. Procol Harum también homenajeó a Mundy en su disco Gran Hotel de 1973, en la canción For Liquorice John.

El álbum como Liquorice John Death

Entre febrero y marzo de 1971, la banda británica grabó los temas de su quinto álbum en los estudios AIR de Londres, de nuevo con Chris Thomas en la producción. En la nueva obra, Broken Barricades, la presencia del sonido de órgano tan característico de los inicios de la banda quedó reducida al mínimo, aunque Thomas introdujo el uso del sintetizador Moog, muy presente en el tema que da título al álbum. De nuevo, Robin Trower asumió gran parte del peso instrumental de la grabación, y contribuyó además con tres composiciones en esta ocasión. Uno de ellos fue un homenaje al recientemente fallecido Jimi Hendrix, con letra de Keith Reid, titulado Song For a Dreamer, cantada por el propio Trower y con un sonido cósmico de guitarra al estilo mostrado por su idolatrado colega en Electric Ladyland. Los otros dos temas: Memorial Drive y Poor Mohamed, desvelan el gusto de Trower por los riffs pesados, que también despliega acompañado de vientos en Playmate of the Mouth. Brooker aportó una vez más su fuerza expresiva y una espléndida colección de canciones, con las misteriosas letras de su inseparable Reid, mostrando su talento tanto en descargas rockeras  como la extraordinaria y épica Simple Sister que abre el disco, como en baladas como Broken Barricades o en la delicia orquestada Luskus Delph. B.J.Wilson también tendrá su oportunidad de lucirse con un interludio de batería en Power Failure.

Broken Barricades se publicó en Reino Unido en julio de 1971 con el sello Chrysalis y en Estados Unidos con A&M. Un tiempo después de su publicación, Trower dejó la banda para iniciar su carrera en solitario y formó el grupo JUDE con el cantante Frankie Miller, el bajista James Dewar y el baterista Clive Bunker (ex Jethro Tull), aunque el proyecto no salió demasiado bien. Mientras, Trower fue sustituido por Dave J.Ball (1950), que participó en la enésima gira del grupo por Norteamérica y en la grabación en vivo en el Northern Alberta Jubilee Auditorium de Edmonton (Canadá) en noviembre de 1971 de Procol Harum Live with the Edmonton Symphony Orchestra, aunque dejó la formación durante la grabación del sexto disco de Procol Harum, Gran Hotel, por lo que fue relevado por Mick Grabham. En este registro en vivo participó también el nuevo bajista Alan Cartwright (1945), que permitió a Copping centrarse en su labor como organista. Procol Harum Live, que ofrecía una selección de temas de la banda británica con acompañamiento de orquesta llegó sorpresivamente a disco de oro y su versión de Conquistador fue un éxito absoluto.

  Broken Barricades y el directo Procol Harum Live (1972)

Robin Trower no pudo disfrutar de este triunfo discográfico, pero no tardaría en obtener el suyo propio. En 1973, reformó su banda: mantuvo solo al bajista Jim Dewar, que además pasó a ejercer con acierto de cantante en sustitución de Miller, e incorporó a la formación al baterista Reg Isidore. El grupo se bautizó como THE ROBIN TROWER BAND, y debutó ese mismo año con el álbum Twice Removed From Yesterday (Chrysalis), producido por su excompañero Matthew Fisher. A pesar de las críticas por las evidentes influencias de Jimi Hendrix en las composiciones y estilo de Trower, que cambió su antigua Gibson por una Fender Stratocaster, cada uno de los temas es una auténtica maravilla, con un convicente Jim Dewar como cantante, y el álbum fascinó a críticos y aficionados y llegó a disco de oro en Estados Unidos. El guitarrista se superó al año siguiente con Bridge of Sighs, considerada su obra maestra y que contó de nuevo con la producción de Fisher y el trabajo del ingeniero de sonido de The Beatles, Geoff Emerick. Desde entonces, los éxitos se sucedieron, mientras Procol Harum se disolvía en 1977, tras su décimo álbum. Sin embargo, en 1991 Trower se volvió a reunir con sus compañeros de Procol Harum (Fisher incluido) para grabar el álbum The Prodigal Stranger en recuerdo de B.J.Wilson, fallecido en 1989. El álbum fue un fracaso artístico, y Trower no quiso acompañar a la banda en la gira de promoción, pero volvió a colaborar con la nueva formación de Procol Harum para el álbum Well´s On Fire de 2004, mucho más destacable que el anterior.

 

Los dos primeros álbumes de Robin Trower en solitario 

El vídeo sesentero de A Whiter Shade of Pale

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¡GRACIAS A TODOS Y TODAS!

Publicado por siganmelosbuenos en enero 8, 2011

Gracias por seguir fieles a nuestra página, después de tres años de andadura. Y bienvenidos los nuevos y las nuevas visitantes, que espero os unáis a nuestra familia de amantes incondicionales del rock de toda la vida, ese que nunca deja de emocionarnos y alegrarnos la vida. El pasado 2010 volvimos a batir sobradamente el número de visitas: fueron 45.780, cuatro mil más que el año pasado.

Hace tiempo que no incluyo nuevos artículos, por falta de tiempo. Pero visto el seguimiento del blog, haré todo lo posible por aumentar el archivo. Se admiten propuestas.

¡Feliz Año a todos y todas y Viva el rock and roll!

Nacho 

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THE YARDBIRDS 1963-1968

Publicado por siganmelosbuenos en junio 16, 2009

 

The Yardbirds fue uno de los grupos más influyentes, energéticos y creativos del rythm and blues británico de los años 60. En sus filas se curtieron sucesivamente tres leyendas de la guitarra: Eric Clapton, Jeff Beck y Jimmy Page, antes de formar proyectos tan importantes como Cream, The Jeff Beck Group o Led Zeppelin, respectivamente. La frescura del directo de los primeros Yardbirds y el virtuosimo de Clapton acercaron al público anglosajón a los viejos maestros del blues norteamericano, para después sentar las bases del rock más garajero con la experimentación sonora y las guitarras pesadas de Beck y Page. Y todo ello en apenas cinco años de carrera.

 La génesis de The Yardbirds hay que buscarla en el grupo The Metropolitan Blues Quartet, formado en 1962 en Londres por el cantante y harmonicista Keith Relf (1943), el guitarrista Paul Samwell-Smith (1943), el baterista Jim McCarty (1943) y la guitarrista rítmica Laurie Gains, que pronto fue sustituida por Chris Dreja (1945). El cuarteto se convirtió en quinteto cuando Samwell-Smith se pasó al bajo ante su poca habilidad como guitarra solista, y dejó su puesto al jovencísimo Anthony Top Topham (1947), amigo personal de Dreja. Tras darse a conocer en algunos bares y clubs londinenses, el grupo se rebautizó como The Yardbirds y pronto se hizo un nombre entre los principales combos de rythm and blues de la ciudad al sustituir en el mes de septiembre de 1963 nada menos que a The Rolling Stones como banda residente del conocido local de Richmond Crawdaddy Club. Ante los crecientes compromisos artísticos del grupo, Topham tuvo que dejar la banda por su corta edad (apenas 16 años) para seguir sus estudios de arte, y fue sustituido en octubre de 1963 por otro estudiante de arte un par de años mayor llamado Eric Clapton (1945), que había estado en el grupo de blues The Roosters y que se convertirá en pieza fundamental para que la banda diera el salto a las ligas mayores del circuito musical.

Desde entonces, con una técnica todavía por pulir, pero mucha frescura y ganas, las actuaciones de The Yardbirds en directo con versiones de clásicos del blues y rhythm and blues como Howlin´Wolf, Muddy Waters, Bo Diddley o Chuck Berry causaron sensación en el público londinense, en especial por el carisma sobre el escenario de su cantante y harmonicista Keith Relf y el virtuosismo del guitarrista Eric Clapton, al que en poco tiempo se le empezó a conocer con el irónico apodo de “Slowhand” (Mano lenta). Eso sí, ambos estaban bien secundados por la vibrante sección rítmica compuesta por Dreja, Samwell-Smith y McCarty. Durante su estancia en el Crawdaddy, el veterano bluesman americano Sonny Boy Williamson II quedó impresionado por el entusiasmo y la devota dedicación al blues de aquellos jovencitos británicos y los invitó a acompañarlo en sus actuaciones en Londres. Una muestra de su colaboración quedó registrada durante una de sus sesiones en el Crawdaddy Club, y salió a la luz, a la muerte del maestro, en el álbum Sonny Boy Williamson and The Yardbirds, publicado en enero de 1966.

con Sonny Boy

El disco con Sonny Boy Williamson II

Convencido del gran potencial de The Yardbirds y su acelerada y eléctrica revisión del blues americano, el dueño del Crawdaddy Club, Giorgio Gomelsky, que había dejado pasar la oportunidad de dirigir la carrera de The Rolling Stones, se empeñó en conseguir un contrato discográfico para sus nuevos protegidos y se convirtió en su manager y productor. En febrero de 1964, The Yardbirds se trasladaron como banda residente al céntrico y mítico club The Marquee y firmaron con el sello Columbia (subsidiaria de EMI). En mayo de 1964 publicaron su primer sencillo con una versión del clásico de Billy Boy Arnold I Wish You Would -con Relf emulando a sus maestros a la harmónica-, mientras en la cara B Clapton mostraba sus poderes en el tema A Certain Girl. El disco también fue publicado en Estados Unidos en agosto con el sello Epic, que se encargó a partir de entonces de las ediciones americanas del grupo. Y después de compartir gira con su mentor Sonny Boy Williamson II por Inglaterra y Alemania y participar en el 4º Festival Nacional de Jazz y Blues de Richmond, en el mes de octubre sale el nuevo sencillo de The Yardbirds, que repetía la fórmula de su debut discográfico, en esta ocasión con el clásico Good Morning, Little Schoolgirl en la cara A y I Ain´t Got You en la B, ambos con magistrales solos de Clapton, que cada vez alcanzaba mayor popularidad entre los aficionados británicos.

Aunque la banda comenzaba a hacerse un sitio con The Animals y The Rolling Stones entre los grandes grupos de rythm and blues del país, sus discos no llegaban a los primeros puestos de ventas, de modo que Gomelsky decidió que para su primer álbum de larga duración presentaran una actuación en directo, donde verdaderamente se mostraba el potencial y carisma de The Yardbirds. Entonces se rescató la grabación de su concierto del 13 de marzo en la inauguración del nuevo local The Marquee en la calle Wardour (después de dejar la concurrida Oxford Street), evento en el que también participaron Long John Baldry y sus Hoochie Koochie Men (con Rod Stewart en sus filas) y el propio Sonny Boy Williamson II. Aunque ni las condiciones de grabación ni el sonido fueron los mejores, se consiguió el objetivo y Five Live Yardbirds, publicado a finales de 1964, se convirtió en una obra fundamental del rythm and blues británico y en el primer álbum en directo de un grupo del país, con excelentes versiones de clásicos como Smokestack Lightning, Too Much Monkey Business, Good Morning Little Schoolgirl, Five Long Years o I´m a Man. La reedición en CD del año 2003 de Five Live Yardbirds recoge, además del disco original, la trayectoria fundamental de The Yardbirds en esta primera época, incluyendo como extras los dos sencillos de 1964 ya mencionados y unas grabaciones de la actuación de The Yardbirds en el Crawdaddy en diciembre de 1963.

Five Live

El directo Five Live Yardbirds (1964)

A pesar de estas publicaciones y de su tirón en directo, el éxito comercial continuaba sin llegar para The Yardbirds, y el grupo contempló la posibilidad de tocar, además de las habituales versiones de rythm and blues, temas escritos para el gran público. Gomelsky recurrió a una canción compuesta por Graham Gouldman, líder del grupo The Mockingbirds, que había sido rechazada por Columbia para su primer sencillo. Esta canción era For Your Love y significó por fin el salto a las listas de éxito de The Yardbirds, aunque a un precio alto, pues provocó el abandono del grupo de Eric Clapton, indignado por un guiño comercial que traicionaba su compromiso con el blues que tanto adoraba. Pero lo cierto es que For Your Love era un magnífico tema, que quedó muy bien arreglado con el apoyo de Brian Auger en los teclados. El nuevo sencillo con For Your Love se publicó en marzo de 1965 y alcanzó el número 3 en Gran Bretaña y al 6 en Estados Unidos, con la última aportación de Clapton a The Yardbirds en la cara B: el potente tema instrumental Got to Hurry, compuesto por el propio productor Gomelsky, que firmó con el seudónimo “Oscar Rasputin”. Confirmada la salida de Clapton por esas mismas fechas, el propio guitarrista recomendó para sustituirle a su amigo Jimmy Page, por entonces un reconocido músico de sesión. Sin embargo, este prefirió continuar de momento con su lucrativa carrera en el estudio y recomendó a su vez a Jeff Beck (1944), otro talentoso guitarrista que venía del grupo The Tridents y que aceptó encantado la propuesta.

Clapton siguió fiel al blues más tradicional ingresando en los Bluesbreakers de John Mayall, y curiosamente grabó algún tiempo después varios temas a dúo con Page. Mientras tanto, Jeff Beck lideró una nueva etapa de The Yardbirds, marcada por la experimentación sonora del nuevo guitarrista en el uso del fuzztone, el feedback y la distorsión, con lo que a partir de entonces el grupo navegó entre el pop psicodélico de sus temas más comerciales y el blues-rock de alto voltaje. Así, mientras Gouldman volvió a proporcionar a The Yardbirds dos nuevos hits masivos con Heart Full of Soul en junio de 1965 (nº 2 en Gran Bretaña y 9 en USA y acompañada en la cara B por el instrumental Steeled Blues de Jeff Beck) y Evil Hearted You en septiembre (nº 3 en Gran Bretaña y Still I´m Sad en la cara B), Epic publicaba en Estados Unidos el recopilatorio For Your Love, que salió en el mes de julio e incluía, además de canciones ya publicadas en la época de Clapton, dos potentes temas inéditos dominados por la guitarra de Beck: I´m Not Talking y I Ain´t Done Wrong.

For Your LoveHaving a rave up

Los recopilatorios americanos de 1965: For Your Love y Having a Rave Up with the Yardbirds

En octubre de 1965 llegó un nuevo sencillo de The Yardbirds en Estados Unidos, con la versión del clásico de Bo Diddley I´m a Man, ya interpretada por el grupo para el disco en directo Five Live Yardbirds, al que siguió al mes siguiente un segundo recopilatorio: Having a Rave Up with the Yardbirds, que incluía una selección de sencillos en la cara A y cuatro temas de Five Live Yardbirds en la B. La novedad de impacto fue la potente versión de Train Kept A-Rolling, un tema popularizado por Johnny Burnette en 1956 que The Yardbirds convirtieron en un adelanto pionero del rock duro. No en vano, este fue el primer tema que tocaron juntos los miembros de Led Zeppelin cuando andaban a la búsqueda de su propio y demoledor sonido. Comenzado el año 1966, The Yardbirds consiguieron su primer éxito con una canción propia: Shapes of Things, obra de Samwell-Smith y McCarty, aunque marcada de nuevo por la experimentación guitarrística de Beck. El tema llegó al número 3 en Gran Bretaña y al 11 en Estados Unidos, con dos excelentes caras B en estos países, la versión de Mister, You´re a Better Man Than I y el slow-blues New York City Blues, respectivamente.

Los miembros del grupo tomaron por fin la confianza suficiente para componer sus propios temas e iniciar el proyecto de un álbum de larga duración en estudio. De este modo, tras el sencillo de mayo de 1966 con la psicodélica guitarra de Beck en Over, Under, Sideways, Down y el boogie instrumental Jeff’s Boogie, se completó un repertorio de doce canciones que se publicó en Gran Bretaña en el mes de julio con el simple título de Yardbirds, aunque sería conocido entre los aficionados como Roger the Engineer, por la caricatura del ingeniero de sonido Roger Cameron realizada por Chris Dreja que aparecía en la portada del disco. No obstante, el álbum salió a la venta al mes siguiente en Estados Unidos con diferente portada, el título de Over Under Sideways Down y dos temas menos respecto a la edición británica. Aunque esta obra no llegó muy alto en las listas ni alcanzó grandes ventas, está considerada una obra fundamental en la experimentación musical del rock de los 60. Compuesta en su totalidad por los miembros del grupo y con la producción de Simon Napier y el propio Samwell-Smith (cada vez más decantado por estas labores), muestra en realidad las diferentes inquietudes que por entonces mostraban los miembros de The Yardbirds, desde el blues rock de Nazz are Blue (que tuvo una versión instrumental magnífica titulada Jeff´s Blues) y Rack my Mind hasta la psicodelia de Over, Under, Sideways, Down, pasando por el gusto por la canción melódica y el gregoriano, los aires hindúes de la curiosa Hot House of Omagarashid y toques de jazz y folk.

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La edición original británica de Yardbirds (aka Roger the Engineer), y la edición americana

Tras la publicación del álbum, Samwell-Smith abandonó definitivamente su labor como bajista para centrarse en la producción del grupo, y entonces se contrató a Jimmy Page (1944) para cubrir su ausencia. Page ya había colaborado con The Yardbirds en la revisión de Train Kept A-Rolling que se grabó en vivo en la primavera de 1966 para la película del director italiano Michelangelo Antonioni Blow Up, ambientada en el Swinging London. En esta versión con diferente letra y arreglo musical que se rebautizó como Stroll On para evitar los derechos de autor, Beck finalizaba la actuación destrozando su guitarra ante los fallos técnicos en sus amplificadores, en una escena inspirada en el habitual numerito de Pete Townsend en los conciertos de The Who, que fueron en principio los elegidos para la escena (después se pensó también en la Velvet Underground y The In-Crowd).

Page aceptó entrar en la formación como bajista, hasta que Dreja se sintiera cómodo con este instrumento, pero no tardó en formar pareja con Beck en las guitarras solistas, aumentando más si cabe la potencia del sonido de The Yardbirds. No obstante, la colaboración entre Page y Beck en el estudio fue casi testimonial, pues tan solo se les puede escuchar juntos en Stroll On y en Happening Ten Years Ago, incluido en el sencillo que salió sin demasiado éxito en otoño de 1966.  Por la misma época, Beck dejó tirados a sus compañeros durante la gira del grupo por Estados Unidos, y estos decidieron prescindir de él y confiar las labores de guitarra solista a Page. Beck no se sentía cómodo con las exigencias artísticas de la banda y la sombra de Page a su lado y tras cerrar su colaboración con The Yardbirds formó su propia banda, The Jeff Beck Group. No obstante, todavía grabó junto a Page y sus amigos Nicky Hopkins, John Paul Jones y Keith Moon el tema Beck´s Bolero, una revisión del Bolero de Ravel compuesta por Page y que incluyó en la cara B de su primer sencillo (Hi Ho Silver Lining) y en su primer álbum con The Jeff Beck´s Group (Truth).

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The Yardbirds con Beck y Page en sus filas

La ausencia de Beck dejó a The Yardbirds y su compañía discográfica con muchas dudas artísticas y sin un rumbo musical claro. Así que, para intentar relanzar comercialmente al grupo en el que habían triunfado Clapton y Beck, el sello británico EMI contrató al productor Mickie Most, artífice de los éxitos de bandas como Animals, Herman´s Hermits o el cantautor Donovan. Desde su llegada, Most dirigió a The Yardbirds hacia un sonido más pop y les produjo en la primavera de 1967 un disco sencillo  con la canción de Spiro/Wainman Little Games. Este primer intento fracasó, a pesar de que en la cara B se incluía el magnífico tema de Jimmy Page Puzzles, que mostraba ya el interés del guitarrista por la mezcla del folk acústico y los sonidos cercanos al hard-rock, con el uso de guitarras distorsionadas con fuzz. En julio salía otro fallido intento de Most de alcanzar un éxito de ventas con la circense Ha Ha Said the Clown en la cara A (canción con la que acababan de triunfar sus colegas de Manfred Mann y en cuya grabación participó tan solo Relf junto a músicos de estudio) y Tinker Taylor Soldier Sailor en la B, un divertimento musical que utiliza la letra de una canción infantil inglesa, pero que comienza con unos acordes precursores del sonido de Led Zeppelin e incluye a mitad de canción una de las innovaciones sonoras más comentadas de Jimmy Page: el uso de un arco de violín para frotar las cuerdas de su guitarra, algo que no obstante había hecho poco antes el guitarrista de Creation, Eddie Philips.

El fracaso de los sencillos provocó que Columbia-EMI descartara editar un álbum de larga duración, a pesar de que ya se había completado el repertorio, y fue finalmente el sello Epic quien se aventuró a publicarlo en Estados Unidos, en agosto de 1967. Del diseño de la psicodélica cubierta se encargó el prestigioso artista Phil Smee. En el disco original, que contenía diez canciones, no se incluyeron ni Ha Ha Said the Clown ni Puzzles. En cualquier caso, Little Games resultó una amalgama algo inclasificable de sonidos, que variaban desde los clásicos rythm and blues de las canciones de Chris Dreja a las baladas pop del cantante Keith Relf pasando por el hard rock y folk de los temas de Page. Tras la apertura con Little Games, el sonido original de los Yardbirds se recupera en las magníficas Smile on Me y Drinking Muddy Water de Dreja. Pero la experimentación de Page aparece ya en las primeras canciones del disco. Así, White Summer es una maravilla acústica con reminiscencias de la música ragga oriental, aunque el guitarrista copiara sin miramientos el arreglo que el cantautor folk inglés Davey Graham hizo del tema popular irlandés She moves through the fair con el título de She moved thru´the bizarre/Blue Raga.

White Summer fue además el embrión de la futura canción de Led Zeppelin Black Mountain Side. No en vano, Page solía tocar ambos temas engarzados en muchos de sus conciertos con su posterior banda. La segunda joya de Page en Little Games es el tema instrumental Glimpses, un vanguardista collage musical con un envolvente sonido conseguido a base de pedal wah-wah, que se utilizó incluso cuando a mitad de canción entra el cantante Keith Relf recitando un poema. La segunda parte del álbum está dominada por fallidas e intrascendentes versiones como No Excess Baggage y Stealing, Stealing, la balada intimista Only the Black Rose y la ingenua canción antimilitarista Little Soldier Boy. En las grabaciones del disco participaron, además de los miembros del grupo, algunos músicos de sesión muy reconocidos en aquellos años, como el teclista Nicky Hopkins, el batería Clem Cattini y el bajista John Paul Jones, futuro miembro de Led Zeppelin.

Little Games

El último álbum de The Yardbirds: Little Games (1967)

Desde su salida a la venta, Little Games fue un fracaso musical y comercial. The Yardbirds volvieron de gira mientras tanto por Estados Unidos con la ayuda de su nuevo manager, Peter Grant (que continuaría con Page en los Led Zeppelin), aunque en los conciertos de esta última época el grupo prefería tocar en vivo los temas clásicos de épocas pasadas y versiones de blues o de otros grupos. Durante la gira, se empezaron a agudizar las disensiones internas, acuciadas además por el abuso de drogas de algunos de sus miembros. En otoño, se publicó en Gran Bretaña otro disco sencillo con la versión de la canción de Nilsson Ten Little Indians, acompañada del blues eléctrico de Drinking Muddy Water, pero tampoco tuvo la respuesta esperada. A principios de 1968, The Yardbirds regresaron a Estados Unidos y en marzo grabaron en Nueva York un concierto en vivo y varias canciones que en principio no fueron editadas. Ese mismo mes registraron además sus últimas actuaciones para la emisora BBC de Londres y se publicó el último sencillo de la carrera de The Yardbirds, que reincidió en el mismo error de ocasiones anteriores: en la cara A se presentaba una intrascendente canción (en este caso la versión de Good Night Sweet Josephine de Tony Hazzard), mientras se relegaba a la cara B la potente Think About it, con un solo final magistral a cargo de Page.

Poco después, los intereses diversos del grupo terminaron por disolver The Yardbirds, que actuaron por última vez juntos en Inglaterra, en julio de 1968. Keith Relf y Jim McCarty quisieron continuar con sus tendencias más intimistas y folk y formaron el dúo Together, con la producción de su antiguo compañero Paul Samwell-Smith. Page mantuvo los derechos del nombre del grupo para una gira comprometida por Escandinavia y reclutó para sustituir las bajas al entonces desconocido cantante Robert Plant y al batería John Bonham, amigo de la infancia de Plant. Como bajista ofreció a Dreja continuar, pero este finalmente prefirió dedicarse a la fotografía, así que fue invitado para ocupar su lugar el veterano músico de sesión John Paul Jones. Esta formación, que juntaba ya el futuro plantel de Led Zeppelin, se presentó todavía como The New Yardbirds en su gira escandinava del mes de septiembre de 1968, interpretando tanto temas de la carrera de The Yardbirds como las nuevas composiciones de Page y sus compañeros, que se incluirían en el primer álbum de Led Zeppelin. Fue al fichar la nueva formación con el sello Atlantic cuando Epic y sus excompañeros de The Yardbirds se negaron a que siguieran utilizando el nombre del grupo y entonces Page decidió rebautizarla como Led Zeppelin.

Yardbirds con Page

El disco “prohibido”: Live Yardbirds (1971)

Led Zeppelin resultó un bombazo en el mundo del rock desde su primer disco y, aprovechando el tirón, Epic quiso hacer caja publicando en 1971 la actuación en vivo de TheYardbirds en marzo de 1968 en el Anderson Theatre de Nueva York con el título de Live Yardbirds! Featuring Jimmy Page. Sin embargo, a Page no le gustó nada la introducción de efectos de público ni la interpretación vocal en ese concierto de su compañero Relf, por lo que encargó a sus abogados que detuvieran la distribución de esta edición y otra posterior de 1976, aunque el disco siguió circulando como pirata. Las malas lenguas dicen no obstante que el verdadero motivo del rechazo de Page a la publicación de esta grabación en vivo fue que en ella el grupo interpretaba el arreglo que habían realizado del tema Dazed and Confused del cantautor Jack Holmes, publicado en 1967, y que finalmente Page se apropió como suyo para el repertorio del primer disco de Led Zeppelin. Algo parecido sucedió cuando Page impidió que el tema Know I´m Losing You, que presenta un gran parecido con Tangerine del disco III de Led Zeppelin, fuera incluido en el recopilatorio de temas inéditos de la última época de Yardbirds (Cumular Limits), editado en 2000 por Burning Airlines. En este disco, aparecen por primera vez las grabaciones realizadas en Nueva York en marzo de 1968. Una última entrega de un grupo único que solo vio ensombrecida su leyenda con la trágica muerte del cantante Keith Relf en 1976, electrocutado cuando tocaba la guitarra en su casa.

Aquí podéis ver la famosa escena de la película Blow Up con The Yardbirds

 

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SANDY DENNY + FAIRPORT CONVENTION

Publicado por siganmelosbuenos en marzo 9, 2009

 

 

Sandy Denny es sin lugar a dudas una de las voces más extraordinarias y recordadas de la música folk británica. Cantante principal en las dos obras maestras publicadas en 1969 por el legendario grupo Fairport Convention (Unhalfbricking y Liege and Lief), puso además su emocionante voz en otras bandas del género como Fotheringay y publicó varios discos en solitario de enorme interés antes de su prematura muerte a los 31 años de edad. 

 

 Alexandra Elene Maclean Denny (1947–1978) nació el 6 de enero de 1947 en el popular barrio londinense de Kingston, al sur del Támesis. La inclinación por la música de la pequeña Sandy comenzó temprano, pues de niña estudió piano y participó en el coro de su colegio como cantante y guitarrista. Sin embargo, cuando terminó los estudios secundarios se vio obligada a ingresar en la escuela de Enfermería, por deseo de sus padres, aunque al poco tiempo su vocación se impuso y dejó los estudios para entrar en la Escuela de Arte de Kingston. Allí coincidiría nada menos que con tres legendarios músicos y guitarristas británicos: Jimmy Page, Eric Clapton y John Renbourne (fundador del grupo folk Pentangle), con los que mantendría una buena amistad a lo largo de su carrera artística. Hacia 1965, Sandy empezó a cantar folk en clubes de Londres, sobre todo temas de cantautores americanos de la época como Tom Paxton, Bob Dylan, Joni Mitchell y, sobre todo, de su por entonces novio Jackson C. Franck (1943-1999), un prometedor artista que se había instalado en la capital inglesa, donde publicó su primer disco con la producción de su amigo y compatriota Paul Simon. La primera contribución discográfica de Sandy Denny fue precisamente en la cara B del primer sencillo de Franck, aunque fuera simplemente acompañando con la pandereta la canción Can’t Get Away From My Love.

Pero después de que Franck decidiera volverse a Estados Unidos por causa de sus problemas personales, Sandy continuó mostrando su enorme talento como vocalista en el circuito folk, lo que le proporcionó una audición con la emisora estatal BBC y un posterior contrato con el sello Saga Records. A principios de 1967, viajó a Dinamarca para actuar en el British Folk Week celebrado en el Tivoli Garden de Copenhague, y de vuelta en Londres fue invitada a interpretar varios temas tradicionales ingleses y canciones de Jackson C. Franck, Campbell y Paxton con los grupos de los cantantes folk británicos Alex Campbell y Johnny Silvo. Estas grabaciones serían publicadas por Saga Records en los discos Alex Campbell and his Friends y Sandy and Johnny. Ese mismo año, tras actuar en el conocido local Troubadour de Earl´s Court, Sandy se unió al grupo de folk Strawbs, que lideraba Dave Cousins. Con ellos pasó varios meses y viajó en el mes de mayo hasta Dinamarca para grabar en un estudio de Copenhague el repertorio de un disco, que incluía una preciosa canción compuesta por la propia Sandy titulada Who Knows Where the Time Goes? Las grabaciones de Sandy con The Strawbs no se publicarían sin embargo hasta 1973, gracias al sello Pickwick, con el título de All Our Own Work, pero la famosa cantautora norteamericana Judy Collins quedó prendada de la canción de su colega británica y la popularizó en todo el mundo al incluirla en su disco de 1968, titulado precisamente Who Knows Where the Time Goes?

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Portada prevista para el disco de Sandy Denny con The Strawbs y portada editada por el sello Pickwick en 1973

Por fin, después de tocar el piano para el disco Galleries del grupo Young Tradition, Sandy Denny fue elegida para sustituir a Judy Dyble como cantante del grupo de folk londinense Fairport Convention, que había publicado su primer álbum en junio de 1968, Fairport Convention (Polydor), con la producción del norteamericano Joe Boyd (1942). Boyd había sido mentor de otro prometedor grupo folk inglés como The Incredible String Band, pero también de los primeros pasos de los sicodélicos Pink Floyd. Fairport Convention se crearon en 1967 con la unión de varios brillantes y jovencísimos músicos ingleses: el bajista Ashley Tyger Hutchings (1945), los guitarristas Simon Nicol (1950) y Richard Thompson (1949) y el baterista Martin Lamble (1949), a los que se unieron dos cantantes: Ian McDonald(que después cambió su nombre artístico a Ian Matthews) (1946) y Judy Dyble (1949), por entonces novia del guitarrista Richard Thompson. McDonald y Dyble alternaban en las voces al estilo de los cantantes de Jefferson Airplane, uno de sus grupos favoritos de la época, aunque su principal influencia era la música popular norteamericana, desde el country hasta el blues, y sobre todo la música de los grandes cantautores de la época, como Joni Mitchell, Bob Dylan, Gene Clark, Richard Fariña o Leonard Cohen. 

Tras la salida de Dyble, Denny se encargó de compartir labores de cantante con Ian Matthews, además de tocar la guitarra acústica y todo tipo de teclados en las grabaciones. En enero de 1969, Fairport Convention publicó el álbum What We Did On Our Holidays (Island), que contenía el legendario tema de Richard Thompson Meet on the Ledge. El álbum salió también en Estados Unidos con A&M, aunque con una portada diferente y el simple título de presentación Fairport Convention. El repertorio se basó principalmente en temas compuestos por los miembros del grupo, sobre todo del guitarrista Richard Thompson, en los que las influencias de la música norteamericana siguen siendo evidentes, con la inclusión además de los habituales versiones, en esta ocasión de Dylan y Mitchell. En cualquier caso, ya se apunta el interés de la formación por el folk de las islas británicas, que se desarrollará en obras siguientes, pues en la cara B interpretan un par de arreglos de temas tradicionales: Nottamun Town y She Moves Through the Fair. Sandy tuvo ocasión además de mostrar una vez más su talento para la composición, abriendo el álbum con otro precioso tema titulado Fotheringay, que ella misma canta de forma magistral.

Fotheringay era el nombre del castillo inglés en el que estuvo encerrada a finales del siglo XVI la reina escocesa Mary, sobre la que trata la canción. Nada más publicarse What We Did On Our Holidays, el grupo comenzó a grabar un nuevo disco, de nuevo con la producción del norteamericano Joe Boyd, pero a las primeras de cambio se produjo la salida del cantante Ian Matthews, que abandonó Fairport Convention para formar su propio grupo, Matthews Southern Comfort. A partir de entonces, Sandy se encargó de interpretar en solitario todas las canciones del nuevo álbum, pues Matthews sólo llegó a participar en la versión del tema de Dylan Percy´s Song.

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Portada de What We Did On Our Holidays (1969) en Gran Bretaña (Island) y en Estados Unidos (A&M)

 

El tercer álbum de Fairport Convention se concluyó en el mes de abril con el título de Unhalfbricking y un repertorio de excelentes canciones en las que Denny se consagró como una de las voces más emocionantes del panorama musical británico. Además de dos temas de Thompson (Genesis Hall y Cajun Woman), se incluyó la conocida balada Who Knows Where the Time Goes?, que Denny volvió a grabar con su nuevo grupo,y otra brillante composición de la cantante, Autopsy, que presenta un toque elegantemente jazzístico. Aunque ya era muy conocida por la difusión que le dió Judy Collins, Who Know Where the Time Goes? se convirtió en uno de los temas más universales de Sandy Denny. De hecho, fue elegida en 2007 como la “canción folk británica favorita de la historia”, en una votación entre los oyentes de la emisora de radio BBC. En este álbum, se produjo además el giro definitivo de Fairport Convention hacia las raíces musicales de su tierra, con la versión de once minutos del tema tradicional Sailor´s Life, que solía cantar Denny en sus primeras actuaciones en Londres, pero que con la instrumentación del resto del grupo (en especial la fantástica guitarra de Thompson) y la incorporación del virtuoso del fiddle Dave Swarbrick (1941) marcó el punto de partida del folk eléctrico inglés.

Por último, aunque las influencias de los autores norteamericanos perderían presencia en discos posteriores, en Unhalfbricking se incluyeron nada menos que tres versiones de Bob Dylan (y otras dos que quedaron fuera del repertorio final), después de que los miembros del grupo quedaran impresionados al escuchar las maquetas de las canciones de The Basement Tapes grabadas por el cantautor norteamericano. Por desgracia, en mayo de 1969, cuando preparaban su primera gira por Estados Unidos, los miembros de Fairport Convention sufrieron un terrible accidente con la furgoneta en la que viajaban, en el cual fallecieron el batería Martin Lamble, con sólo 19 años, y la novia de Thompson. Al mes siguiente, salió a la venta Unhalfbricking, que llegó al número 12 de las listas británicas y lanzó al grupo al estrellato, mientras David Mattacks ocupaba el puesto de Lamble a la batería. Para la portada de Unhalfbricking se utilizó una fotografía de los padres de Sandy en la entrada del parque frente a su casa en Wimbledon, con el grupo visible a lo lejos en el interior del parque, aunque de nuevo se utilizó una portada diferente en la edición americana, en la que aparecían varios elefantes en formación circense. En esta época, Fairport Convention grabó además en directo para la BBC de Londres, registros que se publicaron en el año 1976 con el título de Heyday.

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Portada de Unhalfbricking (1969) en Gran Bretaña (Island) y Estados Unidos (A&M)

 

En el verano de 1969, recuperados del shock del terrible accidente del grupo, Fairport Convention preparó nuevas canciones y las presentó al público en una actuación en el Royal Festival Hall de Londres. Por fin, en el mes de octubre se metieron en el estudio y con su nuevo repertorio grabaron el fundamental Liege and Lief, considerada una obra maestra que consagró a Fairport Convention como grupo pionero y abanderado del folk-rock británico, junto a sus colegas de Pentangle. De los ocho cortes del disco, cinco son arreglos de temas tradicionales ingleses, incluido un medley de danzas populares animado por el fiddle de Swarbrick, que entró como miembro permanente del grupo. La mayoría de estos temas fueron encontrados por el bajista Ashley Hutchings en la colección de Cecil Sharp depositada en la English Folk Dance and Song Society. Para completar el repertorio, dos preciosas composiciones de Thompson, Farewell, Farewell y Crazy Man Michael, en las que las guitarras envuelven la maravillosa voz de Denny, y Come All Ye, compuesta por la cantante junto a Hutchings. La interpretación de Denny destaca también en las excelentes versiones eléctricas de los temas tradicionales Matty Groves y Tam Lin y en la balada Reynardine.

Liege and Lief salió a la venta en el mes de diciembre de 1969 y llegó al número 17 de las listas británicas. En 2002, fue votado por los oyentes de la emisora estatal BBC como el disco más importante de la historia del folk británico. Pero a pesar del éxito del nuevo registro de Fairport Convention, el bajista Ashley Hutchings dejó en esta época el grupo para formar otra de las bandas fundamentales del folk-rock británico, Steely Span. Poco después, la propia Sandy Denny decidió también seguir su propio camino, y tras algunos conciertos de promoción de Liege and Lief, creó Fotheringay junto a su novio australiano Trevor Lucas y los músicos Gerry Conway, Jerry Donahue y Pat Donaldson, aunque permanecieron en el sello Island y con la producción de Boyd. Fairport Convention publicó mientras tanto en 1970 el álbum Full House, tras el cual también Richard Thompson abandonó la formación para iniciar su carrera en solitario, con lo que solo quedó el guitarrista Nicol de los miembros originales.

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Liege and Lief (1969) de Fairport Convention y el único álbum de Fotheringay (1970)

 

Fotheringay publicó su álbum de presentación en junio de 1970, Fotheringay, que ha pasado algo desapercibido a pesar de tratarse de una excelente obra musical de la que se destacaron los temas Nothing More, The Sea y The Pond and The Stream. Pero cuando preparaban el repertorio de un nuevo álbum (grabaciones rescatadas y publicadas recientemente por el sello Fledg´ling Records con el título de 2), Denny decidió afrontar su carrera artística en solitario y presentó en septiembre de 1971 The North Star Grassman and the Ravens, con la ayuda en la producción de Richard Thompson y la colaboración de sus excompañeros de Fotheringay. En 1971,Denny cantó además Breakfast in my Fair en el disco Babbacombe Lee de Fairport Convention y junto a todos sus colegas de uno y otro grupo grabó el curioso disco de versiones de clásicos del rock and roll Rock On, que editaron con el nombre de The Bunch en enero de 1972.

Antes, Denny realizó una colaboración histórica en el cuarto disco de Led Zeppelin, cantando junto a Robert Plant el tema folk The Battle of Evermore. También hizo un cameo musical en 1972 en la interpretación de la ópera rock Tommy de sus amigos The Who junto a la London Symphony Orchestra en el Rainbow Theatre de Londres, evento en el que también participaron Ringo Starr, Rod Stewart, Steve Winwood, Richie Havens y Maggie Bell. Denny se encargó de cantar el tema I´m a Boy. En septiembre de 1972, la prodigiosa cantante publicó su segundo disco en solitario, Sandy, producido en esta ocasión por su novio Lucas y con un sonido algo más country en sus canciones. Ese mismo año, participó en la banda sonora de la película Past of Arms y también en la película danesa Swedish Fly Girls, además de cantar en varias canciones del disco en solitario de Richard Thompson Henry the Human Fly! Era un momento álgido de su carrera, pues tanto en 1971 como en 1972 Denny fue elegida por la revista Melody Maker como mejor cantante inglesa del año.

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 Sandy Denny con Bonham, Plant y Page de Led Zeppelin

 

 En 1973, Denny se casó finalmente con Trevor Lucas, que se había unido a Fairport Convention en esta época junto con otros miembros de Fotheringay, y publicó su tercer álbum, Like an Old Fashioned Waltz.Poco después, se incorporó a la nueva formación de Fairport Convention (Lucas, Mattack, Donahue, Swarbrick y el bajista Dave Pegg) para acompañarles en una gira mundial, de la que se extrajo material para el directo Fairport Live Convention, publicado en 1974 con la producción de Lucas y John Wood. Todavía se mantendría su colaboración con el grupo para la grabación del disco Rising for the Moon, que salió en junio de 1975 con la producción de Glyn Johns y que supuso un serio intento de recuperar la brillantez de los primeros Fairport Convention, con una excelente aportación de canciones compuestas por Denny. Pero de nuevo la inquieta cantante reinició su camino en solitario, aunque su abuso cada vez mayor del alcohol y las drogas (no sólo cocaína, sino también tranquilizantes y adelgazantes para combatir sus inseguridades y complejos) perjudicaron la claridad de su voz. 

Su carrera artística entró por entonces en un bache, sobre todo después del fracaso de su último disco, Rendezvous de 1977,a pesar de que incluía una versión de la canción de Elton John Candle in the Wind. Ese mismo año, había nacido su hija Georgia, pero en 1978 Lucas se llevó a la niña a Australia ante la inestabilidad de la situación de Denny. Durante unas vacaciones con sus padres en Cornwall, la cantante se golpeó la cabeza al caer de una escalera; un mes después se desplomó en casa de una amiga y falleció a los pocos días, por causa de una hemorragia cerebral. Su prematura muerte causó verdadera conmoción en el mundo musical británico, pues era una de las voces más admiradas por sus compañeros y por el público en general. Desde entonces, numerosos artistas recordaron a la querida artista en alguna de sus canciones, incluido el irlandés Phil Lynott, que en 1984 grabó junto al grupo Clann Eadair el tema A tribute to Sandy Denny. En el año 2010, el sello Universal Music publicó una caja recopilatoria de la obra de Sandy (Sandy Denny Box Set), con nada menos que diecinueve discos con todas las grabaciones de la artista realizadas entre 1967 y 1977.

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El directo Fairport Live Convention (1974) y Rising for the Moon (1975)

 

 

Sandy Denny cantando Come All Ye para Fairport Convention

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